PENSARTE

PENSATIVA

2012-02-07T23:12:00.001Z

41x31 acuarela sobre papel

http://www.arteycartelera.es dibujo y pintura on-line (e-learning)

SORPRENDIDA

2012-02-02T14:44:00.001Z

SORPRENDIDA 41X31 acuarela sobre papel

http://www.arteycartelera.es dibujo y pintura on-line (e-learning)

COMO FUNCIONAN NUESTROS CURSOS

2012-01-27T21:44:00.011Z

dibujo con errores

marcado de errores por el profesor

dibujo corregido

Nuestra Academia Arte y Cartelera http://www.arteycartelera.es/moodle/ imparte cursos de Dibujo y Pintura on-line por el procedimiento llamado e-learning. Estos cursos están montados sobre una plataforma Moodle, interactiva, que como los informados saben, se utiliza para la enseñanza a través de Internet, por tanto con tutoría.

Sabemos que a la mayoría de la gente le parecerá imposible aprender a dibujar y pintar sin tener al lado al profesor pues siguen aferrados a la idea tradicional, pero hoy con las nuevas tecnologías se supera con creces este obstáculo e incluso yo diría que lo mejoramos.

Nuestros cursos tienen unos contenidos fundamentales donde se explica, de forma muy didáctica, con claridad y sencillez lo que es necesario saber antes de acometer los ejercicios y esta información se complementa con enlaces a otras webs de manera que todo se comprende y asimila sin problemas, pero si los hubiera, el alumno tiene libertad total de efectuar todas las consultas que necesite y se le responderá por escrito por vía interna del aula virtual, e-mail o bien por chat. También utilizamos “skype” así podemos hablar y ver, de manera que el profesor literalmente entra en la casa del alumno.

Lo más importante de nuestro sistema es que la teoría se comprende perfectamente gracias a la práctica, haciendo muchos ejercicios donde se experimentan las técnicas descritas y ahí es cuando se aprende de verdad. Los errores cometidos sirven para asimilar en profundidad las aplicaciones técnicas. No hay que tener miedo a equivocarse pues ello sirve para corregir los errores y así alcanzar un sobresaliente.

Los ejercicios que el alumno nos envía resueltos por él, son corregidos de forma gráfica en la mayoría de los casos, remarcando en rojo la zona errónea y si es un dibujo le redibujamos la parte mal resuelta para que no haya dudas, aparte de las explicaciones pertinentes, tal como haría el profesor en el aula o taller. Como el dibujo original lo tiene el alumno, a la vista de la imagen que le enviamos puede comprender el problema y corregirlo perfectamente. En los cursos de Iniciación se hacen entre 20 y 40 ejercicios y en los cursos Superiores se llega a realizar más de 400 ejercicios, por tanto queda garantizado el aprendizaje sin duda alguna.

http://www.arteycartelera.es/moodle/ dibujo y pintura on-line (e-learning)

Peinándose

2012-01-14T17:06:00.003Z

41x31 acuarela sobre papel

http://www.arteycartelera.es dibujo y pintura on-line (e-learning)

AÑO VIEJO AÑO NUEVO

2012-01-03T22:07:00.001Z

imagen tomada de "elcrimen.net"

Al igual que el Ave Fénix

Al morir el Viejo Año

Tiene que nacer el Nuevo

Y que traiga menos daño

Que bajen las hipotecas

Y que suban los salarios

Que tengamos las reservas

Igual que los dromedarios

Que tengamos gran salud

Pues la suerte ya está echada

Como no nos tocó nada

No se produjo el alud

Y que tengamos amor

Y amor con amor se paga

Así no gastamos nada

Y se nos marcha el dolor

Dos momentos tiene el dinero

Viene despacio y se va ligero

Y si lo quieres mantener

¡No gastarlo! es mi parecer

Pero como hay que comer

Tenderá a desaparecer

Por ello os digo ¡comamos!

Y el dinero…lo gastamos.

FELIZ NAVIDAD o FELICES FIESTAS NAVIDEÑAS

2011-12-21T21:01:00.002Z

ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS (Leonardo Da Vinci)

Sirva este cuadro del gran Leonardo como tarjeta de felicitación navideña.

Esta obra que quedó así, inacabada, nos permite ver con claridad la manera de trabajar de Leonardo, donde después de realizar un dibujo meticuloso y con todo detalle, con una "grisalla" o "marronada" valoraba tonalmente toda la obra para luego continuarla mediante "veladuras". Proceso lento pero muy efectivo para poner de relieve sus "claroscuros" dando volumen y vida a sus figuras.

ACCESO GRATUITO A MIS CURSOS

2011-12-13T19:45:00.002Z

Dado que pronto es Navidad he decidido que, para quienes estén interesados en aprender Dibujo y Pintura, puedan acceder gratuitamente a estos cursos. Así que entren en

http://arteycartelera.es

y una vez ahí, pinchen COMO ENTRAR EN LA ACADEMIA siguiendo las instrucciones de inscripción, así podrán ver y leer todos los contenidos de los cursos de Iniciación al Dibujo y a la Pintura en los diversos temas y técnicas.

Confío en que les guste y lo disfruten.

EL ESPÍRITU DE LA NAVIDAD

2011-12-03T16:54:00.003Z

Lolo es un niño de cuatro años, muy guapo y muy inteligente a quien le gusta mirar el cielo y quedarse embobado contando las estrellas, aunque solo cuenta hasta 20 y luego vuelve a empezar, por ello su conclusión es que hay muchos veintes de estrellas.

El día de Noche Buena, fiel a su costumbre, en cuanto se hizo de noche, salió al patio de su casa a contar las estrellas por si alguna faltaba o aparecía alguna nueva. Mientras, sus papás se afanaban en preparar la cena, pues vendrían sus tíos y su prima Loli.

De pronto vio como la estrella más brillante que vislumbraba en el cielo comenzó a moverse de izquierda a derecha, primero lentamente y luego de forma más rápida, para finalmente ir cayendo hacia donde él estaba. Aunque el miedo comenzó a hacer mella en él, aguantó sin moverse para ver que sucedía. Vio como la estrella, cada vez se hacía más grande según se iba acercando y cuando llegó a tierra, como a unos veinte metros de él, fue cuando se dio cuenta que se trataba de una preciosa niña que relumbraba a todo su alrededor. Ella, con una sonrisa angelical, se fue acercando a Lolo y le dijo:

-Hola Lolo, no temas, soy el Espíritu de la Navidad y vengo a tocarte con mi halo para que con mi energía puedas transmitir a los demás paz y felicidad.

Lolo no podía articular palabra y ni siquiera conseguía tragar la saliva de su boca, asustado como estaba, y la mente se le quedó en blanco.

Absorto en la contemplación de tan preciosa criatura y percibiendo su bondad a través de su sonrisa, por fin pudo reaccionar y decirle:

-¿Tú… tú…tú eres el Espíritu de la Navidad?

-Si, eso es. Vengo a cumplir mi misión de transmitir paz y felicidad para todas las personas.

- Y ¿para mi perrita Layla?

-Para tu perrita Layla también ¡claro!

-Y para mi prima Loli ¿verdad?

-Si, también para tu prima Loli, a la que quieres mucho.

-Si, es verdad, la quiero mucho y nos llevamos muy bien.

-Pues tú serás quien transmitirás a toda tu familia y amigos mi Espíritu, mi energía, para que todos tengan paz y felicidad.

-¿Cómo haré eso?

-Pues bastará con que les des un beso con todo tu cariño y en ese momento me imagines como me estás viendo ahora y así yo estaré allí.

-¡Vale! Pues así lo haré.

-De acuerdo Lolo, con mi energía tú sentirás mucha paz y serás muy feliz, ya lo verás. Y no te olvides de hacer lo que te he dicho.

-Lo haré, Espíritu de la Navidad.

Entonces el angelical espíritu se transformó todo en luz, una luz cegadora que comenzó a moverse hacía arriba, lentamente, y según subía se desplazaba más rápido, cada vez más rápido, hasta que, en un instante, volvió a ocupar su posición en el cielo. Lolo vio como si le hiciera señales, pues la estrella parecía que se apagaba y se encendía.

Lolo entró en su casa radiante de felicidad y dio un beso a su mamá y al retirarse se dio cuenta de que a su mamá le brillaban los ojos de una manera especial, como nunca le había visto. Después besó a su papá y sucedió mismo, parecía que salía luz de los ojos de su papá. Después le dio un beso a su perrita Layla y ésta dejó escapar un ¡guau! Especial, tierno. Así Lolo vio que era verdad lo que le había dicho el Espíritu de la Navidad y por ello se sintió muy feliz.

