domingo, 5 de junio de 2016

ARÁNTZAZU MARTÍNEZ y CONFIANZA ABSOLUTA: LA BELLA DURMIENTE



Pintora académica de Vitoria, España. Tras licenciarse en la Universidad del País Vasco en el 2000 se trasladó a Nueva York en busca de una formación académica. Allí asistió a la Academia de Arte Figurativo de Nueva York (NYAA) graduándose en el 2002 con la obtención del Máster de las Bellas Artes.

Ese mismo año conoció a su mentor Jacob Collins, fundador de Water Street Atelier, The Hudson River Fellowship y The Grand Central Academy.

Permaneció bajo su instrucción hasta el año 2005 en el Water Street Atelier, donde completó su formación siguiendo el método académico de aprendizaje del siglo XIX.

Encontramos en su trabajo unas composiciones muy cuidadas, una técnica académica donde el tratamiento de la figura humana y de la luz son excepcionales y una temática cercana al Romanticismo y al Simbolismo. La capacidad de recrear un mundo onírico donde la magia y la fantasía forman parte de la realidad es un nexo de unión en su pintura.

Estas cualidades han conseguido que su obra sea reconocida internacionalmente y forme ya parte de proyectos como Star Wars Visions de Lucasfilm Ltd. en el 2009 y La Imagen de Rusia 2012, proyecto en el que ha participado representando a España.

Forma parte del selecto grupo de artistas reconocidos como Maestros Vivos del Arte Figurativo por la ARC y ha recibido el Premio William Bouguereau a la emoción, al tema y a la figura y el Premio Adquisición en el 2013.

En 2015 “Best in Show” otorgado por la Fundación Art Renewal Center por su cuadro “Confianza absoluta: la Bella Durmiente” que presidirá dos exposiciones internacionales. La primera en el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) y la segunda en el Salmagundi Club de Nueva York.

La mayor parte de su trabajo pertenece a colecciones privadas pero podemos ver algunas de sus pinturas en el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM), en Barcelona, España


DESCRIPCIÓN

Esta obra mide 230 x 130cm y está pintada al óleo sobre lienzo.

Lo primero que vemos al mirar el cuadro es una superficie roja amplia que ocupa el centro del cuadro, ésta corresponde a un vestido barroco –compuesto de dos piezas: una el vestido propiamente dicho y otra es como un abrigo- con el que se cubre una dama que está sentada, un poco inclinada, sobre un trono barroco o “Lion King Chair”, llamado así porque las patas son como patas de león abajo y suben terminando en sendas cabezas de león a ras con los brazos del sillón o trono. La joven dama en cuestión parece dormida y evidentemente es bella de rasgos. Dicho trono posa sobre un prisma de obra de baja altura que eleva sobre el suelo sobre unos 20 cm.




La dama tiene una diadema de pedrería en la cabeza y luce en el dedo corazón de la mano izquierda una sortija también de pedrería. Su posición inclinada parece forzada por tener apoyado el pié derecho sobre una escultura que hay en el suelo que se cubre el rostro con su mano derecha, pero no queda muy claro de que se trata (Me recuerda a una de las figuras del fresco sobre EL JUICIO FINAL de la Capilla Sixtina) . Su otro pie posa muy cerca de la escultura en el suelo. El cabello parece impulsado por el aire con cuatro mechones ondeando hacia la derecha.




Detrás del respaldo del trono están colocados dos estandartes cuyos mástiles se cruzan en aspa hacia la altura de los hombros de la dama. El estandarte de la izquierda tiene campo blanco sobre el cual vemos un fénix dorado, con las alas extendidas en cruz y una larga e historiada cola. El otro estandarte tiene fondo verde y en el centro hay un círculo amarillo/dorado oscuro con una estrella de cinco puntas entrelazada circunscrita.

Sobre el centro del respaldo del trono posa un búho real posicionado de perfil pero con la cabeza de frente.

En el lateral derecho, asoma desde detrás del trono lo que parece una rueca que estaría relacionada con una gran aguja envuelta con múltiples vueltas de hilo sobre la que posa una paloma situada en la esquina inferior derecha del cuadro.

En las grietas o juntas entre las losas del suelo crecen unas plantas que parecen campestres, solo identifico a la derecha unos cardillos, ¡claro, que yo no soy botánico!

El trono, con la dama sentada, está rodeado con doce palomas que ya suponía antes de contarlas. Siete de las palomas están revoloteando y el resto están posadas, una de ellas en el brazo izquierdo del trono cerca de la mano de la dama. Cuatro de las cinco que están posadas en el suelo miran hacia la izquierda, la quinta está de espaldas al espectador con las alas abiertas formando una cruz, en el borde frontal del prisma soporte del trono.

Al fondo a la izquierda del cuadro, pegado a la pared, vemos un fragmento de una repisa con unas columnas; podría tratarse de la decoración de una chimenea, pero no lo identifico con seguridad.


COMPOSICIÓN

Analizando la estructura compositiva de esta obra vemos que destaca especialmente la dama con su vestido rojo inserta en un triángulo isósceles que en este caso está inclinado por lo que pierde la sensación de equilibrio y adquiere dinamismo, sin quitarle firmeza y seguridad como corresponde a esta figura geométrica.


