domingo, 15 de enero de 2017

PINTURA Y FOTOGRAFÍA




Desde el impresionismo hasta las vanguardias ha sido un camino que ha ido destruyendo la forma y, paso a paso, se ha ido llegando a un punto en el que ya no es necesario saber dibujar, ni pintar ni nada, basta con ser ocurrente, atrevido, trasgresor, osado, audaz, temerario, alocado, insensato, infractor, desafiante, provocador, rebelde, díscolo, turbulento, escandaloso, ruidoso, tumultuoso, perturbador y hasta puede que original, pero para realizar una obra de arte no basta con eso.

En ARCO podemos ver cosas como esto que pongo a continuación.

Como se puede ver esto es muy difícil de hacer, tanto realizar el marco (que tal vez, “el artista” mandó hacerlo a un profesional) y luego pintar, con pintura industrial, esos tramos blancos, negros y rosa, puros, sin mezcla, ¡increíble y sublime! ¡Vamos, esto es más difícil que pintar LAS MENINAS. Si Velázquez levantara la cabeza… ¡Ah! Y pintar en la pared el otro cuadrado, esas cuatro líneas perfectas, paralelas dos a dos y perpendiculares dos a dos, toda una proeza para la que es necesaria una gran preparación y una gran habilidad. Y no digo nada de la destreza que es necesaria para poner esos dos listones de madera en el suelo, supongo que habrá necesitado una calculadora científica para calcular con exactitud la posición correcta.





IRMA ALVAREZ LAVIADA. S.T., 2015

Pintura industrial, bastidor y madera

Aunque luego queda lo más sublime, el discurso que hay que inventar para hacer creer al público que esos dos cuadrados constituyen una obra de arte. Esto es a lo que los “entendidos de hoy” llaman ARTE DE VANGUARDIA, o lo que es peor aún, llamarle ARTE CONTEMPORÁNEO, como si todos los demás estilos y maneras de arte que se hacen hoy no fueran contemporáneos o no fuera arte.

En cuanto al realismo y el hiperrealismo, decir que la pintura ha sido ganada por la fotografía y que es absurdo pintar de forma realista, denota un desconocimiento supino sobre lo que es pintura y una capacidad de percepción visual disminuida.





Fotografía

La fotografía se realiza mediante una cámara fotográfica, es decir, una máquina que tiene unas características fijas y simplemente actúa acorde con los parámetros que le marque el fotógrafo y si la cámara se prepara para resolverla con profundidad de campo a infinito, todo sale enfocado y al final las imágenes resultan planas y en cuanto al color se pierden gran cantidad de matices dependiendo de la cámara y del objetivo utilizado. Si se programa con profundidad de campo corta, todo sale superborroso salvo el objeto o elemento que queremos destacar.

El pintor, ya de entrada, tiene algo muy importante que le diferencia de una máquina: tiene cerebro. Esto significa que tiene la capacidad de interpretar y conceder importancia a unas cosas si y a otras no y por tanto eso lo puede plasmar en su cuadro. Tiene sentimientos y estos unidos a las sensaciones y emociones, que una cámara no tiene, modifica la percepción y por ello en la resolución del cuadro modifica o altera la forma, el color, el destaque y, si sabe, puede crear un recorrido visual que guíe al espectador para provocarle un mayor placer contemplativo que se diferencia notablemente de una fotografía que todo está con la misma luz, el mismo color y la misma profundidad, y luego está la atmósfera que la cámara no ve salvo que haya un alto nivel de humedad, pero en cualquier caso incontrolable.


TIERRA DE DON QUIJOTE Fermín García Sevilla

El pintor interpreta lo que ve y lo resuelve con estilo personal con su propia “factura”, con poca o mucha materia, con pincela amplia o corta o bien pincelada lamida que no deje huella el pincel o con huella profunda, cambiando la intensidad de los colores o el contraste de los mismos, jugando con colores adyacentes o complementarios y con algo que pocos pintores actuales le dan importancia y que por ello lo ignoran la mayoría: LA COMPOSICIÓN que es lo que diferencia una pintura atractiva y seductora de otra que no lo es y resulta anodina.

Por tanto, una pintura no es comparable con una fotografía, puesto que una cámara no se puede comparar a un pintor y en todo caso, el pintor, el de verdad, siempre supera a una cámara fotográfica.