Pasado un rato, sonó el timbre de la puerta y al abrir su mamá vio que eran sus tíos y su prima Lola y comprobó que según los iba besando aparecía en sus ojos ese brillo especial, particularmente en su prima Lola que sus ojos parecían dos luceros.

-¡Qué guapa estás prima Lola! Tus ojos brillan de una manera especial.

-¡A ti también te brillan primo Lolo! Nunca te vi tan guapo como hoy.

Y así, gracias al Espíritu de la Navidad todos se sintieron muy felices y, llenos de paz, pasaron un magnífica Noche Buena, muy buena.

Imagen: tomada de Internet

LA CLAUSURA

2011-11-30T08:24:00.006Z

Todo tiene un principio y también tiene un final, así mi exposición terminó. Las tres obras que veis son las que se han vendido y hay dos más apalabradas pero aún no materializadas que esperan a la paga de Navidad.

La asistencia a la misma ha sido más bien escasa. Una parte achacada a la insuficiente publicidad y la ubicación de la sala en una calle poco transitada, y otra parte, creo yo, debido al desinterés por el arte. En principio, dado que la sala estaba abierta solo dos horas cada tarde, esto también restringe la asistencia, aunque la calle Mayor de Alcalá de Henares estuviera repleta de gentío que sale a comprar o simplemente a pasear.

Puse carteles informativos en los establecimientos/tiendas de dicha calle Mayor que me lo permitieron, unos veinte. El promedio de visitantes era de siete diarios, sin contar a profesores y estudiantes de la institución MUTUAL COMPLUTENSE. Pasados cuatro días, a mi nuera Rosa se le ocurrió que podría poner un cartelón/pizarra, en el suelo, en la calle Mayor, a modo de los que ponen los restaurantes y otros; así lo hice. Esto aumentó hasta a veinte los asistentes en los días posteriores, salvo los tres penúltimos días que volvieron a siete/ocho. Así jugando a la desesperada, el último día salí a la calle Mayor, por la que había mucha gente circulando, y repartí unas ochenta tarjetas de invitación que llevaba una de mis obras en la cara anterior, con lo cual conseguí una asistencia de diez y seis personas.

Lo que si me llena de satisfacción es que mi obra ha gustado mucho, muchísimo, a los que la han visto ¡claro! y que muchos han deseado llevarse un cuadro pero no podían permitírselo. Los precios oscilaban desde 95 € a 275 €, las marinas, según dimensiones. Los desnudos desde 66 € a 990 €. Me han comentado que les encantaban los colores, la luz, los contrastes, y que veían mi obra muy original e imaginativa.

Algunas personas, a las que consideraba amantes del arte, invitadas anteriormente, no se han dignado asistir, así como los vecinos invitados e incluso algún amigo. Bueno, ellos mismos se han ubicado en la posición que les corresponde.

En resumen, no estoy satisfecho pero si muy contento de la impresión causada.

ANTES DE LA INAUGURACIÓN

2011-11-18T10:07:00.009Z

Supongo que con estas fotos os hacéis una idea de la sala y de la obra, pero es mucho mejor que vengáis a verlas en vivo y en directo. ¡Os espero!

EXPOSICIÓN DE MIS OBRAS

2011-11-01T22:53:00.004Z

MUTUAL COMPLUTENSE

Sala Manolo Revilla

calle Nueva, 10

Alcalá de Henares (Madrid)

Expondré marinas (Olas de surfing en Hawai) y desnudos (Diosas inmersas en el espacio sideral)

Las obras estarán expuestas entre el 17 y el 27 de Noviembre.

El horario de visitas es:

De lunes a sábado de 18:30 a 20:30

Domingos y festivos de 12:00 a 14:00

Antonio Sánchez-Gil

http://arteycartelera.es

VIOLA

2011-10-28T14:13:00.006+01:00

Manuel Viola (Zaragoza, 1916- Madrid, 1987) es uno de los grandes pintores aragoneses del siglo XX. Alcanzó una inicial notoriedad en París, en la inmediata posguerra, donde frecuentó a Hans Hartung, a Francis Picabia, André Breton, Benjamin Péret o Pablo Picasso, y conquistó una proyección internacional incuestionable en la década de los 60. Su fama, acompañada de éxitos, era tan nítida que mantuvo hasta cinco estudios abiertos en Ríos Rosa y El Escorial, donde murió en 1987, en Ginebra, en París y en Bruselas, ciudad en la cual residió ocho meses y desde donde hizo la escenografía para el espectáculo flamenco de Zambra.

Pero, además, fue poeta -dijo una vez: “Soy un poeta fracasado. Esto de convertirme en pintor ha sido un accidente”-, escenógrafo, teórico, un conversador infatigable, un buen bebedor, actor de televisión y, sobre todo, un personaje con sus tics teatrales, envuelto en un río desbordado de anécdotas y peripecias. En una de ellas, recogida por Jaime Esaín en la revista “Artes Plásticas”, en un especial dedicado a Aragón en 1979, se cuenta “el famoso trueque con Luis Miguel Dominguín de un cuadro por un Cadillac, que luego regaló, como vivienda, a una familia calé”. De ahí que también fuese conocido como “el pintor gitano”, de leonada melena al viento y voz rota. Escribió un cronista madrileño: “Su voz es un caos, un estropicio de fonética”.

Las fotos que conservaba Carlos Bartolomé (durante algún tiempo, galerista de su obra en cerámica) y que le cedió en un archivo de cartón a Pepe Cerdá, reflejan claramente su personalidad: apasionado ante el cuadro, vehemente, vital. Un puro torbellino de vida y de creación. En ese archivo “Kanguros” hay catálogos, tarjetas de inauguración de exposiciones, reproducción de revistas, recortes de prensas, artículos de fondo y varias entrevistas, entre ellas una muy jugosa de Fernando Huici en 1979, centrada en su relación con Francis Picabia (de quien se conmemoraba el centenario de su nacimiento) en los años de París.
Además de recordar que le gustaban sus paellas, señala el aragonés: “Una vez que llovía copiosamente estábamos observando unas estatuas rococó. Entonces me dijo: ‘Imagina que esas estatuas fueran de jabón. ¡Qué bella obra tendríamos ahora!’. Otra vez me dijo que la mejor colección de pintores estaría formada por aquellos que, durante la noche, pintaran magníficos cuadros en la suela de sus zapatos y, al día siguiente, se pasearan con ellos puestos en el Louvre”.

CURSOS de ARTES PLÁSTICAS de BAJO COSTE

2011-09-20T21:24:00.004+01:00

En nuestra ACADEMIA DE ARTE Y CARTELERA nos dedicamos a la enseñanza de Técnicas de Dibujo y Pintura Artísticas para aquellos que comienzan en las Bellas Artes y/o para quienes desean profundizar en el conocimiento de las diversas técnicas plásticas. Aunque lo más importante de nuestro método es usar una plataforma interactiva que permite enviar ejercicios resueltos y que nosotros corregimos con las recomendaciones pertinentes, comunicándonos con los alumnos mediante mensajes, foros, chat interno y/o Skype, hemos pensado que para quienes se consideran capaces de aprender sin profesor (autodidactas) y/o su capacidad económica no les permite pagar un curso con tutoría (60 €), ofrecemos los textos base de nuestros cursos de Iniciación a un precio sin competencia de 10 € y podrán bajárselos junto con una GUÍA DIDÁCTICA. Así estos cursos son sin tutoría y por ello no tienen derecho a enviar los ejercicios para su corrección pero podrán hacer preguntas para solventar dudas.

Los cursos que ofrecemos en esta modalidad son:

DIBUJO PERSPECTIVA

DIBUJO DESNUDO

DIBUJO RETRATO

DIBUJO GENERAL

PINTURA CON LÁPICES

PINTURA A LA CERA

PINTURA AL PASTEL

PINTURA A LA ACUARELA

PINTURA AL ACRÍLICO

PINTURA AL ÓLEO

Entre en http://arteycartelera.es y consiga uno de nuestros cursos.