Seguidamente observamos que la estructura básica está conformada por cuadriláteros rectángulos, salvo el trapecio de la izquierda correspondiente a la repisa. Tenemos una línea, marcada por mí en color violeta, que divide al cuadro en dos partes y está situada muy cerca de la sección áurea. El cuadrilátero central en posición vertical encierra el conjunto de elementos principales como son la figura en su trono, el búho y los estandartes. Vemos como sus lados cortan a seis palomas y una séptima es cortada por la línea del rodapié.

El cuadrilátero transmite la sensación de unidad y estabilidad además, en este caso, dado que su altura es bastante mayor que su anchura, provoca un ritmo ascendente que sublima la escena. Las proporciones de los lados del cuadrilátero que queda abajo, al cortar el cuadro, la línea del rodapie, cumplen la sección áurea.


Hay una figura que se repite seis veces y esta es la cruz, tal como indico en amarillo. Tres en las palomas, dos en el soporte de los estandartes y una en el trono.


Hasta ahora han salido los números 12, 7, 6 y 5. Todos relacionados a palomas pero el cinco referente también a una estrella entrelazada.

El 12 es uno de los números mágicos del esoterismo y está asignado a las constelaciones del zodíaco, los meses, las horas del reloj, las tribus de Israel, los apóstoles de Cristo.

El número 7 también es mágico pues son los pecados capitales, los días de la semana, la duración de cada ciclo lunar es de 28 días y al considerarse 4 fases diferenciadas nos dan 7 días para cada fase. Resultado de la suma de 3+4 donde 4 son los puntos cardinales y representa al planeta y 3 es el triángulo, la Trinidad que representa a Dios. El número 6 se corresponde con la estrella judía de seis puntas formada por dos triángulos equiláteros entrelazados.

Los propios estandartes conforman unas figuras romboidales y el respaldo del trono sugiere varios cuadriláteros rectángulos aunque apuntamos solo uno. Como dijimos arriba, el cuadrilátero transmite la sensación de unidad y estabilidad; la forma romboidal le da dinamismo.


Aunque de una manera sutil, podemos ver un conjunto de líneas rectas que son radiales a la figura principal que dan la sensación de expansión, grandiosidad, gloria, esplendor, devoción…


Centrándonos en la estructura creada por el vestido podemos percibir la forma de una “M” y otra de un corazón. Si unimos estos dos símbolos al hecho de que está pisando una figura con el pié derecho nos recuerda mucho a ciertas representaciones de la Virgen María, en especial las de Murillo. Podemos considerar las curvas del corazón como abierta o cerrada.





También encontramos figuras ovales que representan delicada tranquilidad femenina, majestuosidad y grandiosidad. Por tanto, la dama, el búho/lechuza y el trono son grandiosos, donde recoge también la rueca.


Estas cuatro palomas marcadas en amarillo miran hacia la derecha, otras cuatro miran a la izquierda, dos de espaldas y otras dos de frente. Lo que confiere un gran equilibrio a este gesto de la posición de las palomas.


Conjugamos aquí todas las líneas y figuras que hemos observado y analizado para que quede claro que nada es casual en la concepción y realización de esta obra sino el resultado de una profunda reflexión previa.


Podemos añadir que a pesar del aparente estatismo de la figura, es justo todo lo contrario pues su posición inclinada hacia el lado derecho, en línea con el mástil del estandarte verde, el cabello ondeando y las palomas revoloteando dan un gran dinamismo al conjunto de la obra.

COLOR

Analizando el color, está claro que dominan el rojo y el negro arropando este último al primero con multitud de matices que enriquecen la paleta. Todo lo demás que contiene el cuadro es una variada y rica gama de grises, sean estandartes, lechuza, suelos y paredes con ligeros toques verdes que representan las hierbas que crecen entre las baldosas del suelo. Especialmente bella desde el punto de vista cromático es la pared con colores tornasolados que son un puro deleite.

El color rojo tiene muchos significados posibles pero aquí podríamos aplicar los de bondad, amor, furia, valor, pasión…

El color amarillo o dorado del fénix y del círculo que encierra a la estrella de cinco puntas, se le atribuye sabiduría, riqueza, gloria y esplendor.

El color negro significa duelo, riqueza, gala y, unido al rojo, como es el caso, da poder físico y este suele dar CONFIANZA.

El color de fondo de la pared podríamos interpretarlo como un azul muy claro que significa claridad de pensamiento, pureza y dulzura.

El color blanco, además de pureza, significa inocencia y modestia. Las palomas son blancas.

Lo cierto es que todo esto son atributos que se dan a los colores tanto desde el plano esotérico como desde la psicología.

BASES DEL CUENTO

El cuento de la BELLA DURMIENTE es por si mismo una enseñanza esotérica que nos habla de la ignorancia y la inconsciencia que nos lleva al desastre hasta destruir la vida y como gracias a la ayuda del iniciado puede despertar la inteligencia dormida para alcanzar la plenitud.

No obstante, hay tres versiones Giambattista Basile , Charles Perrault y Jacob y Wilhelm Grimm. La de Walt Disney mezcla cosas de estas tres y cada uno de ellos da un significado a este cuento.