En cuanto a la pintura hiperrealista, como la palabra indica, es ser realista en grado superlativo y eso se resuelve de tal manera que vista la pintura desde muy cerca resulta fotográfica o casi fotográfica, en cambio en la pintura realista es necesario verla desde una distancia prudencial para que las pinceladas se fundan y nos produzca una sensación de realidad.


HEREDEROS Modesto Trigo Trigo


Algunas pinturas hiperrealistas no son más que copias exactas de una fotografía y eso hay que evitarlo ya que aunque denota un gran dominio técnico y una gran capacidad de percepción, le falta ponerle imaginación y emoción, lo que quiere decir creación, y eso se nota, pues ahí es donde entra el artista, si no será un buen copista pero no artista ya que no crea.

Para pintar y concebir un cuadro se puede partir de la realidad visible sea paisaje, objetos, animales o personas, pero también podemos utilizar fotografías o bien imaginarnos de manera total y absoluta lo que vamos a pintar, sea todo o en parte. El utilizar fotos no significa que hagamos copia exacta de la foto sino que las fotos se interpretan y se resuelven de manera personal imprimiendo nuestra impronta y nuestra visión personal en cuanto a forma y color.

Estos son los factores o elementos que, en mi opinión, definen y permiten valorar una pintura.

-Dibujo: líneas, formas, proporciones, perspectiva lineal, armonías
-Color: mezclas, armonías, matices, luz, contrastes, perspectiva aérea
-Composición: el espacio, división del espacio, líneas y formas geométricas, cromática, sección áurea, equilibrio de pesos, contraste de tonos, claves tonales.
-Ritmos: lineales, de formas, cromáticos
-Destaque o centro de interés.
-Recorrido visual


Evidentemente estos factores son aplicables a la fotografía en el caso de que el fotógrafo pretenda hacer fotografía artística, el problema es que no puede modificar nada a la hora de realizar la exposición fotográfica salvo el encuadre que puede cambiar la composición, la luz si se trata de un interior, y por lo demás  debe buscar estos factores en los elementos o motivos a fotografiar y en todo caso, a posteriori, con un programa de retoque fotográfico como puede ser el PHOTOSHOP podrá modificar algunos de ellos como contrastes y colores. Personalmente no me gustan las fotografías que luego se le pintan colores encima como franjas o signos.

De la adecuada combinación de todos estos parámetros y del dominio que tenga el pintor o fotógrafo de ellos depende el resultado final de la obra de manera que puede realizar una obra de arte o un auténtico mamarracho.

En resumen, ni la pintura hiperrealista suprime a la fotografía ni la fotografía sustituye a la pintura, salvo para quienes no ven –porque no saben- o no tienen dinero para comprar una pintura y se conforman con una fotografía o una lámina que reproduzca un cuadro.

viernes, 6 de enero de 2017

LAS MODELOS de RUBENS



En 1609 Rubens contrae matrimonio en Amberes con Isabella Brandt, miembro de una familia pudiente y cultivada, que contaba con 18 años. El artista franqueaba la treintena pero la edad no supuso una barrera para el amor entre ambos cónyuges. La pareja tendrá tres hijos: Clara Serena, que murió siendo niña, Alberto y Nicolás. Isabella y Peter Paul aparecen al aire libre, junto a una madreselva que simboliza el amor, enlazando sus manos en señal de armonía y concordia. La felicidad de ambos se manifiesta a través de sus rostros mientras que por la riqueza de sus ropajes podemos advertir su elevada posición social -el pintor apoya su mano izquierda en la empuñadura de la espada como un caballero.




Autorretrato con Isabella Brandt
Fecha: 1609-10
Características: 178 x 136,5 cm. 




Venus del espejo 

Fecha: 1613-14

Características: 124 x 98 cm. 
Material: Oleo sobre tabla



Sobre las modelos utilizadas por Rubens para sus cuadros se ha escrito mucho y no todos los autores coinciden en las atribuciones. Hay obras en que como solo hay una modelo es sencillo de identificar pero cuando hay varias, el tema se complica un poco, por ello he elegido unas obras en que están solas cada una de ellas y luego jugando con los parecidos y las fechas he llegado a las conclusiones que aquí reseño en cada obra.

Para los personajes fundamentales utilizó a tres modelos: Su primera esposa Isabella Brant, la sobrina de ésta Suzanne Fourment y la hermana de ésta última Helena Fourment que fue su segunda esposa.