SENTADA

2011-08-13T23:39:00.001+01:00

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

SENTADA

2011-07-31T11:24:00.003+01:00

SENTADA 46X32 acuarela sobre papel

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

OBSERVADORA

2011-07-25T11:39:00.002+01:00

46x32 acuarela sobre papel

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

SONRISA

2011-07-13T21:16:00.001+01:00

SONRISA 46X32 acuarela sobre papel

Antonio SánchezGil http://arteycartelera.es

RISUEÑA

2011-07-08T23:02:00.002+01:00

RISUEÑA 46X32 acuarela sobre papel

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

ENSIMISMADA

2011-06-23T09:19:00.001+01:00

ENSIMISMADA 46X32 acuarela sobre papel

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

FROTÁNDOSE

2011-06-16T21:55:00.002+01:00

FROTÁNDOSE 46X32 acuarela sobre papel

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

ARTEGRAFÍA

2011-06-13T21:40:00.002+01:00

"ARTE-GRAFÍA" el tercer proyecto de "Órbita Literaria"
“Arte-Grafía” pretende conseguir aunar dos formas de arte: la gráfica, obras pictóricas y fotográficas; la literaria, relatos y poemas.
En este libro se encuentran dieciséis elegidas imágenes de autor, a todo color, acompañadas de una breve nota biográfica de su realizador y lo que le incentivó o inspiró para crearla. Las imágenes fueron presentadas de forma anónima a los miembros escritores y poetas de la red “Órbita Literaria”, para que una vez debidamente visionadas, escogieran una de ellas y formularan una creación libre y literaria que emanara emocionalmente de sus percepciones.

En esta obra han colaborado con sus obras artísticas y/o literarias los siguientes autores:
Aicha E. Iglesias (Siria); Alberto Baeyens, Ana Matallana, Antonio Arroyo, Antonio Medina, Antonio Sanchez-Gil, Blanca Langa, Blas Martínez, Cristina Reyes, Encarni Urbano, Irene gomis, Jorge Murillo, José Manuel Salinas, Juan A. Pellicer, Lucía Santamaría Nájara, Manuel Parra, Mª Ángeles Adán, Maria Oreto Pedro Fausto, Pepe Valera, Rocío Pérez Crespo, Sara Garrote, Teo Revilla Bravo, Xavier Coderch (todos de España) y, Alejo Urdaneta (Venezuela), Aline Bruzas (Argentina), Avetis Zakarian (Armenia), Clara Patricia Cano (Colombia), Diana Profilio (Argentina), Doris Melo (Puerto Rico), Emilia Calderón (México), Francisco Javier Ramos (México), Iven Marino (Venezuela), José Valle Valdés (Cuba), Julliet Ramirez (USA), Karyn Huberman (Chile), Livia Susana Lobato (Argentina), Mª Eleonor Prado Mödinger (Chile), Marino Rossetti (Italia), Niurka Barrios (Venezuela), Norma Aristeguy (Argentina), Vilma Ferreira (Brasil) y Vilma Vlems (Bélgica).

Quisiera dar mis públicos agradecimientos a todos los artistas, escritores y poetas por hacer de este libro algo único e inestimable. La portada del mismo está engalanada con una de las obras de su interior, su autora es Irene Gomis.

ISBN: 978-84-15344-11-7
D.L: V-2132-2011

Aquellos que deseen un ejemplar de este libro, escribir al mail: orbitaliteraria@gmail.com

RUEGO

2011-06-12T17:22:00.001+01:00

RUEGO 46X32 acuarela sobre papel

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

EVOCACIÓN

2011-06-10T12:11:00.001+01:00

EVOCACIÓN 46X32 acuarela sobre papel

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

IMAGINANDO

2011-06-06T18:11:00.003+01:00

IMAGINANDO 46X32 acuarela sobre papel

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

VERGONZOSA

2011-06-03T13:44:00.002+01:00

VERGONZOSA 46X32 acuarela sobre papel

Antono Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

PENSATIVA

2011-05-31T14:17:00.004+01:00

46X32 acuarela sobre papel de 240 gr

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

MUJER ORIENTAL

2011-05-26T22:42:00.002+01:00

46x32 acuarela sobre papel de 240 gr

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

BIOENERGÍA

2011-05-14T15:47:00.005+01:00

BIOENERGÍA díptico 194X130 acrílico y óleo sobre lienzo

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

MUJER BIOELÉCTRICA 2

2011-04-18T21:56:00.001+01:00

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

MUJER BIOELÉCTRICA

2011-02-15T22:27:00.002Z

MUJER BIOELÉCTRICA díptico 195x130 óleo sobre lienzo

Lo he preparado para un concurso donde lo seleccionarán

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

SIGO CON LAS MARINAS

2011-01-30T18:08:00.004Z

AGUA DORADA 65X50 300 € óleo sobre lienzo

TIRABUZÓN 41X33 120€ óleo sobre lienzo

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

Estas obras están a la venta; contacten conmigo

OTRAS DOS MARINAS

2011-01-02T10:24:00.007Z

TÚNEL INCENDIADO 65X50 300 €

TIRABUZÓN 41X33 120 €

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

MÁS MARINAS SURFERAS

2010-12-25T18:45:00.008Z

REFLEJOS 55X46 200 €

FUEGO 65X50 300 €
CORONA 35X27 100 €

http://arteycartelera.es

KANDISKY

2010-11-30T23:18:00.005Z

ABSTRACCIÓN VII

Esta obra es pura geometría. Vemos un fondo casi plano pero tiene unos tenues colores que dan sensación de profundidad de infinitud de espacio profundo

El destaque está en la esquina superior izquierda con esos círculos concéntricos cuya corona negra destaca del resto del cuadro que está en colores más suaves.

Los círculos concéntricos se repiten sobre toda la superficie del cuadro hábilmente distribuidos.

Hay otros círculos que parecen tener una sombra proyectada.

Hay triángulos y cuadriláteros engarzados de diferentes formas, unos formando cuadrículas regulares e irregulares.

Hay líneas rectas que parecen dirigidas en direcciones concretas que crean una tensión. Hay grupos de arcos tangentes que son semicírculos apoyados en una recta.

Hay líneas rectas cortadas por dos paralelas.

Hay una onda que se amortigua en el tiempo.

Hay algunas figuras que se superponen a otra y la zona superpuesta cambia de color como si fueran transparentes y se mezclaran los colores.

Hay dos rectas convergentes que parecen ser los radios de unos arcos también convergentes pero no lo son.

Hay líneas que van hacia las esquinas creando mucho dinamismo

Hay triángulos y ángulos con el vértice hacia arriba

Considerando los paralelismos que Kandisky hace entre pintura y música, yo diría que los círculos son notas largas “redondas”, graves las grandes y más agudas las más pequeñas, la aureola es la vibración o sonoridad, las cuadrículas son acordes, los triángulos son notas penetrantes agudas y cortas y los arcos semicírculos son calderones que alargan la nota, dos líneas paralelas que cortan una recta perpendicular o inclinada es una caesura que indica pausa silenciosa, los arcos son ligaduras que unen notas que suenan de forma continua, los ángulos son crescendo y descrescendo referido al volumen o intensidad del sonido. La onda amortiguada corresponde a cualquier sonido de percusión, incluido el piano, que al dar una nota el sonido se amortigua paulatinamente. Las líneas rectas anchas son compases de espera. El triángulo curvo negro que está a la derecha del anillo negro grande es “la cola” que se añade a una nota “negra” (duración 1 tiempo) para simbolizar la “corchea” (duración ½ tiempo). Dos líneas paralelas verticales situadas en la parte superior a la derecha del triángulo amarillo representan la “clave neutral” usada para el pentagrama de un instrumento de percusión. A la derecha de esto, un poco más abajo hay una cuadrícula de la que parten 5 líneas paralelas que tienen unos cuadraditos grises y negro es el pentagrama con notación antigua en que las notas eran cuadraditos.

A media altura y ligeramente desplazado del centro se ve un círculo o anillo en el que convergen tres triángulos de varios colores con un ángulo muy pequeño, muy cerrado. Este anillo es una caja de percusión, semejante a un tambor. A su derecha se ve un círculo mitad negro mitad blanco y dos anillos uno rojo y otro amarillo que le circunda pero la mitad queda oculto debajo del triángulo rectángulo que en esa zona es verde, estos anillos son un platillo de percusión.