Tenemos la rueca semiescondida y esa aguja con hilo envuelto sobre el que posa una paloma, este es el huso con el que se pincha la princesa que le produce el largo sueño debido a la maldición del hada mala.


OTROS SÍMBOLOS

ESTRELLA DE CINCO PUNTAS

La estrella de cinco puntas es uno de los símbolos cuyo empleo en masonería es muy común, su origen como emblema es derivado del PENTALFA DE PITAGORAS, palabra que deriva del Griego PENTA, es decir cinco, y de ALFA, primera letra de dicho alfabeto, que afecta la figura de un triangulo pequeño. El PENTALFA es una figura geométrica construida por los Pitagóricos, quienes tomaron como base un triángulo, y así uniendo cinco de estas figuras sobre un pentágono, formaron la estrella de 5 puntas.

Después de que Pitágoras introdujo este símbolo entre las enseñanzas de sus discípulos, los cristianos primitivos usaron la estrella de cinco puntas como emblema de las cinco heridas del salvador, y su inscripción es bajo la representación del cuerpo Humano.

La Estrella de cinco puntas es representativa del cuerpo humano. En ella están marcadas las cinco extremidades del Hombre, sus cinco sentidos y los cinco elementos naturales de los seres animados, la Materia, El Espíritu, El Alma, La Fuerza y La Vida.

La interpretación física nos indica que en el cuerpo humano se concentran cinco fuerzas o elementos que la naturaleza impone para perpetuar su acción en el mundo, las cuales son la Tierra, El Agua, El Aire, El Fuego y El tiempo.

EL FÉNIX

Es un ave mitológica del tamaño de un águila, de plumaje rojo, anaranjado y amarillo incandescente, de pico y garras fuertes. Se trataba de un ave fabulosa que se consumía por acción del fuego cada 500 años, para luego resurgir de sus cenizas. Según algunos mitos, vivía en una región que comprendía la zona del Oriente Medio y la India, llegando hasta Egipto, en el norte de África. Muy presente en la poesía árabe.

El fénix es símbolo de las personas que salen adelante a pesar de todo.

EL BÚHO/LA LECHUZA

Desde la Antigüedad hasta nuestros días, se la considera la contrapartida simbólica del Águila por ser un ave nocturna que no tolera la luz solar. Mientras que en Egipto y la India era uno de los muertos, en otros lugares su grito inquietante era presagio de desgracias. En china tenía un papel atemorizante, relacionado con el rayo (que ilumina la noche) con el tambor (que rompe la tranquilidad de la noche) y la destrucción.

Por su capacidad de ver en la oscuridad y por considerársele como animal de aspecto serio y pensativo, es también símbolo de sabiduría que traspasa la oscuridad de la ignorancia. Con ello se convirtió en atributo de Atenea, la diosa griega de las Ciencias.

Para los cristianos, es un animal impuro y está considerado símbolo de las tinieblas del espíritu y esto es normal, ya que para los cristianos, todo animal que tenía una virtud positiva en otras creencias, pasa a tener un significado negativo en la suya.

Los druidas fueron quienes siempre sostuvieron que el búho era el ave que iba a ayudar a traer a sus mentes la lucidez necesaria, como así la intuición y el don de la adivinación.

SIGNIFICADO GLOBAL

La dama joven sentada en el trono y dormida es LA BELLA DURMIENTE y tiene la rueca detrás de ella y el huso delante en el cual se posa una paloma blanca, símbolo de pureza, inocencia e ingenuidad. El anillo y la diadema de pedrería ratifican que es princesa. El búho nos indica que despertará a la sabiduría y que todo el simbolismo aquí existente es esotérico por lo cual se suma el fénix que simboliza el renacer, la preparación iniciática y la estrella de cinco puntas que representa al ser humano que trasciende. Las palomas, aparte de pureza e inocencia por ser blancas, al ser doce nos llevan a uno de los números mágicos por excelencia según expusimos, así como el tres, el cuatro, el cinco, el seis y el siete, incluyendo aquí, por tanto, la numerología.

Así podemos resumir que la bella durmiente, al despertar a la sabiduría, gracias a la iniciación esotérica, alcanza también la CONFIANZA ABSOLUTA.

Añadimos estos enlaces para que amplíen su conocimiento sobre esta gran pintora que es ARÁNTZAZU MARTÍNEZ.



https://www.facebook.com/arantzazu.martinez1?fref=ts

http://www.arantzazumartinez.com/bio.html

http://arantzazumartinez.com/







viernes, 27 de mayo de 2016

LA COMPOSICIÓN EN LA PINTURA Y EL DIBUJO - WORKSHOP

Cuando vemos una exposición, todos somos testigos de cómo hay cuadros que atraen más que otros, como la gente se para a contemplar ciertos cuadros concretos y como el resto los ve de pasada y nosotros hacemos exactamente lo mismo. ¿Por qué sucede esto? Podríamos pensar que la diferencia está en los colores, la luz, el que sean unas obras más realistas que otras o que el tema atraiga más o menos. Sin duda esto tiene su influencia y luego cada uno, en su subjetividad, puede sentirse más atraído por unos aspectos que por otros, pero cuando vemos que la mayoría de la gente se siente atrapada por los mismos cuadros es porque estos tienen algo especial que no tienen los demás. ¿Y que tienen esos cuadros tan atractivos que no tienen los otros? Pues sencillamente que su “composición” está resuelta para seducir mediante armonías de líneas, figuras, pesos, colores y tonos.