La modelo de aquí abajo retratada por Rubens es Suzanne Fourment, la tercera hija del comerciante de sedas y tapices Daniel Fourment, y sobrina de Isabella Brant, la primera esposa del pintor, ya que Daniel estaba casado con la hermana de Isabella, Clara. Suzanne se casó en 1617 con Raimond del Monte pero enviudó a los cuatro años, desposándose de nuevo al año siguiente con un buen amigo de Rubens, Arnaud Lunden. Los especialistas consideran que este retrato estaría vinculado con la fecha de este segundo matrimonio ya que la retratada porta un anillo matrimonial adornado con un brillante. Suzanne lleva un chal gris que sujeta con sus brazos, modestamente cruzados bajo el pecho, dejando ver su amplio y voluptuoso escote, muy a la moda de la época. El vestido negro se complementa con mangas de terciopelo rojas, adornándose con puños de encaje blancos. Un rayo de luz ilumina la figura de Suzanne, quedando el rostro finamente modelado por el reflejo de la luz, ya que queda a la sombra gracias al sombrero. La figura se recorta ante un celaje con algunas nubes, apreciándose claramente las dos tablas añadidas por el maestro en los laterales. El efecto brillante de la piel de la dama y de las telas del vestido ha sido conseguido gracias a los ligeros toques de óleo aplicados por el artista. Curiosamente, el retrato no nos muestra la expresión de la modelo -aunque sí presente cierta timidez en la mirada- pero resulta deslumbrante por su espontaneidad. 



El sombrero de paja 
Fecha: 1622-25
Características: 79 x 54,5 cm. 
Material: Oleo sobre tabla
Modelo: Suzanne Fourment 



En 1626 fallece la esposa de Rubens, Isabella Brandt, en 1628 muere Suzanne y en 1630 Rubens se casaba con su hermana menor, Helene que tenía 16 años.

El matrimonio tendrá cinco hijos: Clara Juana, Francisco, Isabel, Pedro Pablo y Constancia Albertina, nacida póstumamente. Helene se convertirá en la modelo habitual de numerosos cuadros, siendo quizá el rostro de las famosas Tres Gracias del Museo del Prado según la opinión de algunos. También realizó Rubens diversos retratos de la bella joven, algunos tan ligeros de ropa como éste



Helena Fourment 
Fecha:1631 h.
Características: 175,9 x 83 cm. 
Material: Oleo sobre tabla




El Juicio de Paris 
Fecha: 1639
Características: 199 x 379 cm. 
Material: Oleo sobre lienzo


Aquí me parece que la modelo es Helena Fourment para las tres mujeres. No podían ser Isabella ni Suzanne pues ya habían fallecido.



Las Tres Gracias 
Fecha: 1625/30 
Características: 221 x 181 cm
Material: Oleo sobre lienzo


Modelos: En mi opinión, Helena Fourment en la derecha, Isabella Brandt en el centro y Suzanne Fourment en la izquierda. En estas fechas las tres mujeres estaban vivas.



Andrómeda y Perseo 
Fecha:1639/40
Características:265 x 160 cm. 
Material: Oleo sobre lienzo




Autorretrato con Helene Fourment y su hijo
Fecha: 1639 h.
Características: 203,8 x 158,1 cm.
Material: Oleo sobre tabla
Estilo: Barroco Centroeuropeo


Un buen ejercicio y muy emocionante sería que ustedes intenten identificar cual es la modelo de otros muchos cuadros de Rubens utilizando los datos que les doy aquí.

domingo, 18 de diciembre de 2016

Shishkin Valery Ivanovich y CIRUELAS


Nacido en 1961 en el Bajo Kama. Se graduó de la Escuela de Artes Aplicadas Ural y Universidad Estatal Rusa pedagógica A. I. Gertsen. Miembro de la Unión de Artistas de Rusia desde 1997. Trabajó durante muchos años en el Fondo de Arte de la Unión de Artistas de la URSS, ha participado activamente en varias exposiciones en San Petersburgo, Moscú, Kazán y otras ciudades de Rusia así como en el extranjero. Las obras se encuentran en colecciones privadas en Rusia, EE.UU., Alemania, Reino Unido, Japón y otros países.

CIRUELAS  60 x 60 cm  óleo sobre lienzo 2016
En esta obra se representa una mano que sujeta en su palma un grupo de ciruelas mientras la otra mano las cubre por encima, las manos están mojadas y gotean agua.