Por tanto esta obra representa una composición musical y los instrumentos que intervienen.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

MIS NIETOS PEQUEÑOS

2010-11-24T23:14:00.003Z

IVÁN 45,5x31,5 pastel sobre papel Canson

CARLA 45,5x31,5 pastel sobre papel Canson

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

DOS MARINAS MÁS

2010-11-07T18:56:00.003Z

TÚNEL EN AMANECER 650X50 300€

OLA EN LA PLAYA 65X50 300€

Espero que os gusten y me las compréis

OLAS "SURFIANAS"

2010-10-18T11:08:00.003+01:00

Siempre había pintado el mar desde fuera, pero esta vez lo estoy pintando desde dentro.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

TOULOUSE LAUTREC

2010-08-20T21:17:00.008+01:00

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa Tapié de Celeyran, conde de Toulouse-Lautrec-Monfa, conocido simplemente como Toulouse Lautrec (Hôtel du Bosc, Albi 10 noviembre 1864, 9 de septiembre de 1901) fue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XX Se le enmarca en la generación del postimpresionismo.

Nació en el castillo de Albi en el seno de una familia de la nobleza. En su familia, como era habitual en muchas sagas de la gran aristocracia, los matrimonios se realizaban entre parientes para evitar las divisiones territoriales y la dispersión de la fortuna. Éste fue el caso de los padres de Henri, el conde Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfay Adèle Tapié de Celeyran que eran primos en primer grado. La endogamia hubo de condicionar la salud del artista. Henri fue el primogénito y cuando tenía cuatro años, nació su hermano Richard-Constantine, que falleció un año después. Por desavenencias, sus padres se separaron en 1868 y Toulouse-Lautrec quedó bajo el cuidado de su madre.

Su infancia fue feliz hasta que, como consecuencia de la consanguinidad de sus padres, Toulouse-Lautrec padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos y que comenzó a manifestarse en él en 1874. Su constitución ósea era débil y entre mayo de 1878 y agosto de 1879 sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas, que le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m.

La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo muy característico. A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres influencia del arte japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes. Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, sobre todo, la figura de Degas, de quien siguió la temática urbana alejándose de los paisajes que interpretaban Monet o Renoir. Fue la vanguardia del modernismo y del Art Nouveau.

Además de la pintura al óleo, Henri utilizó otras técnicas y otros soportes en su obra, destacando su producción de carteles. Usó especialmente el pastel sobre papel marrón de envolver.

Su técnica con el óleo era mezclando los colores con trementina para obtener un efecto semejante a la acuarela y resolvía sobre el lienzo mediante pinceladas largas, como líneas paralelas o cruzadas o formando un entramado, gruesas o finas según el caso.

En los carteles utilizaba colores planos y el dibujo se caracterizaba por su tendencia a la caricatura donde con un mínimo de trazos retrataba el carácter y personalidad del personaje.

VERMEER

2010-07-22T20:56:00.014+01:00

JOHANNES VERMEER.

Vermeer nació en la ciudad de Delft (Holanda) en 1632, vivió toda su vida en los Países Bajos hasta su muerte en 1675.

Cuando hoy contemplamos estas maravillas nos resulta increíble que este pintor barroco holandés cayese en el olvido durante el siglo XVIII. Fue un crítico de arte francés quien lo descubrió en el siglo XIX y hoy en día es de los pintores más reconocidos y admirados.

Las obras de Vermeer nos ilustran sobre la realidad de la rica y opulenta Holanda del siglo XVII, cuando, gracias al comercio, estaba en la cima de su imperio colonial. Salvo en dos casos en que el pintor nos muestra dos vistas exteriores (una de ellas aquí expuesta), la generalidad de sus cuadros son o bien retratos, o bien escenas interiores de los salones de la burguesía neerlandesa.

El esquema compositivo se repite: una ventana abierta en el lado izquierdo deja entrar la luz natural y entre rico mobiliario, vestimenta y joyas se desenvuelven uno o dos personajes, predominantemente femeninos.

La protagonista es siempre la mujer, tratada de forma muy delicada, detallista y sensual. Ella ríe, duerme, cose o trabaja, siempre bañada por una sugerente y tamizada luz que juega enormemente con los claroscuros. La dama va generalmente vestida con riquísimos vestidos, tocada con joyas y cuidadosamente peinada. El interior representado explota en detalles como lámparas, muebles, tapices, cuadros, mapas, suelos alicatados, etc.

A pesar de esta presencia de personajes, lo verdaderamente importante para Vermeer es el espacio y la luz. Los personajes son accesorios.

Vermeer se convierte así en el pintor de la intimidad, de lo recogido y sosegado, de lo tranquilo y lo sugerente. Su luz es mágica: dorada y sensual, consigue subrayar la atmósfera y el aire, con un poco de imaginación podríamos ver las motas de polvo flotando visibles a la luz lateral de la ventana.

La contemporaneidad de Vermeer, el que nos guste tanto hoy, es debido a que sus óleos no nos narran nada, no hay que adivinar ni interpretar historias, solamente se trata de imágenes presentativas, ni mitología, ni religión, ni literatura, sólo imágenes inmediatas, casi “televisión” y por eso nosotros, seducidos por una cultura de imágenes inmediatas , nos sentimos automáticamente cautivados por estos cuadros.

Cuando pinta exteriores (sólo dos) Vermeer hace gala de un temprano impresionismo, al captar la luz y el aire como harían dos siglos después los impresionistas franceses.

Ni que decir tiene que estos impresionistas admiraban profundamente a Vermeer, así por ejemplo, Renoir dice de su cuadro “La Encajera” que es una de las dos mejores telas del Louvre.

En cuanto a Van Gogh, escribe a su hermano Theo refiriéndose a Vermeer: ”La paleta de este extraño artista comprende el azul, el amarillo, el gris perla, el negro, el blanco.......con un gusto extraordinario y un infalible sentido de la composición”.

LA ÚLTIMA CENA

2010-07-02T21:04:00.006+01:00

LA ÚLTIMA CENA de Leonardo Da Vinci

Es una obra fantástica por su concepción y por su resolución, lástima que el tipo de pintura que experimentó Leonardo resultara fallida y además me resulta extraño que se metiera a experimentar una pintura en la obra definitiva sin haberlo probado antes.

Cromáticamente hablando es una obra que mantiene los cánones religiosos en cuanto a los colores empleados con los rojos, azules y verdes, amarillos dorados, púrpura y algunos ocres. Observar como Jesús lleva túnica roja y manto Azul, mientras la figura de su derecha lleva túnica azul y manto rojo, este último es como se solía vestir a la Virgen María por ello dudo mucho que se trate del apóstol Juan, además en la esquina de la derecha en el mantel hay un nudo y hay quien dice que eso significa que hay una mujer entre los hombres. El rostro de ese personaje es joven, luego no puede ser la madre de Jesús, por tanto cabe pensar que se trata de María Magdalena como se dice en EL CÓDIGO DA VINCI.

Es una obra construida sobre la simetría y la perspectiva como efectos básicos de la composición estando Jesús en el centro del cuadro en sentido horizontal y a su vez está justo en el punto de fuga de la perspectiva central.

La composición básica es “Radial” lo que viene a significar expansión, gloria, esplendor, devoción y guía la mirada hacia el centro que sugiere concentración , unidad y poder.

Los personajes están agrupados en “Rectángulos” cuyo significado es unidad y estabilidad.

En el ecentro está jesús inscrito en un “Triángulo isósceles” armonizando con los anteriores significados como grandiosidad, seguridad, equilibrio, majestuosidad.

Así vemos que los elementos compositivos han sido perfectamente elegidos para transmitir a nivel subliminal las sensaciones correspondientes al auténtico significado del cuadro.

Al agrupar de tres en tres a los personajes se crea un ritmo que se centra en el polígono de tres lados en que envuelve a Jesús y que recuerda también la Trinidad.

El número tres está representado por los tres ventanales del fondo y las columnas que hay a derecha e izquierda y el cuatro por los huecos que hay a derecha e izquierda entre las columnas. Sumados 4+3 nos da 7 que es uno de los números mágicos y que aplicamos a la semana, pero que viene a significar el planeta Tierra contando desde Plutón hacia Mercurio. Son los 7 días o períodos de tiempo que llevó a Yahvé la Creación del Universo.

Como todo el mundo sabe el 12 también es número mágico y así tenemos 12 meses en el año, las 12 constelaciones del Zodíaco, 12 tribus de Israel, 12+12 horas del día terrestre y los 12 apóstoles.