Modesto Trigo Trigo

¿Quiere esto decir que el pintor ha planificado, estructurado, distribuido los elementos del cuadro de una forma especial para conseguir atrapar la mirada del espectador? Si, rotundamente si.

¿Y esto lo hace de manera premeditada y deliberada o lo hace inconscientemente? Unos lo hacen de forma inconsciente y por ello con unas obras aciertan y con otras no, de manera que el mismo no se explica porque sucede eso. Otros actúan de forma consciente analizando como distribuir los elementos y su intuición les dice cual es el mejor modo, el que más les llena, y otros conocen perfectamente las leyes de la composición y las aplican, que es lo que hacen los grandes maestros y lo han hecho así a lo largo de toda la historia del arte.

Os estaréis preguntado ¿Dónde está el secreto y cuáles son esas leyes?

1ª. Las proporciones del soporte o lienzo. Esto es lo primero a tener en cuenta, elegir el soporte sobre el cual vamos a desarrollar nuestra pintura. Normalmente se utiliza un formato rectangular pero también puede ser cuadrado o redondo –circular y oval-. Existen unos tamaños estándar de los bastidores y hay tres formatos, cada uno con proporciones diferentes, así el formato figura es casi cuadrado, más alargado el formato paisaje y más alargado aún el formato marina. Y luego estos podemos ponerlos el lado más largo en sentido vertical o bien en sentido horizontal.

2ª. La división del espacio. El espacio creado por la superficie del cuadro, podemos dividirlo de muchas formas, pero especialmente hay tres, debido a sus proporciones: ½, 5/3 y cualquier otra. Solo la proporción 5/3 da unidad y variedad simultáneamente y esta es la que llamamos SECCIÓN ÁUREA, PROPORCIÓN DORADA o REGLA DE ORO.

3ª. Las líneas. Evidentemente pueden ser rectas y curvas, apareciendo de manera más o menos velada en la estructura del cuadro y en la distribución de los elementos sobre la superficie del soporte. Tendremos en cuenta si las líneas están en sentido vertical, horizontal o inclinada.


Teresa Unsain

4ª. Las figuras geométricas. Fundamentalmente tenemos el triángulo, el cuadrado, el cuadrilátero, el círculo y el óvalo. También utilizamos las letras J, L, C y S.


Ángel Gómez

5ª. Las masas. Según su posición en la superficie del cuadro, pueden ser simétricas y asimétricas.

6ª. Equilibrio de pesos. El balancín. Para que un cuadro “no se caiga” de un lado, es necesario equilibrar los pesos, desplazando los pesos hacia un lado o hacia el otro o bien utilizando líneas equilibradoras.

7ª. El destaque de los tonos y colores. Para que un tono o color destaque de entre otros no solo depende del contraste sino también de su superficie relativa.

8ª. Las claves tonales. Los tonos se disponen de manera especial para que el conjunto forme una unidad armónica. Está la clave mayor en la cual interviene blanco y negro con todos los grises entre ellos y la clave menor en la que interviene el negro o el blanco con los grises correspondientes.

9ª. Los ritmos. Igual que en la música dependen de tiempos y repetición además de determinadas notas, en pintura depende de recorridos y de repetición de tonos y colores.


Vincent van Gogh

10ª.  El centro de interés.  Mediante el uso de las leyes anteriores, una o varias de ellas, debemos obligar a la mirada del espectador  a que se centre en el punto que nosotros consideremos como el principal y mejor aún si marcamos el recorrido visual que debe realizar el espectador.

Si asimilamos bien estas leyes de la COMPOSICIÓN y las aplicamos adecuadamente, podéis estar absolutamente seguros de que vuestras obras seducirán a los espectadores atrapando su mirada sin que puedan resistirse.

Este secreto os será revelado en el WORKSHOP que los días 2 y 3 de julio de 2016 realizaré en GARENARTE  en ALCALÁ DE HENARES.

Más información:   garenarte1@gmail.com

Teléfono 648 276 005

Carmen Calzado, 12 local   ALCALÁ DE HENARES (MADRID)






jueves, 19 de mayo de 2016

VENECIA CELESTIALES 195X195 JOSEP FRANCÉS


Josep Francés Anaya (Alzira, 1959). Cursa estudios de arte en la academia Galatea de Valencia. Años después estudia interiorismo y arquitectura en la escuela de Artes Aplicadas de Valencia. Su trabajo de restauración arquitectónica le lleva a ver la posibilidad de transferir su trabajo a sus cuadros. Una de sus facetas más interesantes es su participación en concursos de pintura rápida al aire libre en los que en pocas horas se adquiere una gran destreza en técnicas de pintura que después aplica a sus obras de estudio. Expone en Salas de arte de España y Francia, pero es a partir de 2005 cuando empieza a participar en certámenes de pintura nacionales e internacionales, cuando cambia por completo su pintura, y se convierte en una pintura de claro carácter constructivista. En sus obras Francés refleja en cuadros de gran tamaño series de ciudades del mundo, transportando su carácter cosmopolita a sus obras y consiguiendo con ello el reconocimiento en infinidad de premios tanto nacionales como internacionales. En el año 2013 es seleccionado para pertenecer al grupo Artevalencia. (Wikipedia)