A un magnífico dibujo de unas manos expresivas hemos de añadirle el dominio de la luz que las baña, que viene de la zona superior izquierda, junto con el agua goteando de las mismas. El efecto de perspectiva lineal y aérea nos provoca, de manera perfecta, la sensación de que la mano de arriba está más lejos del espectador que la de abajo. Obsérvese como el dedo pulgar está más cerca que ningún otro y por ello las arrugas se ven con más nitidez y contraste que en los otros dedos. Ese mismo efecto se ve en el dedo meñique  de la mano superior que parece salirse del cuadro.
La composición está basada en las dos diagonales que dan dinamismo a la composición y equilibrio. El conjunto se encierra en un óvalo que provoca la sensación delicadeza femenina y a la vez concede importancia al motivo representado, pero podemos observar varios círculos y óvalos.








El centro de interés son esas ciruelas que por color y valor tonal destacan de todo lo demás pues el color de las manos es casi idéntico al color del fondo y el recorrido visual es en círculo en sentido horario tal como nos guían los dedos de las manos.
Hay más detalles por describir como la precisión de la profundidad de las arrugas en su trayectoria, especialmente en los dedos, el detalle preciosista de las diferentes coloraciones de las uñas, especialmente en el dedo pulgar visible que vemos hasta la suciedad en la misma, la diferencia de forma de las gotas de agua que están sobre las manos y las que cuelgan de la misma, los matices cromáticos que van desde los rosáceos, naranjas y violetas cálidos a los fríos azules y violetas...la exactitud en la forma de las uñas y su posición respecto a los dedos...En fin, no quiero ser muy prolijo. Si ustedes le dedican tiempo a su observación descubrirán otros detalles como la textura de las ciruelas que son mate y con zonas de azul blanquecino.


También se puede observar que solo vemos tres dedos de cada mano y de las ciruelas solo se ven casi completas tres. Así se consigue dar un ritmo numérico como tenemos el otro ritmo de figuras geométricas formado por círculos y óvalos.





lunes, 21 de noviembre de 2016

BODEGÓN y Edward Szutter

"Edward Szutter es un pintor polaco nacido en 1957 en la ciudad de Bolesławiec, Jelenia Góra, Polonia, en la Baja Silesia. Es miembro de la Asociación de artistas y diseñadores polacos y ha participado en 70 exposiciones nacionales e internacionales de pintura.
Cuenta en su haber con 22 exposiciones individuales. También realiza pinturas murales de tamaño monumental y en su tiempo libre realiza diseños de vidrios de colores.
Ha sido premiado en catorce oportunidades en exposiciones nacionales de pintura.

Edward Szutter trabaja en silencio utilizando la observación profundizando el tema de los objetos antiguos, algunos metales corroídos, vigas podridas, latas oxidadas y papeles arrugados. Todas las cosas que un hombre y su civilización considera superfluos e innecesarios, bajo el pincel de Edward Szuttera renacen, las transforma en algo nuevo. Esos utensilios usados, que perdieron su utilidad temporal adquieren un significado metafísico y forman parte en un espectáculo atemporal. Los objetos se convierten en soportes que cobran un aura de profunda paz, como parte de un acto solemne
Una obra donde el estado de ánimo poético produce imágenes metafóricas" .

texto tomado de http://enkaustikos.blogspot.com.es/2016/06/edward-szutter-texturas.html
© ENKAUSTIKOS


BODEGÓN

Una especie de hornacina o armario de madera decorado con una cenefa ornamental en bajorrelieve y un frontispicio en forma de concha de vieira, con una inferida repisa sujeta un conjunto de objetos antiguos de diversos materiales tales como relojes de pared antiguos uno con numeración arábiga y el otro romana, una jarra de cerámica de color azul turquesa, una botella de cristal conteniendo un liquido metida en una bolsa de papel, puede ser ácido para laboratorio, un molinillo de café, un botellón azul, una lámpara de gas tipo marino de color rojo, un gran paño estampado con motivos geométricos y multicolor en vuelve al conjunto de hornacina y objetos. Unas  conchas flotan abajo en los laterales y arriba una está encima de la botella de líquido químico de la izquierda y la otra encima de la tela hacia el centro del cuadro. Una luz venida del lado izquierdo baña el conjunto de elementos. El fondo parece ser una pared pintada de un variado colorido, amarillos, naranjas, azules y violetas con variedad de matices.
Los objetos cada uno es de un color local concreto de manera que están los primarios, amarillo, rojo y azul. La botella de la izquierda y el tapón del botellón azul junto a la lámpara roja son de color marrón. El paño tiene gran variedad de colores que resultan muy vistosos.
La obra está resuelta de forma hiperrealista y produce una sensación de realismo mágico.
  


