ANÁLISIS DE EL PASEO

Hablando con mis alumnos -¿o debería decir mis alumnas y alumnos?- me confesaron que no creían que para pintar un cuadro, el artista tuviese en cuenta tantas cosas como yo les enseño, relativo especialmente a la composición y sus técnicas. Yo intento convencerles de que los cuadros que trascienden son aquellos que están adecuadamente compuestos y esto lo hace el pintor de forma consciente y estudiándolo muy bien de antemano. Confío en poder convencerles al final. Aquí pueden ver la base de mis enseñanzas. Aunque este vídeo lo pueden ver en YOUTUBE a través del enlace desde "mis youtube", es bien sabido que al lector hay que ponerle las cosas fáciles, y por ello, lo mejor es situar lo que queremos que vea en la cabecera, como hacen en los hipermercados. Espero que les guste y estén de acuerdo conmigo 

CARAVAGGIO Y LA CÁMARA CLARA

Cuando se contemplan obras de Caravaggio, uno se sorprende de que en aquella época se dispusiera de sistemas de iluminación tan intensa, pues las velas y lámparas de aceite no daban para tanto y esto mismo podemos decir de todos los artistas que se acogieron al tenebrismo o caravaggismo. Asombra también el detalle preciosista de lo pintado que sin duda se asemeja a la fotografía, cosa desconocida entonces pues estamos hablando de 1593 en adelante, pero tal vez lo que más sorprenda es saber que no existen dibujos realizados por Caravaggio, nadie los ha encontrado.

Siempre los pintores, antes de realizar un cuadro, hacían una serie de dibujos preparatorios de los elementos que iban a formar parte del cuadro e incluso un dibujo total de la obra. Así mismo, antes de comenzar a pintar, sobre el lienzo se realizaba el dibujo de toda la obra y con esa base compositiva se comenzaba a pintar. Quiero resaltar la enorme dificultad que supone comenzar a pintar sobre un lienzo en blanco, sin dibujo alguno y para más INRI con el resultado de escenas con varios personajes cuyo aspecto es absolutamente fotográfico.

En sus cuadros, sobre el lienzo, aparecen ciertas marcas incisivas realizadas, con la punta del mango del pincel, en la capa de pintura húmeda. Son líneas cortas que no siguen exactamente el dibujo, por tanto no podemos hablar de dibujo sino de marcas de referencia. Hay que interpretar que estas marcas son solo un punto de referencia para saber la posición de brazos, cabeza, etc. del modelo, con el fin de que después del descanso de los modelos, se volvieran a situar en posición correcta. Y ustedes se preguntarán ¿Qué significa todo esto?

La respuesta nos la da David Hockney en su libro EL CONOCIMIENTO SECRETO donde analiza no solo obras de Caravaggio sino de otros muchos artistas de gran fama donde demuestra que utilizaron sistemas ópticos para realizar sus obras, concretamente la llamada “cámara clara” que se componía fundamentalmente de una lente y un prisma, mediante la cual se proyecta la imagen, que tenemos delante, sobre el lienzo. El artista estaba metido en una habitación al estilo de la cámara oscura que usaba Canaletto, pero en vez de un agujero tenía una ventana. Al otro lado de la ventana estaban los modelos a pintar, fuertemente iluminados por un sistema de velas y espejos, como en su día construyó Thomas Alva Edison para que un médico operase a una persona en plena noche (antes de que inventara la bombilla incandescente). Entre la ventana y el lienzo se situaba la cámara clara que proyectaba la imagen invertida sobre el lienzo. Se necesitaba una fuerte iluminación para que la imagen proyectada fuese suficientemente luminosa para visionarla.

La cámara clara de Wollaston es una perfección de la que tuvo que utilizar Caravaggio. Lo más parecido que tenemos hoy a una cámara clara es el sistema óptico de un “retroproyector”.

Es necesario aclarar que para pintar en estas condiciones hay que ser especialmente hábil pues no resulta nada fácil, siendo por tanto obligado un especial entrenamiento para llegar a manejarse mediante esta técnica.

Para quienes quieran ampliar información pueden entrar en estos enlaces.