VENECIA CELESTIALES 195X195


Foto real de la basílica de Santa María della Salute

VENECIA CELESTIALES 195X195

Esta es una obra grande pero también es una gran obra. En ella se representa la iglesia Santa María della Salute de Venecia como elemento soporte de la obra y produce la sensación de que la ha sometido a una radiografía para ver su esqueleto en ciertas zonas. También parece como si sobre el dibujo técnico arquitectónico, donde vemos líneas de construcción de la estructura, se hubieran superpuesto fragmentos fotográficos de la iglesia en su visión externa. En el fondo superior vemos un cielo nuboso y en la parte inferior podemos ver EL GRAN CANAL, en el cual flotan tres góndolas juntas, pegadas la una a la otra y vemos la proa de otras dos separadas  a la derecha. En la parte inferior de la base de la iglesia, parecen faltar trozos en forma de cuadriláteros que nos permiten ver las aguas, lo que nos lleva a la conclusión de que la iglesia es un trampantojo que nos cubre toda la visión salvo las góndolas, las cuales tienen un tamaño muy grande con respecto a la iglesia, lo que reafirma la idea de trampantojo.
También nos produce la sensación de que es una composición simétrica pero es otro engaño, y la idea se rompe en cuanto analicemos los elementos de la derecha respecta a la izquierda. El eje central vertical no es la línea multicolor que tanto destaca sino una línea paralela casi blanca que hay a la derecha, nuevo engaño. La línea que marca la altura del triángulo del frontón, al ser éste más saliente, está desplazado a la derecha de este eje.
Este trampantojo parece pintado sobre un gran tablero de fondo negro que llega ligeramente por debajo de la proa de las góndolas. Hacia abajo aún vemos a izquierda y derecha unos paneles azules que no nos permiten ver lo que hay detrás. Todo esto nos hace creer que el soporte, me refiero al lienzo del cuadro, no es un cuadrado aunque realmente lo es, pues provocaría una sensación de neutralidad o equilibrio dinámico, sino un rectángulo en posición vertical que produce la sensación de dinamismo y de ascensión.
Esta sensación de ascensión se ve reforzada por los desnudos encaramados en el edificio presuntamente flotando pero vuelve a engañarnos ya que solo el desnudo central superior tiene alas de ave y que es el único que reposa con sus pies en la cúpula, enganchadas a él hay otras dos figuras en posición simétrica que si flotan. Enganchadas a la zona de apoyo de la figura central con un solo brazo, hay dos más flotando, siguiendo más o menos la simetría y por debajo hay otras dos, una a cada lado, estando la de la izquierda un poco más arriba que la de la derecha.
Los desnudos nos pueden recordar a Miguel Ángel pero es falso, pues el diseño no tiene nada que ver, pues son mujeres muy delgadas que se asemejan más a LA VENUS DEL ESPEJO de Velázquez. La figura de la izquierda parece estar de rodillas y la sustentan unas alas mecánicas que recuerdan a algunos de los diseños de Leonardo da Vinci. La figura de la derecha parece estar en cuclillas, pero lo que nos hace creer en unas alas, como las correspondientes a la figura de la izquierda, es otro engaño, pues solo están trazadas dos líneas curvas que se cruzan en aspa justo en el cuello.
Estas figuras desnudas son como si hubieran tomado vida las esculturas en forma de ángeles  que se posan en la iglesia, por encima de los frontones. No obstante el tamaño de las mismas, tampoco son proporcionales entre si, ni en relación al edificio. Son equivalentes dos a dos y la central con las dos inferiores.
También vemos unas líneas inclinadas que parecen ser líneas de fuga pero no todas lo son. Observad las que salen de las zonas rectas del edificio y las que no.
En la parte superior por encima del presunto ángel de alas de ave que construyen una cruz, se insinúa otra cruz en azul pero en realidad tampoco lo es.
En la parte inferior nos encontramos con otra falsedad, otra contradicción: Las aguas donde reposan las góndolas están tranquilas y reflejan, como si se tratara de un espejo en sutil movimiento, el cielo y las luminosas nubes. Pero un poco más hacia el fondo, a partir de las proas de las góndolas, vemos unas aguas diferentes y con oleaje más que suficiente como para que las de primer plano no estén quietas.
En resumen vemos que la manera de realizar la composición, el artista, es provocando sensaciones falsas, es jugando al engaño, insinuando cosas que en realidad no son lo que aparentan. Dado que gran mayoría de sus obras encarnan edificios y ciudades observados desde diferentes perspectivas, cabe pensar que sus estudios de arquitectura tienen mucho que ver con ello.
Si atendemos a las figuras geométricas que intervienen en la composición hemos de distinguir entre las propias del edificio y las creadas por el pintor.

La iglesia fue diseñada en el estilo barroco de moda entonces por Baldassare Longhena , que estudió con el arquitecto Vincenzo Scamozzi . La construcción comenzó en 1631. La mayor parte de los objetos de arte alojados en la Iglesia hacen referencia a la peste negra.