El conjunto de elementos está organizado de manera tal que combina líneas curvas y rectas de manera intrincada dando variedad y armónico equilibrio.

Los colores perfectamente armonizados, destacando especialmente el fondo en el lado izquierdo por su luminosidad los amarillos, naranjas y azules con toques violetas y el paño que parece un pañuelo grande de los usados para el cuello o cabeza por las mujeres, aunque por el tamaño relativo podría ser un vestido o chal, ya que aparecen unos flecos en el lado izquierdo.
Las texturas acertadísimas de cristal, cerámica, metales, madera y tela sintética.

La composición resuelta con algunas figuras geométricas da sensaciones al espectador a nivel subliminal que hacen atractiva la obra independientemente de las otras características. Así podemos ver un cuadrilátero rectángulo que nos produce sensación de unidad, seguridad, estabilidad y un óvalo que envuelve todos los elementos salvo la hornacina de fondo, transmitiendo sensaciones de tranquilidad femenina y grandiosidad.



También percibimos un triángulo que al estar inclinado da dinamismo al conjunto pero le da importancia, destacándole del resto de elementos.




Vemos como los elementos reunidos suponen una variada combinación de curvas y rectas con las botellas y relojes equilibrándose las sensaciones masculinas con las femeninas para conseguir unidad dentro de la variedad que es al final armonía.

La obra parece haber reunido dentro de la hornacina una serie de elementos para hablarnos del tiempo y los avances tecnológicos. Habla de dos épocas antiguas, la romana y la árabe, por eso los dos relojes, jarra y botellón para contener líquidos avanzamos a botella de cristal usada en la química moderna, Un antiguo molinillo y antiguo sistema de iluminación con la lámpara de llama. Las conchas nos remontan al período más antiguo en que se generaron los animales marinos.





lunes, 31 de octubre de 2016

DAMAS EN LA CAMA y Rob Hefferan



Rob Hefferan es un artista nacido en Manchester en 1968 que realiza unas pinturas llenas de elegancia y gran brillantez. Su pintura es figurativa y de un realismo casi fotográfico. Su obra es intimista y llena de sensualidad.


DAMAS EN LA CAMA




Esta obra tiene una composición fundamental en X tomando las figuras la posición cercana a las diagonales del espacio pictórico, estando ligeramente giradas, (trazos azules) lo que produce a su vez que se formen triángulos que exaltan los motivos que integran la obra.

Los diferentes miembros de las damas definen un conjunto de líneas quebradas, convergente y divergentes que marcan un ritmo lineal.





Las figuras están enmarcadas por un óvalo fraccionado para ensalzar la sensación de femineidad.





La  figura geométrica del triángulo, al repetirse, en la almohada azul y en la normal de la cama, además del fondo oscuro de la parte superior derecha, crea un ritmo que hace atractiva la obra y provoca una sensación subliminal de grandiosidad y seguridad.





También tenemos compositivamente hablando, los óvalos, que son los rostros de las dos figuras lo que nos transmite la sensación de delicada tranquilidad femenina y grandiosidad.





El cuadro está lleno de zonas donde un conjunto de líneas paralelas, convergentes/divergentes se acumulan marcando ritmos en diferentes direcciones, tal como vemos en las zonas marcadas con círculos rojos, el fondo con trazos verticales, la almohada con líneas curvas paralelas, el cojín de la izquierda con fruncidos, las zonas de la ropa correspondientes a los pechos de las figuras, un cojín con apariencia de pelo en forma radial, donde apoya la cabeza la mujer de la izquierda, la colcha, la zona de la cintura de la mujer que apoya su cabeza en el cuerpo de la otra, etc.





Desde el punto de vista cromático las armonías son perfectas por complementarios pues tenemos azules y grises con matices azules también, más los tonos anaranjados de las carnaciones, todo muy real, casi fotográfica. Las texturas de las telas son perfectas con los brillos propios de la seda y el satén. El centro de interés está centrado en la cabeza apoyada sobre la almohada de una manera sutil y esto provoca el recorrido visual, desde la esquina inferior izquierda siguiendo el brazo hasta la cabeza y, siguiendo el cuerpo de esta figura nos encontramos con la cabeza de la segunda figura para continuar por el brazo y salir del cuadro,





 La ejecución y la factura son superiores por el control del dibujo, la anatomía, el volumen y la luz, además de las texturas.