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/wollaston.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/David_Hockney
http://es.wikipedia.org/wiki/William_Hyde_Wollaston
http://chem.ch.huji.ac.il/history/wollaston.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio
http://aprendersociales.blogspot.com/2007/03/el-caravaggio-vida-y-obras-apasionantes.html
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/hockney/
http://ultimaspaginas.wordpress.com/2008/01/14/el-conocimiento-secreto-david-hockney/
http://www.unilibro.es/find_buy_es/libro/ediciones_destino_s_a_/el_conocimiento_secreto.asp?sku=248153&idaff=0
http://auladefilosofia.blogspot.com/2007/08/david-hockney-el-conocimiento-secreto.html
http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1mara_oscura

INTERPRETAR LA REALIDAD

Ningún pintor, ni tan siquiera los hiper-realistas, representan lo que ven como una fotografía y hay que considerar que ni tan siquiera la fotografía representa la realidad tal cual es, por la sencilla razón de que todos estamos limitados.

La fotografía está limitada en al menos tres aspectos:

Color: el espectro reproducible depende de la paleta de colores que es capaz de reproducir. Por los productos químicos, en el caso de la antigua fotografía color, y por los sistemas electrónicos y tintas en la moderna fotografía digital, dependiendo si la vemos a través de pantalla o impresa en papel.

Contraste/Brillo: en las reproducciones en papel, el blanco más intenso es el blanco del papel y en pantalla, el blanco más luminoso, nunca alcanza la intensidad de la luz sea solar o con lámparas.

Resolución: los sistemas ópticos, salvo los de alta calidad, poseen una resolución muy limitada e incluso con aberraciones en forma y color, y luego está la correspondiente a los sistemas de reproducción en papel, sin olvidar los más o menos píxeles en las modernas técnicas digitales. En fotografía la mejor resolución se obtiene con las diapositivas.

En el caso de las personas cada uno de nosotros tenemos nuestras limitaciones genéticas y las que se derivan del mayor o menor entrenamiento en el campo de la observación.

Pero además de nuestra capacidad de observación, hemos de añadir que nuestra visión es subjetiva pues sufre importantes influencias emocionales que modifican nuestra percepción de la realidad alterando la forma, el color y los contrastes de luz o tonos. Así unos verán los colores más saturados que otros e incluso más tendentes a un determinado color, también el brillo y contrastes serán distintos según que personas. En lo que respecta a la forma hay alteraciones en la visión que hacen ver las verticales algo inclinadas o bien algo desproporcionadas en las medidas y si pasamos de la percepción a la interpretación nos encontramos con todo el subjetivismo humano tanto consciente como inconsciente. En el subjetivismo inconsciente están nuestras emociones que nos llevarán a una interpretación muy personal de lo observado sin que nos demos cuenta de ello hasta que tengamos terminado o casi terminado el trabajo. El subjetivismo consciente nos lleva a desarrollar una manera de interpretar la forma, el color y los contrastes de una manera premeditada para crear unos efectos previstos y deseados para mostrar nuestra particular manera de hacer.

En la famosa pintura de Vincent van Gogh LA IGLESIA DE AUVERS podemos apreciar la importante diferencia entre la foto y su cuadro tanto en forma como en color. El resultado de esta obra ¿es producto del subjetivismo consciente o inconsciente?

LOS SABIOS DE LA IGNORANCIA

En mi canal de YOUTUBE, he recibido, a mi serie de vídeos CONTEMPLANDO UN CUADRO, el siguiente comentario:

De Crepúsculoabismal: No creo ke haya ke saber de pintura para disfrutar una obra. Nada hay más subjetivo ke el arte. Y nada más amplio. El arte es universal y cualkiera, sea cual fuere su formación, puede apreciar una obra de arte. Pero por favor alejémonos del snobismo y la intelectualidad mentirosa y elitista ke para lo único ke sirven es para sectorizar a los seres humanos, marcar diferencias y promover la estupidez. Todo es arte...el arte no existe.

Mi respuesta: Es evidente que cuando se contempla un cuadro, si el observador tiene un mínimo de sensibilidad disfrutará de su contemplación al igual que se disfruta al contemplar una flor, pero si este observador tiene conocimientos previos de algunas cosas concretas que ha de buscar, encontrar y analizar, el disfrute será mayor porque encontrará y comprenderá muchos más elementos que de la otra forma le habrían pasado desapercibidos. La valoración de lo encontrado si que es subjetiva pero lo que encuentra es objetivo y de no estar sobre aviso no lo habría percibido.

La capacidad de percepción es desarrollable como cualquier otra facultad y para ello es necesario entrenarse y para entrenarse hay que saber que hacer y que hay que percibir. Nunca la ignorancia y el no estudio produce sabiduría y conocimiento, aunque es sabido que no hay más ciego que aquel que no quiere ver. El hecho de que el arte sea universal no significa que el conocimiento del mismo sea universal pues éste hay que adquirirlo y por ello se da que el arte de un artista como Van Gogh, por ejemplo, no fuese comprendido y por tanto valorado hasta varias décadas después de su muerte.