Como se sabe el Renacimiento se caracteriza, entre otras cosas, por ensalzar el género humano y su sabiduría, para lo cual los grandes artistas recurren a los conocimientos esotéricos, matemáticos y filosóficos a la hora de plasmar sus obras, dotándolas de un doble significado, así podemos ver las obras de Botticelli, Da Vinci, Miguel Ángel, El Greco, Durero, El Bosco, Rafael, etc. por citar solo a los más conocidos, en las cuales siempre encontraremos significados y códigos, unos descifrados y otros no.

Todos los que he nombrado antes y algunos más, colocaban siempre en sus pinturas algo que no era lo que parecía pues tenía sus mensajes especiales. Esto hoy para nosotros es difícil de entender, pues tenemos una mentalidad muy diferente.

Pienso que si en la cena de Leonardo no hay carne sino pescado es precisamente porque se quiere significar la Era de Piscis, tan utilizada por la Iglesia esta simbología, en la que aún estamos y que debido a la precesión de los equinoccios, la Tierra en su vuelta alrededor del Sol, en vez de volver exactamente a la misma posición, sufre un desplazamiento o retraso respecto al zodíaco de 1º cada 72 años, por tanto, como cada sector del zodíaco ocupa 30º (360:12) recorrer los 30º para cambiar de casa o zona zodiacal suponen 2160 años, por eso pasaremos a la Era de Acuario alredor del 2100. Este tema del zodíaco se viene utilizando desde la civilización sumeria, al menos, probablemente desde antes, en otro momento explicaré porque lo creo así, debido al desciframiento o lectura de múltiples tablillas de origen sumerio o caldeo que hablan de lo que sucedió antes de ellos.

También falta el cáliz, porque sabido es el significado que se le da en la Iglesia al Santo Grial, el cáliz, pero no es así según varios autores, pues la raíz es Sang Real, es decir Sangre Real, y recordando que Jesús era descendiente de la casa de David, era pues príncipe, y cuando se habla de la Sangre Real se refiere al linaje de Jesús, es decir, los hijos que tuvo con María Magdalena que según varias investigaciones huyó al Languedoc donde se formó una colonia de los que luego serían los cátaros, atacados por la Iglesia, en manos del rey de Francia, hasta la extinción en el castillo de Montsegur y que solo se salvaron los descendientes de Jesús, un niño y una niña, con ayuda de los Templarios. Por tanto cabe pensar que Leonardo no quiso ponerlo para denotar que lo que hay no es lo que parece, sirviendo su ausencia de alarma.

Por otro lado está ese cuchillo en una mano que según la persona que restauró la obra, la doctora BRAMBILLA, desveló que realmente el cuchillo lo sostenía PEDRO

Recordemos que Pedro odiaba a María Magdalena porque Jesús le hacía más caso a ella que a él. Probablemente por eso la Iglesia sigue sin admitir a la mujer en el sacerdocio.

Estoy convencido de que cada uno de los gestos de los apóstoles tiene un significado concreto que hay que descifrar.

SOROLLA

2010-06-24T21:03:00.015+01:00

Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, 10 de agosto de 1923 a los 60 años de edad), fue un pintor y artista gráfico español impresionista. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas.

Cuando apenas contaba con 2 años de edad, fallecieron sus padres de una epidemia. Al quedar huérfanos, su hermana Eugenia y él, su tía Isabel, hermana de su madre, y su marido, de profesión cerrajero, los acogieron. Pasados los años intentaron enseñarle, en vano, el oficio de la cerrajería, advirtiendo pronto que su verdadera vocación era la pintura.

En 1874 empezó a estudiar en la Escuela Normal Superior donde le aconsejaron que también se matricularse en las clases nocturnas de dibujo en las Escuelas de Artesanos, en Valencia. En ésta última recibió, en 1879, una caja de pinturas y un diploma como premio «por su constante aplicación en el dibujo de figura». Ese mismo año, a la par que trabajaba en el taller de su tío, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos, en la que estudió junto a pintores como Manuel Matoses, Benlliure o Guadalajara.

Al acabar su formación, comenzó a enviar sus obras a concursos provinciales y exposiciones nacionales de bellas artes, como la de Madrid en mayo de 1881, donde presentó tres marinas valencianas que pasaron sin pena ni gloria pues no encajaban con la pintura oficial, de temática histórica y dramática. Al año siguiente, estudió la obra de Velázquez y otros autores en el Museo del Prado, etapa Realista, de la que era su profesor Gonzalo Salva. Por fin, en 1883, consiguió una medalla en la Exposición Regional de Valencia y, en 1884, alcanzó la gloria al conseguir la Medalla de Segunda Clase en la Exposición Nacional gracias a su obra Defensa del Parque de Artillería de Monteleón, obra melodramática y oscura hecha expresamente para la exposición; tal y como le dijo a un colega suyo: “Aquí, para darse a conocer y ganar medallas, hay que hacer muertos.”

Cosechó otro gran éxito en Valencia con su obra El crit del palleter sobre la Guerra de la Independencia. De esta manera, fue pensionado por la Diputación Provincial de Valencia para viajar a Roma donde, a la vez que trabajaba, conoció el arte clásico y renacentista, así como los grandes museos, contactando, además, con otros artistas.

Con su amigo el pintor Pedro Gil se desplazó a París durante el primer semestre de 1885, viviendo de cerca la pinturaimpresionista que produjo en él, ya de regreso en Roma, variaciones en su temática y estilo, llegando a pintar el cuadroreligioso El entierro de Cristo, con el que no tuvo el éxito esperado, donde se introduce en el Naturalismo y toma contacto con las vanguardias europeas, destacando las obras de los pintores John Singer Sargent, Giovanni Boldini y Anders Leonard Zorn.

En 1888 contrajo matrimonio con Clotilde García en Valencia, pero vivirían un año más en Italia, esta vez en la localidad de Asís. En 1889 se instalaron en Madrid y, en apenas cinco años, Sorolla alcanzó cierta fama y prestigio como pintor. En 1894 viajó de nuevo a París, donde desarrolló el luminismo, que sería característico de su obra a partir de ahora. Comenzó a pintar al aire libre, dominando con maestría la luz y combinándola con escenas cotidianas y paisajísticas de la vida mediterránea. En obras como La vuelta de la pesca, La playa de Valencia o Triste herencia, describió el sentimiento que producía la visión del mar Mediterráneo, comunicando el esplendor de una mañana de playa con un colorido vibrante y un estilo suelto y vigoroso. Con Triste herencia recibió, en 1900, el Grand Prix en el certamen internacional de París. Además siguió con supintura de denuncia social que tantos éxitos le había reportado en los últimos años con obras como Y aún dicen que el pescado es caro (1895).

Por aquel entonces, Valencia le nombró hijo predilecto y meritorio, y le fue dado su nombre a una calle. Tras muchos viajes por Europa, principalmente Inglaterra y Francia, celebró una exposición en París con más de medio millar de obras, que le dio un reconocimiento internacional inusitado, conociéndose su obra pictórica por toda Europay América. Expuso su obra en Nueva York en 1909 y cosechó un éxito sin precedente alguno, con obras como Sol de tarde o Nadadores, entre muchas otras. También lo hizo, en 1911, en el Museo de Arte de San Luis y en el Art Institute de Chicago.

En noviembre de ese mismo año, firmó un encargo para la Hispanic Society of Americapor el que realizaría catorce murales que decorarían las salas de la institución: se conocen como Visión de España. Con esta obra realizada entre 1913 y 1919, de tres metros y medio de alto por setenta metros de largo, alzó un imborrable monumento a España, pues en ella se representaban escenas características de diversas provincias tanto españolas como portuguesas. Necesitó de casi todo 1912 para viajar por todo el territorio, realizando bocetos y trabajos de costumbres y paisajes. De esta tarea destacan los óleos pintados en 1916 dedicados a niños y mujeres en las playas de Valencia, donde predomina la libertad de pincelada y la luz de su tierra. Algunos ejemplos son Madre e hija o Pescadora valenciana.

Otra importante faceta suya fue la de retratista, de figuras importantes como fueron Juan Ramón Jiménez, el rey Alfonso XIII, Vicente Blasco Ibáñez, Ortega y Gasset, etc.

También, en 1914, había sido nombrado académico y, cuando terminó los trabajos para la Hispanic Society, trabajó como profesor de composición y color en la Escuela de Bellas Artes de Madrid. Su pintura representó la aplicación directa del luminismo al paisaje y la figura, acercando por tanto esta tendencia a la sociedad de la época. Su principal discípulo, seguidor del luminismo, fue Teodoro Andreu.