En cuanto al tema, tal como decíamos al principio, tiene un carácter intimista y lleno de sensualidad, máxime aquí cuando están en la cama y con ropa interior, apoyando una su espalda y cabeza en las piernas de la otra.

Para ampliar información de este magnífico artista pintor pueden ver estas webs.






ww.robhefferan.net


https://www.facebook.com/Rob-Hefferan-Art-358407890862965/?fref=ts


https://www.facebook.com/RobHefferanFineArt/?fref=ts





martes, 11 de octubre de 2016

SIN PALABRAS y NINA GARCÍA


Aunque nacida en Madrid, ella vive y trabaja en Olías del Rey y allí se formó en la Escuela Taller de Bellas Artes de Olías del Rey, Toledo (España), siendo alumna de Enrique Donoso y Pablo Santibáñez.

Diplomada en Cursos de:
Pintura Alla Prima, El Desnudo, Paisaje Urbano, Figura Humana Vestida, Retrato, Dibujo del natural, Los colores de la piel, Preparación de soportes, y Procedimientos Pictóricos.

Segundo Premio en el Concurso de Pintura Rápida de Chozas de Canales, Toledo, en 2008.

Primer Premio Becas para Pintores “FELICIANO SUÁREZ” 2009
Profesora Ayudante de la Escuela de Arte de Olías del Rey, Toledo (España)


SIN PALABRAS"

Obra resuelta al pastel sobre tabla y cuyas medidas son 120 x 90

Un hombre y una mujer jóvenes están abrazándose desnudos. Él le echa el brazo izquierdo por los hombros a ella y el brazo derecho cae a lo largo de su cuerpo ligeramente flexionado. Ella se pega a su cuerpo por la zona del costado izquierdo de él, su brazo izquierdo flexionado apoya la mano presionando con los dedos en la mitad derecha del torso de él a la altura del estómago. La cabeza de ella se apoya en el hombro izquierdo quedando oculto la mitad superior de su rostro. Él, con la cabeza ligeramente inclinada hacia abajo mira hacia el suelo, aunque no a algo concreto sino con la mirada perdida, como pensando. Da la sensación de que hay una tensión, un problema, un disgusto, algo que agobia a ella tanto que sus dedos se clavan en el cuerpo del hombre y él, de forma comprensiva, la acerca a su cuerpo como para protegerla y que ella se desahogue y se sienta segura, por eso no hacen falta las palabras.




Las sensaciones texturales de las carnaciones son tan naturales que dan ganas de tocarlas para cerciorarnos de si es pintura o es real, la luz se hace patente y da relieve a los cuerpos. La mano de él comprime el cuerpo de ella y se percibe el ligero hundimiento de su carne, pero los dedos de la mano de ella se clavan de manera absolutamente veraz en el cuerpo de él y vemos los hoyos que produce esa presión. Las venas y tendones de las manos son perfectamente visibles y creíbles con un realismo tal que se salen del cuadro dichas manos.
Los colores son los de una carne blanca con zonas sonrosadas y con los matices azulados, morenos y amarillos naranja propios de una persona de piel blanca.
El dibujo muestra una anatomía impecable donde la mano y especialmente el brazo de él es un difícil escorzo.




La composición encierra los cuerpos en un óvalo que transmiten la sensación de que algo grandioso está ocurriendo dentro de una delicada femineidad. Es realmente grandioso este acto de comprensión y de apoyo a ella por parte de él con infinita delicadeza.

 Aquí podréis ver más obras de esta gran pintora hiperrealista que está en la vanguardia de los grandes pintores contemporáneos, utilizando la palabra vanguardia en su auténtico sentido de ir en cabeza, delante de muchos, y usando la palabra contemporáneo en su auténtico significado de en nuestro tiempo, actual. Hago esta aclaración para diferenciarme del mal uso dado por los mercaderes del arte a estos vocablos que han tergiversado totalmente el lenguaje para engañar a las masas.



martes, 4 de octubre de 2016

EXPOSICIÓN EN EKA&MOOR


Participo en esta exposición colectiva con mi nombre de guerra SANGIL


AVANZANDO 65X50 óleo/lienzo