En cuanto a su demagógica forma de interpretar el conocimiento del arte, tachándolo de snobismo e intelectualidad mentirosa, le diré que solo quienes mantienen que para comprender y disfrutar del arte no es necesario saber de arte, son los que propagan la estupidez. Precisamente lo que pretendo con este curso que de forma gratuita he puesto a disposición del mundo inteligente, es democratizar el conocimiento de las Bellas Artes para eliminar el elitismo.

De cualquier forma le sugiero, si es que está dispuesta a ser objetiva, que asimile este curso que brindo a todos, CONTEMPLANDO UN CUADRO, y cuando usted lo termine y lo comprenda aplique los conocimientos adquiridos a la contemplación de un cuadro, entonces estará usted en condiciones de opinar sobre los conocimientos adquiridos y si le ayuda a disfrutar más o no, de un cuadro.

Si usted pone un vídeo de alguna de sus obras aquí, pues dice ser artista plástica, yo le haré un análisis de las mismas gratuitamente y le demostraré la validez de mi curso. O tal vez usted prefiera que no lo haga para que nadie comprenda lo que usted hace.

MUCHA Y EL ART NOVO

LAS CUATRO ESTACIONES

Para los que vivan en Madrid, cerca de Madrid o se acerquen a Madrid, tienen la oportunidad de disfrutar del más importante artista del Art Novo y pionero en el tema del cartel, tema al que se dedicó principalmente. El pasado fin de semana estuve en CAIXA FORUM y estuve disfrutando de la obra de Alphonse Mucha.

Con una belleza inusitada, una filigrana preciosista y una síntesis plástica llena de virtuosismo, Mucha resolvía sus maravillosas obras llevando a la mujer a la categoría de diosa. Sus composiciones basadas principalmente en el círculo y el cuadrilátero rectángulo vertical, situaba a su modelo en una pose con suaves y sensuales curvas que atraen la mirada como un potente imán, arrastrándola y enganchándola al cuadro y no te deja despegarla de su contemplación.

Para más información se pueden ver las webs de la FUNDACIÓN MUCHA y la del MUSEO MUCHA en Praga.

Cuando hayan visto esta maravillosa obra, pueden contarnos aquí sus impresiones y enriquecernos.

Para conocer y ver muchas de las obras de Mucha pueden visitar ART.COM y hasta pueden comprar reproducciones.

VOLVIENDO CON MONET

LA ESTACIÓN DE SAINT LAZARE 1877 75,5x104 Museo de Orsay

Este es mi análisis de esta obra:

En 1876 Monet se interesó por el efecto del vapor y la luz en la estación de ferrocarril de Saint-Lazare. Por ello alquiló un estudio cercano a la estación y solicitó permiso al Director del Ferrocarril para retrasar la salida de los trenes y situar su caballete bajo la marquesina de la estación. Consiguió que los trenes fueran retenidos, los andenes cerrados o las locomotoras se cargaran para expulsar el mayor humo posible. El fruto de de este trabajo es una docena de lienzos en los que el efecto de la luz sobre el humo de las locomotoras es el gran protagonista. Bajo la estructura férrea de la estación, los trenes expulsan nubes de humo que adquieren una tonalidad violácea por la luz del sol. Las siluetas de los edificios del fondo se diluyen y crean un conjunto de gran modernidad. La pincelada empleada por Monet es muy rápida, de modo que la forma va perdiendo importancia ante el color y la luz que fueron los pilares del Impresionismo.

Predominan los azules y violáceos del fondo con el contrapunto de los amarillos y naranjas, pequeños toques de rojo en el lado derecho armonizan los verdes del vagón izquierdo y del cercano suelo. La oscuridad de la marquesina y del suelo, enmarcan la luminosidad del fondo.

Aquí la técnica se ha adaptado al motivo de forma que la pincelada es muy amplia y vaporosa para resolver el fondo y el humo y la pincelada es corta y firme en el resto.