En 1920, mientras pintaba el retrato de la señora Pérez de Ayala en el jardín de su casa en Madrid, padeció un ataque de hemiplejía que mermó drásticamente sus facultades físicas y mentales. Murió en su casa de Cercedilla el 10 de agosto de 1923.

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MORISOT

2010-06-06T16:04:00.008+01:00

Berthe Morisot (Bourges, Francia; 14 de enero de 1841 - París; 2 de marzo de 1895), pintora impresionista francesa.

Nacida en Bourges, en el seno de una familia burguesa, fue precisamente su familia quien animó a Berthe y a su hermana Edma a iniciarse en el arte. Morisot demostró la posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX.

A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon. Éste la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos.

Pronto adquirió la técnica impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequeños cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo continuamente en el Salón hasta 1874, año de la primera exposición impresionista, en la que participo con La cuna.

En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con Eugène Manet, su hermano menor. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que sería posteriormente los impresionistas. Manet sin embargo, nunca se consideró como impresionista, ni estuvo de acuerdo con exhibir junto al grupo.

Morisot, junto a Camille Pissarro, fueron los dos únicos pintores que tuvieron cuadros en todas las exposiciones impresionistas originales.

Al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemond, Berthe Morisot fue relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). Sin embargo, como mandaba la doctrina impresionista, Morisot pintaba la inmediatez, lo que veía en su vida normal. Como una mujer de la alta burguesía, estaba habituada a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres y niños, ya que el mundo masculino les estaba vetado.

Sin excepción, sus cuadros muestran unos temas equivalentes al de sus colegas masculinos. Edgar Degas, también de clase burguesa, pintaba ensayos de ballet, carreras de caballos y desnudos femeninos. Claude Monet pintaba su jardín, sus hijos, etc. Las mujeres impresionistas pintaban su entorno social bajo el enfoque impresionista. A pesar de esto, la figura de Berthe Morisot, junto a las de otras maestras de la pintura, quedó ensombrecida por el conjunto del movimiento y en especial de los pintores masculinos. La técnica que desarrolla Morisot se basa en un tratamiento de pinceladas suaves desde un principio hasta que evolucione a un impresionismo más expresado en la pincelada, en concreto a partir de 1873, cuando el tratamiento más libre de la pinceladas rápidas y planas y la atmósfera más tratada con el color permitan reflejar una estética más de índole impresionista.

A partir de 1880, la influencia de Renoir se refleja en su obra. La frescura luminosa de su paleta, la factura libre y vigorosa, así como, la atmósfera poética de sus lienzos, son reconocidas y admiradas. En 1892 la galería Boussod-Valadon le dedica una exposición que tuvo un gran éxito.

La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard Manet en 1883, la de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su hermana. Educó sola a su hija, Julie Manet, con quien mantuvo siempre lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro años, confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé.

Berthe Morisot murió en 2 de marzo de 1895 en París y está enterrada en el cementerio de Passy en París.

En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares.

TRANSMUTACIÓN ENERGÉTICA

2010-05-26T20:20:00.004+01:00

Díptico 130x194 óleo sobre lienzo

Esta es mi última obra. Agredecería las opiniones de ustedes, pues quiero presentarla a algún concurso. Gracias.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

GAUGUIN

2010-05-14T21:06:00.012+01:00

Eugène Henri Paul Gauguin

(París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 9 de mayo de 1903) fue un pintor posimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, su obra está considerada entre las más importantes de entre los pintores franceses del Siglo XIX.

Sus experimentos sobre el color y el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, en especial sobre el fauvismo, movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908.

De familia liberal, era hijo de Clovis Gauguin, un periodista antimonárquico, y de Aline Marie Chazal. Ella era descendiente de terratenientes españoles de América del Sur y del virrey del Perú. La feminista socialista Flora Tristán era abuela de Paul Gauguin por parte de madre.

Cuando Paul contaba sólo con un año, la familia tuvo que huir a América tras el golpe de Estado de Napoleón III en1851. Durante el viaje su padre murió y su madre tuvo que recurrir a la hospitalidad de sus parientes en Lima (Perú). En esta ciudad pasó sus primeros años de infancia.

En 1855 regresan a Francia, a Orleans y se instalan en casa de un tío de Paul, Isidore. Gauguin estudiará en Orleans entre 1859y 1865. Gauguin se embarca en la marina mercante siendo aún muy joven, y luego en la Armada Francesa, en la que sirve a bordo de la corbeta Jerôme Napoléon.

A su regreso a Francia en 1870, se convirtió en agente de cambio para la empresa Bertin en la Bolsa de París, teniendo bastante éxito en sus negocios. Llevó una vida burguesa y acomodada junto a su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos:Émile , Aline, Clovis, Jean-René y Paul-Rollon.

Su tutor, Gustave Arosa, hombre de negocios y gran amante del arte, introdujo a Gauguin entre los impresionistas. En 1874, conoce la obra del pintor Camille Pissarro y visita por primera vez una muestra de pintura impresionista. Al igual que su tutor, se aficiona al arte, lo que le lleva a tomar clases de pintura y a hacer sus primeros intentos de creación en este terreno. Expone sus obras junto a los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886 y reúne una colección personal con obra de Manet, Cézanne,Monet y el ya mencionado Pissarro.

En 1882, deja su trabajo en la Bolsa (que se ha desplomado) para dedicarse por completo a su nueva pasión, la pintura. Como eso no le basta para sobrevivir, se marcha a vivir con su mujer e hijos con la familia de ésta en Copenhague. Las relaciones con su familia política no son buenas y sus negocios tampoco van bien. Decide regresar a París en 1885 para dedicarse exclusivamente a la pintura, pero incapaz de asegurar la subsistencia de su familia, abandona a su mujer y a sus hijos en Dinamarca.

Gauguin se traslada a Ruán, en Normandía, en donde se ha instalado Pissarro, pero en 1887 decide viajar junto a su amigo Charles Laval a Panamá, en la restaurada República de Colombia.¹

Gauguin arribó al istmo de Panamá, en abril de 1887, a la isla de Taboga, de la cual diría en una carta: "está casi deshabitada y muy fértil. Yo llevo mis colores y mis pinceles y yo me empaparé de ellos lejos de todos los seres humanos". Después no sería tan elocuente sobre el entorno panameño, como le dice a su esposa, Mette-Sophie, desde la Ciudad de Panamá, - donde su cuñado colombiano (esposo de su hermana Marié Gauguin Tristán) le había invitado con promesas de conseguirle un trabajo estable –.

En la siguiente carta a Mette-Sophie le contará su desventura ocurrida en el barrio de San Felipe, donde fue tomado preso por la policía, por el delito de haber orinado en una de sus calles.² Durante un tiempo trabajará en la perforación del canal, como obrero de la Panama Canal Company, pero el clima y las enfermedades tropicales lo postran muy pronto. Apenas recuperado de la disentería y el paludismo o fiebre amarilla, continúa el periplo en la isla Martinica en 1888.

De este viaje al Caribe, que resultaría fundamental para su futuro artístico, puesto que le mostró la sensualidad del color y lo interesó por una naturaleza primitiva capaz de acentuar las relaciones humanas, Gauguin regresará a Europa enfermo y abatido. Allí encuentra la hospitalidad de Theo Van Gogh, quién además expondrá sus pinturas en su propia galería.

Pero dejando aparte este viaje, entre 1886 y 1891, vive principalmente en Bretaña en donde se convierte en el centro de un grupo de pintores experimentales conocidos con el nombre de Escuela de Pont-Aven, en donde tuvo como discípulos a Émile Bernard,Paul Sérusier, Seguin y Chmaillard que constituirían el llamado simbolismo (Grupo de los Nabis). Su estilo de pintura empezará a transformarse desde las cercanías del impresionismo hasta un estilo mucho más personal.

Por influencia de uno de sus jóvenes discípulos, Émile Bernard, su estilo evoluciona a lo que se ha dado en llamar sintetismo, un modo de pintar más natural y sintético. Busca inspiración en el arte indígena, en las vidrieras medievales y en las estampas japonesas.