La cúpula de la Salute fue una importante adición a la línea del horizonte de Venecia y pronto se convirtió en emblema de la ciudad, inspirando a artistas como Canaletto , JMW Turner , John Singer Sargent , y Francesco Guardi .(wikipedia)

Como puede observarse se compone de triángulos isósceles, cuadriláteros rectángulos y semicírculos. Los frontispicios están rematados por un frontis triangular del cual caen sendas columnas corintio con fustes sin estrías a diferencia de las genuinas griegas.

Los triángulos producen la sensación de estabilidad, seguridad, grandiosidad y equilibrio; los cuadriláteros rectángulos unidad y estabilidad; los círculos regularidad y equilibrio; las formas verticales exaltación, ascensión, miras elevadas, fuerza, permanencia y es estimulante. Por tanto son atributos que explican por si solos, en su combinación, las sensaciones transmitidas de forma subliminal por este tipo de edificios, así pues muy apropiados para un templo religioso.
En cuanto a la composición creada, veamos sus elementos más importantes:
Aquí vemos la iniciación de un círculo pero solo está trazado un cuadrante considerando un tono en la nube que parece continuar la curva



Este segundo arco es en realidad medio cuadrante



El arco correspondiente a un sector azul del lado derecho es aún menor de los anteriores y los centros de cada círculo están en diferentes posiciones.



Las líneas que he marcado de rojo son las únicas que corresponden a cónicas de las zonas del edificio



Estas tres góndolas están situadas en el primer plano conformando una especie de elipse u ojiva y alineadas de tal manera que sus ejes se encuentran en un punto más arriba como si fueran otras cónicas cuyo punto de fuga nada tiene que ver con el horizonte. Por tanto son ficticias, forzadas o artificiales.
Una forma oval viene a provocar sensaciones de delicada tranquilidad femenina, majestuosidad, grandiosidad…pero las ojivas son otra cosa y con otros significados…
De la punta de la proa de la cuarta góndola parten dos líneas divergentes que llegan a tocar sendos arcos de medio punto sin que tengan justificación alguna, al igual que otras líneas verticales, horizontales e inclinadas existan en el portón principal, en la cúpula y en las hornacinas, las cuales son un señuelo para que creamos que corresponden a la estructura o esqueleto del diseño de la iglesia pero yo no les veo coherencia.



Entre la figura central situada arriba y las dos inferiores se construye un triángulo isósceles pero volcado por lo que la sensación de estabilidad, seguridad y equilibrio se pierden pero queda grandiosidad que une a los tres ángeles mayores y únicos con alas o análogas a tales.


Desde el punto de vista cromático las armonías fundamentales están ligadas a los colores azul y naranja que como son complementarios además de uno frío y el otro cálido hacen a los naranjas luminosos y salientes. También veremos unos toques de rojo y violeta con pequeñas variaciones al verde.
La luz parece proceder desde un punto alto en el eje vertical central de la composición salvo para el ángel del centro que parece recibirla algo más frontal. Las cuatro figuras sin alas parecen condenadas a caer en la cúpula, mientras los dos ángeles de alas mecánicas vigilan para que ocurra lo que haya de ocurrir.
En síntesis, tenemos una gran obra con una composición muy elaborada, dinámica y con gran armonía lineal y de formas así como de los colores. Una obra que puede hacer creer que es muy espiritual al aparecer iglesia y ángeles, pero más bien se trata de un proceso de depuración o castigo.

Para quienes quieran saber más de este magnífico pintor podéis visitar estos enlaces.



miércoles, 6 de abril de 2016

LA CALIDAD DE LA PINTURA

Dada la degradación del arte de nuestro tiempo, debido a la manipulación por los grandes magnates y gurús de las artes plásticas, he considerado importante que todo el mundo que le interese pueda saber discriminar lo bueno de lo mediocre o malo. Por ello voy a transmitir los conocimientos que entiendo básicos para analizar una pintura.


 Para realizar cualquier tipo de trabajo es preciso y necesario adquirir una serie de conocimientos y desarrollar unas habilidades. Así, para ser escritor es necesario conocer muy bien la gramática de la lengua en la que se escribe, las reglas ortográficas, un vocabulario amplio, saber redactar y describir cosas y ambientes, situaciones, desarrollar una manera personal de expresarse y mucha imaginación, pero la única habilidad manual es saber escribir, bien sea con pluma/bolígrafo o con un teclado, por eso se les considera intelectuales porque no necesitan habilidades especiales manuales, usando casi en exclusiva el intelecto.


En el caso de un músico, debe adquirir conocimientos de solfeo y todos los parámetros que intervienen en la música, para ser capaz de leer la partitura e interpretarla con el instrumento correspondiente, la habilidad necesaria es dominar el manejo del instrumento musical o varios instrumentos con los que interpretar la música escrita en la partitura. Y esto sin considerar la capacidad creativa que permita crear su propia música. También es cierto que en la música hay niveles en que sin saber leer, no digo ya escribir, una partitura, puede interpretarse de oído y crear mediante grabadora, lo que nos lleva a una limitación interpretativa y también creadora al no poder escribirlo para luego leerlo cuando se necesite repetir y es prácticamente imposible que un compositor que no sepa solfeo pueda crear música para toda una orquesta y ni siquiera podrá pertenecer a una orquesta. Es cierto que la tecnología puede ayudar a paliar o atenuar estas carencias pero lo cierto es que no deja de ser un camino para suplir lo que no se sabe.