La composición lineal y de formas está integrada por triángulos rectángulos en la parte superior derecha e izquierda, isósceles en el centro superior y formas trapezoidales en la parte inferior, los rectángulos del vagón de la izquierda y el centro del cuadro que es el círculo de máquina de vapor, como ya sabemos el triángulo isósceles produce sensación de grandiosidad y estabilidad, en cambio el triángulo rectángulo resulta algo inestable, lo que introduce sensación de dinamismo. El punto de fuga de la perspectiva parece situarse en la parte superior de la chimenea, pero hay errores en la perspectiva, especialmente en la parte izquierda de la estación y por ello hay varios puntos de fuga erróneos.

El efecto enrejillado de la parte superior de la marquesina se replica en el suelo, por efecto de la luz que la proyecta y se asemeja la que hay en el lateral izquierdo. De igual forma, por simetría, la zona izquierda se asemeja a la derecha, en las zonas oscuras principalmente. También hay una serie de líneas que nos llevan hacia el punto de fuga que produce un efecto radial.

ALGUNOS DE MIS DIBUJOS

Tengo cierta obsesión por el desnudo, especialmente el femenino y la verdad es que no se porque. Tal vez porque me fascina el ser humano por su infinita variedad en las formas, tanto externas como internas y el artista intenta poner de relieve lo interno mediante el aspecto externo o será por su sensualidad, por la textura de la piel...ustedes son los jueces. Si pinchan aquí podrán verlos

CONTEMPLANDO UN CUADRO suma y sigue

Sigo elaborando nuevos vídeos para ir desarrollando este curso hasta que lo complete, pues considero que esta es una forma muy cómoda de aprendizaje: viendo imágenes y escuchando las explicaciones. Nada nuevo en realidad, pues los audiovisules son tan antiguos como las "filminas" o más aún, como los trovadores contaban historias cantando y señalando sobre un cartel con dibujos a forma de "viñeta", auténticos pioneros que se anticiparon a los "tebeos" o "cómics". Para ver estos y otros que he publicado, podéis entrar en mi canal pinchando sobre el título de este "post"

MIS EXPERIMENTOS FOTOGRÁFICOS

Como ya tengo dicho aquí, mi hijo Toni junto con su esposa Rosa y dos componentes más -Cristian y José Luis- forman una banda de rock llamada OFF TOPIC y como hicieron un concierto recientemente para presentar su primer disco SIN MIEDO-, allí que fui yo para presumir de padre y suegro, además de dedicarme a realizar fotos experimentales, jugando con el tiempo de obturación para captar el movimiento y moviendo la cámara para conseguir efectos de luz rayanos en la abstracción fotográfica. Si queréis oír su música o saber de ellos podéis entrar en http://www.myspace.com/offtopicspain

CADÁVERES PLASTINADOS EN MADRID

Por fin podremos ver en Madrid esos cuerpos plastinados y desmembrados para el mejor estudio y observación de los entresijos del cuerpo humano, pero estos no son como los de Gunter von Hagens, estos tienen menos arte y están realizados por la competencia americana: "Bodies. The exhibition" que dirige Roy Glover

Para que veáis la diferencia entre Gunter y Roy no tenéis mas que pinchar aquí

De cualquier forma, no cabe duda de que es muy interesante para pintores, dibujantes y escultores de la figura. Yo no me lo pierdo.

MONET Y SU OBRA

Este análisis, correspondiente a esta obra de Monet, es solo uno de los 26 realizados por mi con motivo de un curso que hicimos como ejercicio en la UNED en el curso de "Experto en e-learning"donde aplico mis conocimientos como pintor. Este análisis puede hacerse más exhaustivo y con gráficos que clarifiquen lo expuesto, como pueden ver gratuitamente en el curso que diseñé para Academia de Arte y Cartelera llamado LOS IMPRESIONISTAS donde se aplican las técnicas de otro de mis cursos llamado CONTEMPLANDO UN CUADRO. Este último lo recomiendo a todos los amantes del Arte y que no posean conocimientos técnicos específicos, pues les ayudará a disfrutar con más intensidad.

EL ESTANQUE DE LOS NENÚFARES EN ROSA 89,5x100 1900 Museo de Orsay
Esta obra es semejante a otras realizadas sobre el mismo tema y lo más destacable es la armonía de colores jugando con los complementarios, para conseguir una vibración del color y aunque la materia pictórica es densa la pincelada es fina y desordenada.

Aquí los colores dominantes son los amarillos y naranjas con los violeta rojizos, porque rosa propiamente dicho no son. También destacan los blancos especialmente en el puente, así como los azules.

La pincelada parece caprichosa y es suelta y empastada, mezclando y superponiendo todos los colores antedichos por todo el cuadro.