Estas últimas las descubre gracias al holandés Vincent Van Gogh en 1888 en los dos meses en los que viven juntos (entre octubre y diciembre) en Arlés, en el sur de Francia, dedicándose ambos a pintar. Gauguin había conocido a Vincent y a Theo Van Gogh en París en 1886, y Gauguin había quedado impresionado por la expresividad de Vincent. Trabajan juntos y pintan la serie de vistas de Alyscamps. Pero la convivencia es muy difícil, ambos tienen un carácter muy temperamental, y Gauguin se cansa de Vincent. Van Gogh tratará de suicidarse más adelante. Su convivencia se deteriora y acaba con el famoso episodio de la oreja cortada de Van Gogh. Se sabe que Van Gogh tenía problemas emocionales y que se cortó la oreja; pero no es tan seguro que fuese por culpa de Gauguin. Anécdota que puede ser real o un mito. (Información de wikipedia)

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

EL AUTODIDACTA 4

2010-05-04T18:44:00.003+01:00

Antes de la existencia de las “redes sociales” cualquier aficionado a las artes hacía, en su tiempo libre, lo que podía y luego lo mostraba a la familia y amigos con el natural orgullo y satisfacción de lo que había hecho, pero el asunto no salía de ese ámbito, y era normal que tu familiar o amigo, que nada sabía realmente sobre el tema en cuestión, se permitiera el lujo de criticarte y de enseñarte como deberías haberlo hecho.

A partir de las “redes sociales” y especialmente aquellas creadas específicamente para mostrar los trabajos artísticos, todo el mundo presenta sus cosas y los pocos que se deciden a realizar algún comentario, cuya mayoría tampoco saben mucho de la materia, son benévolos a la hora de opinar alabando la obra y estimulando al autor, lo cual me parece de una gran delicadeza, pero que no ayuda en absoluto a aprender sobre la materia que le permitiría corregir errores para avanzar, en cambio si engorda su ego y se llega a creer un gran artista. Evidentemente si alguien se atreve a corregir algo todo el mundo se ofende, no solo el autor, puesto que la mayoría están en el mismo barco.

Si nos paramos a pensar un poco, con amplitud de miras y olvidando un poco las etiquetas, lo que diferencia el conocimiento académico del conocimiento autodidacta es que en el primer caso hay un maestro y todo un sistema que define las materias a aprender para alcanzar el nivel necesario en una profesión y, en el segundo caso el aprendiz decide lo que quiere aprender específicamente y se busca los medios para conseguirlo sin la ayuda ni dirección de un maestro. Si el aprendiz es consciente de su proyecto de aprendizaje y suficientemente inteligente, ya se buscará la manera de saber que cosas debe aprender exactamente para alcanzar su objetivo. Pero no basta con eso, pues al depender todo de él es necesario que sea tenaz y persistente para salvar todos los escollos que se le presentarán a lo largo del camino emprendido.

La realidad es que al ir a una facultad, escuela/academia o algo semejante, se crea la obligación de asistir y atender, pues luego tendrá que salvar unas pruebas que le indicarán si realmente ha aprendido lo necesario, en cambio, cierto grupo de autodidactas, no se molestan en estudiar absolutamente nada sino que hace las cosas como le salgan sin saber lo que es válido y lo que no y con ello se siente ufano, aunque hay un pequeño grupo que cumple con el requisito de instruirse mediante libros o informaciones que consigue por diferentes medios y que poco a poco lleva a la práctica progresando paulatinamente.

Pensándolo bien, al final, todos los que tenemos afán de progreso y hambre de saber, nos convertimos en autodidactas pues la parte académica termina en unos años y luego hay que continuar aprendiendo.

EL AUTODIDACTA 3

2010-05-02T16:43:00.005+01:00

Cuando una persona se compra unos cuantos tubos de pintura y unos pinceles y sin encomendarse ni a Dios ni al Diablo se pone a manchar lienzos, dando pinceladas a diestro y siniestro sin el más mínimo conocimiento sobre la forma y el color, se podrá autodenominar lo que quiera –atrevido, audaz, decidido, desinhibido, desacomplejado, etc.- pero no autodidacta, pues su actitud nada tiene que ver con la definición que hemos puesto arriba, ya que no ha buscado ni por tanto aprendido ni usado información alguna y las prácticas que realiza no sabe realmente si lo hace bien o mal, auque el pueda considerarse un genio.

En mi opinión un autodidacta debe empezar por conseguir la información adecuada a sus pretensiones y conocimientos previos del tema. Una vez obtenida, estudiar, analizar y meditar sobre lo estudiado para poner los conocimientos adquiridos en práctica y una vez realizadas las prácticas buscarse la manera de saber con seguridad si lo que ha hecho está correctamente hecho o no y luego corregir los errores cometidos y aprender la lección para la próxima. Este proceso debe ser repetido gradualmente según vaya avanzando y profundizando en el conocimiento de la materia y además este es un proceso que nunca acaba, pues nunca es suficiente lo que uno sabe ya que siempre te quedarán cosas por saber, por tanto siempre hay que buscar información para ponerla en práctica y cuando unos sepa casi todo lo que los demás expertos saben, uno debe experimentar e investigar para descubrir cosas nuevas que luego podrá enseñar a otros.

En cualquier campo de estudio, sea ingeniería, derecho, humanidades, historia, etc. o en otros niveles de Formación Profesional, se adquiere una formación básica de un determinado nivel y si uno está dispuesto a avanzar y no estancarse, debe continuar estudiando pasando al nivel inmediato superior por escuela o por auto aprendizaje, pero ya con una base importante aunque solo sea Formación Profesional.

No se porque si para aprender un oficio, todo el mundo está de acuerdo en que debe estudiar Formación Profesional o al menos entrar en un taller de aprendiz y allí ir aprendiendo el oficio paulatinamente, puede creer que para aprender un oficio artístico, dibujo, pintura, narración, poesía, música, teatro, basta con tener las herramientas básicas y comenzar a hacer algo sin saber y sin ayuda de nadie.

Tengo que recordar aquí que tanto Velázquez como Goya, por ejemplo, entraron en el taller de un maestro y estuvieron entre 8 y 10 años aprendiendo y que al final tuvieron que sufrir unas pruebas para que les dieran el título de maestro pintor, sin el cual no podían montar su propio taller de pintura. Lo digo porque algunos autodenominados autodidactas están convencidos de que todos los grandes pintores fueron autodidactas también.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

EL AUTODIDACTA 2

2010-04-25T20:52:00.002+01:00

En síntesis vemos que debemos estudiar una parte de teoría y otras de prácticas y no nos basta con una sola de ellas, necesitamos las dos para un aprendizaje correcto.

Por eso no puedo entender a quienes se empeñan en la práctica sin conocimientos teóricos previos y menos aún a quienes teniéndolos los desdeñan con el discurso de que le mediatizan para alcanzar la pureza de su arte, como si todo lo que necesita saber ya lo tuviese el dentro y todo lo que tiene que hacer es alcanzar una especie de estado místico para que el conocimiento fluya y salga al exterior, llegando en algunos casos a creerse un iluminado.

Algo de esto le pasaba a Dalí, dibujante genial donde los haya, con una base académica en Facultad de Bellas Artes pero que se marchó por orgullo, pues creía saber más que sus profesores, pero técnicamente no evolucionó en absoluto a lo largo de su carrera artística aunque creó obras muy bellas y geniales por su concepción.

Otro asunto que hay que plantearse respecto a la información es sus contenidos y la concepción de dicha información. En cuanto a los libros y audiovisuales es necesario saber que el autor de los mismos, aunque sea un conocedor profundo del tema a la hora de concebir un libro es necesario resolver sintetizando los contenidos dentro de unos límites, amén de utilizar la forma más didáctica posible para facilitar su comprensión por parte del lector. Un libro nunca puede contener todos los conocimientos que un experto tiene sobre el tema, puesto que hay que adecuarlo al objetivo previsto y al segmento de población a quien va dirigido y además el libro es necesario hacerlo asequible por los contenidos y por el precio; si se realizase un libro con contenidos exhaustivos sobre el tema contendría tantas páginas que resultaría muy costoso y nadie lo compraría.

Por tanto si elegimos aprender de forma autodidacta a través de libros, debemos tener muy claro que habremos de comprar varios libros para conseguir un conocimiento completo sobre el tema realizando un estudio escalonado de la materia.