Instrumentos musicales




Distribución de instrumentos de una orquesta


En el caso de la pintura, hay que adquirir conocimientos de dibujo (representación espacial, perspectiva, anatomía animal y humana) y de pintura (colores, mezclas, incompatibilidades químicas entre colores, técnicas propias de cada tipo de pintura) y sobre los soportes y su preparación.

Debe desarrollar la capacidad de percepción e interpretación, pues vemos las formas en tres dimensiones y debemos plasmarlas en un plano, por tanto dos dimensiones, de manera que parezcan tres. Y la destreza en el manejo de las herramientas a mano alzada como lápices, pinceles, espátulas.

Una pintura se compone de varios elementos, factores o parámetros que nos permiten evaluarla de forma objetiva tal como podemos evaluar una novela, película, obra de teatro, canto, baile o música.


La pintura es fundamentalmente forma y color. Si no hay color será monocromo y entonces no podemos evaluar los conocimientos y habilidades del pintor con el color al solo poder ver un aspecto. Si no hay forma, más o menos definida, no podremos evaluar los conocimientos y habilidades del pintor, en cuanto a dibujo. Por eso la mayoría de los pintores abstractos se han acogido a esta forma o manera de hacer, porque tienen dificultades con el dibujo.



Pintura abstracta


Estos son los factores o elementos que definen y permiten valorar una pintura.
-Dibujo: líneas, formas, proporciones, perspectiva lineal, armonías
-Color: mezclas, armonías, matices, luz, contrastes, perspectiva aérea
-Composición: el espacio, división del espacio, líneas y formas geométricas, cromática, sección áurea, equilibrio de pesos, contraste de tonos, claves tonales.
-Ritmos: lineales, de formas, cromáticos
-Destaque o centro de interés.
-Recorrido visual

De la adecuada combinación de todos estos parámetros y del dominio que tenga el pintor de ellos depende el resultado final de la obra.


Un buen dibujo sirve de base y estructura para poner los colores en su sitio y así representar una realidad imaginada en la mente del pintor o bien tomada directamente del natural. Para representar una forma determinada, aunque sea  simplemente un vaso debemos atender no solo a la forma de las líneas que definen su contorno sino también a las proporciones para representarlo en sus justos términos.



Vaso real




Dibujo del vaso


Es evidente que dependiendo de la altura en el espacio de este vaso con respecto al punto de vista (altura de los ojos del pintor) cambiará la visión de este vaso y también la distancia con respecto a otros objetos y aquí hay que aplicar las leyes de la perspectiva.


Visión de un objeto según la posición respecto al observador


La armonía de líneas de este objeto con otros que le rodeen también tiene su importancia.

Hay que distinguir entre distorsiones en el dibujo que puede realizar el pintor de forma consciente y a voluntad, como se hace en el expresionismo o en la caricatura, de las distorsiones que se produzcan por desconocimiento y falta de experiencia por mucho que se pretenda camuflar como estilo o factura.



TERRORÍFICA MENTE, ARTE, PENSARTE 60X46,5 M. Magdalena Travieso



Dibujo de aprendiz


También es necesario conocer las leyes de la perspectiva para resolver el efecto de distancia/profundidad y punto de vista desde el que observa el pintor.



Perspectiva de una calle



Perspectiva de una habitación


Después del dibujo, la base de la pintura es el color y es necesario saber mezclarlos para obtener el que se busca y conseguir armonizarlos todos en el cuadro, introducir variaciones del color base de una zona para plasmar matices del mismo que produzca auténtico placer su visualización. A su vez se debe manejar el color para provocar contrastes que produzcan efectos de luz y de perspectiva aérea para representar la atmósfera y la distancia.



Bentayga 160x97. Fermín García Sevilla


Si hablamos de composición resulta que incluso la mayoría de los pintores que se defienden muy bien con el dibujo y los colores, componen sus cuadros por intuición, por el sistema de “me gusta” o “no me gusta”. Son muy pocos los que tienen profundos conocimientos empíricos de composición y los aplican en la creación de sus obras, limitándose una mayoría a copiar una foto lo mejor que pueden sin que realmente intervenga la creación y en todo caso hacen una ligera variación del encuadre. Los auténticos profesionales dominan el dibujo, el color y la composición.



El rapto de las hijas de Leucipo. Rubens


No digo ya nada relativo a elegir las proporciones adecuadas del espacio pictórico, su distribución, equilibrar pesos, buscar armonía de líneas y formas, etc. No pasa nada por trabajar con fotografías, pues lo importante es el resultado final de la obra, no los medios utilizados, pero si nos limitamos a copiar una foto no hacemos uso de nuestra creatividad, como mucho elegimos la foto y la interpretamos y a veces ni eso, sino que lo hacemos como podemos,  que no como queremos. Algunos hiperrealistas copian muy bien con una depurada técnica pero con poca interpretación pues ni siquiera se ve la huella del pincel y con menos creatividad. Así nos podemos encontrar con obras fantásticamente resueltas pero sin alma. Entiendo siempre que las fotos deben servir de ayuda y mejor si las fotos las hacemos nosotros mismos de aquello que nos atraiga en vez de limitarnos a copiar las fotos de otros.


