EXPOSICIÓN EN CASA DON PABLO

Como pueden ver estoy imparable. Durante este mes de diciembre también expondré aquí. Confío en que mis marinas subyuguen al personal y me las compren todas.

EXPOSICIÓN EN LIBRERÍA ROSSINA

LA COMPOSICIÓN: LAS LÍNEAS

Vemos que en la construcción del esqueleto del cuadro, las líneas definen por si solas importantes sensaciones que son determinantes para transmitir al espectador nuestro mensaje.

Pueden ser verticales, horizontales e inclinadas cuyas sensaciones son muy diferentes unas de otras como podemos ver en la figura

Las rectas radiales son como un resplandor, una explosión…y las quebradas son muy estáticas

Esta INMACULADA de Murillo se ilustra perfectamente la composición de rectas radiales

Nuestro insigne Goya nos demuestra como usar una composición de líneas quebradas.

Las curvas, dependiendo de la posición en el espacio pictórico, pueden recordarnos a un escudo, una colina, olas marinas, cuencos...y aunque no se representen estas cosas la sensación subliminal si las relaciona

De nuevo Goya con LA CARGA DE LOS MAMELUCOS nos ilustra con una magnífica aplicación de las curvas.

MI EXPOSICIÓN EN AMSTERDAM

 

Debéis visitar esta exposición para disfrutar de mis marinas. Esto está muy cerca de la Plaza de Cuatro Caños.

LA COMPOSICIÓN: EL ESPACIO

Hemos visto en obras de grandes artistas, cómo la distribución de los elementos en el cuadro, no solo permiten una sensación agradable por la armonía de las formas y colores, sino que esa especial distribución trasciende para dar significados que se perciben a nivel inconsciente.Exponemos aquí las leyes de la composición sintetizadas en una serie de láminas didácticas, absolutamente gráficas e intuitivas, que les permitirán comprender y asimilar fácilmente las técnicas utilizadas por los grandes maestros del grabado y la pintura para transmitir sus mensajes.
De igual manera que el color azul lo asimilamos como frío por ser los mares y los hielos, azules y fríos, entendemos el amarillo y el rojo como calientes, pues el Sol y el hierro candente, como el fuego tienen estos colores. Pues bien, así mismo sucede con las líneas, las figuras geométricas, las masas y los tonos. Todo tiene su significado y el artista debe conocerlo y aplicarlo para transmitir las ideas y sensaciones que quiere hacer llegar al espectador.
Evidentemente si el espectador conoce a nivel consciente las claves, le será más fácil descubrir y percibir lo que el artista le quiere transmitir; en caso contrario sucederá lo mismo que dice el refrán “El que no sabe es como el que no ve” solo que en este caso habría que decir “El que no sabe no ve”
Vemos que no solo es importante cómo distribuimos los elementos dentro de la superficie del cuadro, sino que la forma y proporciones de esa superficie también tienen su importancia y determinan unas sensaciones que deben estar acordes con el tema de la obra. Así vemos que, internamente, las líneas transmiten sensaciones diferentes si son verticales, horizontales o inclinadas.
Y de igual manera, la superficie, si es alargada en sentido vertical u horizontal o cuadrada, transmite sensaciones diferentes. Aunque la mirada del espectador siga un recorrido inconsciente general, es el artista el que, con su composición, obligará al espectador a seguir el recorrido que él quiera, jugando con los ritmos creados por las líneas, masas y tonos.

El espacio pictórico creado por la superficie del cuadro, podemos dividirlo de muchas formas, pero especialmente hay tres, debido a sus proporciones: ½, 5/3 y cualquier otra. Solo la proporción 5/3 da unidad y variedad.

 
La Sección Áurea o proporción de Oro nos permite definir una superficie armónica en sus relaciones de longitud y altura, así como, interiormente, hallar los puntos y zonas armónicas, tomando como razón el valor 1,618. Nos bastará con multiplicar una distancia o longitud por el valor 1,618 para hallar la medida superior que cumpla la “Sección Áurea” o dividirlo para hallar la inferior.