Y si para los libros se plantean los problemas descritos antes, en cuanto a Internet, además de los anteriores hay que sumarle que cualquiera puede poner la información que quiere sin control alguno, por tanto poco fiable. Es muy normal encontrarse tutoriales sobre cualquier materia sin que uno pueda saber su fiabilidad y menos sus carencias. Yo mismo he encontrado tutoriales de mis cursos en varias webs y blogs con los textos mal copiados, colocados desordenadamente y fragmentados, siendo completamente ininteligibles para mi mismo.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

EL AUTODIDACTA

2010-04-23T15:47:00.003+01:00

Probablemente el autodidacta por antonomasia en el campo de la pintura sea Vincent van Gogh pues este fue autodidacta de verdad, aunque preguntando mucho a quienes sabían.

Como el tema es algo largo lo dividiré en 4 capítulos que iré poniendo periódicamente. He aquí el

PRIMER CAPÍTULO

De la palabra AUTODIDACTA dice el diccionario: Que se instruye por si mismo, sin maestro.

El autoaprendizaje es la forma de aprender principalmente por uno mismo.

Consiste en aprender mediante la búsqueda individual de la información y la realización también individual de prácticas o experimentos. A una persona que aprende por sí misma se le llama autodidacto (autodidacta es la forma femenina o de neutro plural). (wikipedia)

Por tanto según esta última definición son necesarias dos cosas, 1. Buscar la información que será objeto de aprendizaje y 2. La realización de prácticas y/o experimentos.

En el punto 1 se plantea el problema ¿Cómo sabe el autodidacta la información que necesita buscar para aprender el asunto concreto?

Ahora con Internet todo el mundo puede pensar que cualquier cosa que necesites esté aquí, por tanto es fácil. Sin embargo habría que hacerse algunos planteamientos como si la información es suficiente, rigurosa, fiable y adecuada a la situación del autodidacto.

Normalmente, cuando uno recurre a un experto o profesor, son gente que debido a su experiencia en el campo concreto tiene una idea muy clara y perfectamente estructurada del camino a seguir en el aprendizaje y por tanto nos pueden ayudar a saber que información hemos de conseguir y posiblemente donde.

En términos generales la podremos encontrar escrita o en audiovisuales y suponemos que elaborada por un experto. Pero habremos de saber que la información a localizar se adecue a nuestro nivel de conocimiento previo sobre la materia pues si es más elevado de lo que sabemos puede que no comprendamos muchas cosas puesto que necesitaríamos tener conocimientos previos, esto nos obligará a localizar una información básica para neófitos y una vez superado este nivel primario, podremos ir subiendo en la escala con informaciones de nivel mayor.

Cuando tenemos la información ante nosotros, no basta con leérsela y ya está pues con eso solo no vamos a ninguna parte, será necesario por tanto llegar a la comprensión total de lo leído y afianzar ese conocimiento adquirido con las prácticas pertinentes, por tanto no bastará con la comprensión de la lectura.

En las prácticas, punto 2, será preciso tener todo lo necesario para su realización y conocer los procedimientos a seguir. Ante los problemas que se nos planteen en la realización deberemos encontrar la forma de resolverlos y cabe la posibilidad de que no lo encontremos lo que nos obligará a recurrir al experto al final. Salvados los escollos, cuando lleguemos al final deberemos saber si lo que hemos hecho es correcto o no, pues no siempre quedará claro si lo hemos resuelto correctamente o no, por tanto para estar seguros deberemos recurrir al experto de nuevo, sobre todo para evitar cometer el error de dar por bueno lo que no lo es que nos llevaría a un aprendizaje incorrecto.

MARINA

2010-04-16T17:34:00.003+01:00

Recordando a Renoir puse a mi nieta Marina al sol y la retraté con las sombras que se proyectaban de su cabello sobre el hombro y el pecho.

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Camille Pissarro

2010-04-09T22:49:00.012+01:00

Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro (* Saint Thomas, 10 de julio de 1830 - † París, 13 de noviembre de 1903), fue un pintor impresionista y después neo-impresionista francés.

Está considerado como uno de los fundadores del movimiento impresionista. Como decano del impresionismo tuvo un importante papel de conciencia moral y guía artístico. Pintó la vida rural francesa y escenas del barrio de Montmartre. Entre sus discípulos se cuentan Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.

El jardín de Pontoise (1877).

En 1847, tras concluir parte de sus estudios en Francia, regresó a Santo Tomás para ayudar en el comercio de sus padres. En sus momentos libres se dedicaba a dibujar.¹Posteriormente abandonó su hogar debido a la oposición de sus padres a que se convirtiese en artista. Viajó a Caracas (1852), acompañado de su maestro, el pintor danés Fritz Melbye.² Allí se dedicó plenamente a la pintura, realizando paisajes y escenas de costumbres.

En 1855 se trasladó a París, donde asistió a la Escuela de Bellas Artes y a la Academia de Jules Suisse. Estudió con el paisajista francés Camille Corot y trabó amistad con Claude Monet, Cézanne y Armand Guillaumin.

Claude Monet y Pissarro coincidieron en Londres, donde conocieron a Durand-Rue (1831-1922), que se convirtió a partir de ese momento en el marchante "oficial" del grupo. Pissarro y Monet hicieron en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas.

Su estilo en esta época era bastante tradicional. Se le asocia con la Escuela de Barbizon aunque pasado algún tiempo evolucionó hacia el impresionismo. Se le considera, junto con Monet y Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros, diferenciándose del grupo de los "problemáticos" (Renoir, Degas, Cezanne).

Al volver a Francia después de su estancia en Londres, participó plenamente en las exposiciones del grupo impresionista, del que fue cofundador. Además, fue el único que participó en las ocho exposiciones del grupo (1874-1886).

Durante la Guerra Franco-prusiana, (1870-1871), volvió a residir en Inglaterra, donde estudió el arte inglés y en especial los paisajes de William Turner. En los años 80 experimentó con el puntillismo y produjo escenas rurales de ríos y paisajes y también escenas callejeras de París, como La calle Saint-Honoré después del mediodía (1897, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), La Haya y Londres.

Atraído por la tierra, pintó la vida rural francesa, en particular paisajes y escenas representando personas trabajando en el campo. Del período llamado de Pontoise (1872-1884, aproximadamente) datan sus mejores obras inspiradas en Monet y Cézanne: La siega en Montfoucault (1876), Los tejados rojos (1877), Primavera en Pontoise (1877). Tras un período neoimpresionista, volvió al lirismo y al esplendor cromático del impresionismo. También son famosas sus escenas de Montmartre.

En 1895, un empeoramiento de la enfermedad ocular que padecía le obligó a pintar paisajes urbanos de París desde la ventana de su casa: Avenida de la Ópera, Jardín de las Tullerías y Efecto de nieve.

La obra de Pissarro está representada en el Museo de Orsay de París. Como profesor tuvo como alumnos a Paul Gauguin, Paul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Políticamente fue simpatizante del anarquismo.

La información está sacada de Wikipedia. Pinchando en los hipervínculos se accede a información complementaria.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

ALFRED SISLEY

2010-04-03T23:47:00.005+01:00

Alfred Sisley (París, 30 de octubre de 1839 - Moret-sur-Loing 29 de enero de 1899) fue un pintor impresionista franco británico.

De padres ingleses, fue enviado a Inglaterra para aprender el idioma y realizar estudios de comercio, contrarios a sus deseos artísticos. Empieza a pintar como aficionado e ingresa en el estudio de Charles Gleyre donde conoce a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille. La guerra franco-prusiana de 1870 arruinó a su familia y obligó a Sisley a marchar a Londres. Decide entonces ser pintor. En 1874 expuso en la primera exposición de los impresionistas y lo continuaría haciendo en 1876, 1877 y 1882.

Sisley fue eminentemente un pintor paisajista, que se distinguió de sus colegas impresionistas por la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más imponderables: el agua, la nieve, el cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los
impresionistas más puros. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon.

Sisley nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas y vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio familiar en 1871. Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar como sus cuadros, que en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico.

(Wikipedia)

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CEZANNE

2010-03-29T19:24:00.004+01:00

Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906), pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,¹ que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación (los nabis o la escuela de Pont-Aven).

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LAURA

2010-03-28T19:43:00.003+01:00

Retrato de mi nieta al pastel. Medidas 45x34

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

DESINTEGRACIÓN 4D

2010-03-23T14:06:00.004Z

DESINTEGRACIÓN óleo sobre lienzo -tríptico- 130x97

Pinchad en la foto para verla ampliada

Esta obra está recién terminada. Para pasar a la cuarta dimensión sube el nivel de vibración y el espacio y su contenido se distorsionan hasta llegar a desintegrarse. Luego se integrará en la cuarta dimensión.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es