Los ritmos, al igual que en la música, son esas notas que se repiten en el espacio que marcan cadencias y en pintura se resuelven mediante líneas, formas geométrica y colores. De igual manera que no se entiende una música sin ritmo, sin tempo, no puede entenderse una pintura sin ritmo, sin ecos o reverberaciones.



El estanque de nenúfares. Monet


Un cuadro necesita tener un centro de interés o punto de destaque que es donde se va la mirada y el pintor debe, no solo crear ese punto de destaque sino que, además, ha de trazar el camino que recorrerá el espectador, por eso le llamamos “recorrido visual” y esto es algo que pocos hacen, pues lo desconocen totalmente.


Venus 130x97. Sangil


Los experimentos de los maestros de la pintura a lo largo de la historia han ido dirigidos a buscar la excelencia de alguno o varios de estos factores para representar una presunta realidad. Después del Renacimiento, las academias de las artes, considerando que se había alcanzado el máximo verismo, se volvieron muy rígidas en sus conceptos y esto provocó la ruptura, naciendo el impresionismo que en principio atendía a dos principios, la luz y los efectos ópticos, debidos al funcionamiento del ojo. Por ello desatendiendo el dibujo riguroso pusieron su énfasis en separar colores en el lienzo que el ojo fundiría a cierta distancia, jugaron con los colores complementarios para hacer reverberar el color y así aumentar su luminosidad.



Jardín. Monet


A partir de aquí, se han ido degradando las exigencias sobre la pintura. de manera que se prescinde de algunos de los factores enunciados y llegamos hasta el absurdo de prescindir de todos, dejando el lienzo en blanco y querer venderlo como una obra de arte o considerarse un pintor aquel que ni siquiera sabe coger el pincel ni mezclar colores, limitándose a coger objetos del cubo de la basura y colocarlos en una habitación, como ya hizo Duchamp con el urinario que por el simple hecho de colocarlo en una sala de exposiciones de arte ya se transformaba, el urinario, en una obra de arte. Claro que hay por ahí algunos presuntos artistas que lo que venden es la descripción de una presunta obra de arte que no existe, solo  escrita en un papel y que cuesta un dineral. Evidentemente si pierdes el papel has perdido la obra y el dinero. Si, si, insólito, inaudito, absurdo, ilógico, irracional, descabellado, pero es así.



Urinario. Duchamp


En estos momentos vemos en las ferias cosas inusitadas, insólitas, increíbles, extravagantes, absurdas, chocantes, irracionales, desatinadas, disparatadas…para las que no son necesarios conocimientos ni habilidades algunas, salvo construir un discurso también disparatado con el que nos quieren convencer de que eso que nos enseñan es una obra de arte.


ARCO 2016


En resumen, si para realizar una obra de arte, es preciso y necesario tener una serie de conocimientos y habilidades especiales que pocos alcanzan, y que al emplearse y reflejarse en la obra podemos percibir su excelencia, nadie nos podrá convencer de que sin conocimientos y sin habilidades se puede hacer algo que merezca denominarlo obra de arte.

Es admisible que en la realización de una pintura prescindamos de algunos de los factores que de manera general deben estar, así podemos pintar un cuadro monocromo, podemos distorsionar el dibujo para resaltar cierta expresividad o aspecto, como hace la caricatura o los expresionistas, realizar una composición sencilla sin tener en cuenta todos los aspectos, pero no podemos prescindir de los ritmos, destaque y recorrido visual pues entonces quitaremos excelencia y comunicación a nuestra obra, y por tanto rebajaremos la emoción.


Caballos




En música también intervienen varios factores que pueden resumirse en dos, notas y tempos.


Una pieza musical se compone de notas, claves, silencios, figuras, compases, ritmos, instrumentos, voces, armonías que combinadas convenientemente nos producirá un especial placer y nos pondrá los pelos de punta, cuando nos emocione especialmente. Alcanzar este nivel no es nada fácil y hay muy pocos músicos que tienen el conocimiento y la capacidad de utilizar todos los recursos existentes en sus composiciones y menos aún los que crean nuevos recursos.



Partitura sencilla para guitarra



Quinta sinfonía para piano. Beethoven


Sin embargo, resulta curioso que incluso el más lego, sabe distinguir una música válida de una que no lo es, o una buena interpretación,  aunque no sepa cuantos tipos de notas hay, ni de compases, ni de claves…y por ello los malos músicos no prosperan, es cierto que para la mayoría de la gente le llegará más una música sencilla y repetitiva que una sinfonía clásica y puede que sea la sinfonía la que no le guste aunque se valore, pero en artes plásticas se crea la duda, a los ingenuos, mediante un discurso incomprensible, de si esas cosas que nadie entiende son arte o no. Y no se comprende que se vendan por un dineral.



Instrumentos de cuerda, aire y percusión