Aunque el motivo es exactamente el mismo de otra anterior, esta está tomada un poco desplazada a la izquierda y algo más cerca. Así nos aparece a la izquierda una zona amarilla dorada y abajo en la esquina una zona verde que estructuran dos semicírculos los cuales están relacionados, por la forma, con las copas de los árboles de la esquina opuesta. Como ya sabemos estas curvas producen un movimiento rítmico suave y elegante y tienen carácter femenino, que se repite, aunque de forma más abierta en las curvas del puente, pero el mismo puente equilibra estas curvas con sus líneas verticales que dan fuerza y permanencia a la composición. Las franjas horizontales de los nenúfares dan paz y quietud.

La pincelada misma produce aquí fuertes ritmos: en la zona izquierda superior los trazos son verticales, en cambio, tirando hacia abajo, los trazos son curvos pero todos con la misma tendencia, pero más abajo vemos en verdes trazos “desordenados” en todas las direcciones. Los nenúfares en el agua con su miríada de toques blancos, azules, verdes, violetas… las curvas del puente y barandillas que atraviesan el cuadro…Todo son ecos que producen maravillosas resonancias.

LA FALSIFICACIÓN EN EL ARTE

Terminaba el pasado año cuando fue noticia la condena de un pintor falsificador llamado Shaun Greenhalgh que con la ayuda de sus octogenarios padres colocó en el mercado decenas de obras de arte, durante 17 años, réplicas o copias de otras auténticas.

Hace unas décadas era normal que determinados pintores, llamados copistas, realizasen copias de cuadros famosos, al mismo tamaño que el original. Personalmente los he visto muchas veces en el Museo del Prado de Madrid con su caballete instalado frente al cuadro que copiaban con autorización del propio museo. Recuerdo que en Madrid había un copista que había sido taxista, con tan buen ojo que pintaba copias que vendía a clientes extranjeros y, más de una vez, tuvo problemas en la aduana por no distinguirse con facilidad del original. La picaresca obligó a que se prohibiera realizar las copias al mismo tamaño. Por tanto, el delito está en vender una copia haciendo creer que es la obra original y por tanto cobrando una cantidad muy por encima del valor de copia.

Quienes no estén informados tal vez crean que la falsificación de obras de arte sea algo propio de nuestro pasado siglo XX, pero la historia nos demuestra que el talento artístico y técnico utilizado para el fraude es tan antiguo como el arte mismo.

Actualmente más de 40 pintores copistas de Italia, Francia y España trabajan para Giuseppe Salzano de la Galería Pitti Art realizando copias de muy diversos pintores y épocas, utilizando los mismos materiales y técnicas de la obra original. Algunas de estas piezas que se expusieron en Alicante en 2001, tenían un precio que oscilaba entre las 100.000 y 600.000 pesetas.

Elmyr de Hory 1905-1976 puso en circulación más de mil réplicas de Picasso, Modigliani, Matisse, Chagall y muchos otros.

Otro famoso falsificador fue el restaurador Han van Meegeren (1889- 1947) que colocó obras de Vermeer a Hermann Goering.

A lo largo de 10 años, John Drewe encargó falsificaciones de cuadros abstractos de artistas como Marc Chagall, Alberto Giacometti, Jean Dubuffet, Nicolas de Stael, Roger de Bissière, Graham Sutherland y Ben Nicholson. Se infiltró en los archivos de los principales museos para introducir documentos falsos que autentificaran las obras y logró que éstas salieran a subasta y entre otros cogió al pintor John Myatt que al final se arrepintió.

Hoy en día, las tecnologías pueden imitar casi a la perfección técnicas, materiales y colores de distintas épocas, pero también autentificar originales frente a copias. Infrarrojos, radiografías, macrofotografías o ultravioleta, son algunos de los sofisticados sistemas empleados. A diario, nos llegan noticias de los fraudes que se cometen en el mundo del arte.
Durante los últimos años de su vida, Dalí firmó más de 350.000 hojas en blanco que los “artísticos falsificadores” aprovecharon para copiar en ellas dibujos y venderlas como originales. Dalí fue víctima y quién sabe si, también, consentidor, de su secretario personal, John Peter Moore (conocido como El Capitán), condenado recientemente a 11 años y medio de cárcel por el mismo delito de estafa.

Lo cierto es que aún a pesar de los expertos en arte, y de la tecnología que se utiliza actualmente para detectar los fraudes sigue habiendo artistas en la falsificación de obras de arte.


Con mis mejores deseos para todos en el año que comienza.