Aplicando el valor 1,618 o bien usando la Serie de Fibonacci, podremos siempre determinar los puntos armónicos, es decir, dónde nos convendrá situar el/los elementos que queramos destacar de nuestra obra. Aunque siempre habremos de definir un orden de importancia para que solo un elemento destaque de todos los demás.

Hemos visto cómo influyen las proporciones del espacio pictórico y la posición del elemento de destaque sobre el mensaje que la obra transmite. En el siguiente artículo podremos ver el significado de los tipos de líneas usadas en la construcción de la obra de arte.

EL DIBUJO EN EL ARTE: EL COLOR

Si un rayo de luz solar, luz blanca, atraviesa un prisma de cristal, dicha luz se descompone en los seis colores del espectro visible: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul y violeta.

• Colores primarios: rojo, azul oscuro y verde. Son primarios porque no se pueden obtener por mezclas.

• Colores secundarios: amarillo, azul celeste y púrpura. Son secundarios porque se obtienen de la mezcla de dos primarios

Son complementarios aquellos que al mezclarse nos dan la luz blanca. En el círculo de colores están diametralmente opuestos. Son:

• Azul oscuro /Amarillo

• Rojo/Azul celeste

• Verde/Púrpura

Un cuerpo de color local blanco, cuando incide un rayo de luz blanca (rojo, verde, azul), refleja totalmente el espectro y por ello lo vemos de color blanco. Si el cuerpo es de color local negro, es porque absorbe toda la luz sin reflejar nada. Si vemos un cuerpo de color amarillo es porque absorbe el color azul y refleja el rojo y el verde. Si vemos un cuerpo de color rojo, es debido a que absorbe azul y verde y refleja solo el rojo. De igual modo, si vemos un cuerpo de color púrpura es debido a que absorbe el color verde y refleja el color rojo y el azul.

    

 Los colores pigmento son los colores que utilizamos para pintar, se obtienen con polvos colorantes mezclados con aceites y barnices.

• Primarios: rojo, amarillo y azul. No se obtienen por mezcla

• Secundarios: naranja, verde y violeta. Mezcla de dos primarios

• Terciarios: rojo, amarillo y azul. Mezcla de los tres primarios, predominando uno de ellos. Mezcla de dos secundarios.

Los colores complementarios son aquellos que están diametralmente opuestos en el círculo: rojo/verde, amarillo/violeta, azul/naranja y todos los valores intermedios opuestos.

Cuando decimos que una flor es roja estamos hablando de su color local, pues en realidad cada pétalo tendrá diversos colores y no solo rojo, pues hay diversos matices, penumbras, sombras y reflejos. De hecho, hay diversos factores que influyen en el color de los cuerpos.
El color local es el color propio del cuerpo y que solo es perceptible en aquellas zonas donde no se vea modificado por otros factores.
El color tonal es una variación del color local al ser influido por la zona tonal (luz, sombra, medio tono, reflejo, sombra proyectada). Según la zona tonal que observemos, podremos percibir los colores y matices diversos existentes que son distintos del color local. Estos a su vez dependen del color local, de la forma del cuerpo, de la textura, de los colores de los cuerpos que le rodean, color ambiental (color de paredes, suelos, muebles, cortinas, etc.), del color de la luz, etc.
El color reflejado es especialmente perceptible en la zona reflejada que está dentro de la zona de sombra. Aunque aquí actúa todo lo que envuelve, especialmente es visible el color de los cuerpos más cercanos a dicha zona de sombra y así aparece la zona reflejada.

 La gama de colores cálidos corresponde a la mitad del círculo donde intervienen el rojo y el amarillo fundamentalmente. No obstante, esto no significa que, en la ejecución del cuadro, no deban intervenir los azules, incluso aquellos que no tienen la más mínima tendencia cálida, pues lo importante es que la tendencia general de la obra sea hacia un cromatismo cálido aunque pueda intervenir cualquier color en las mezclas.

La gama de colores fríos corresponde a la otra mitad del circulo, donde el color principal es el azul, aunque en algunos colores intervengan algo el amarillo y el rojo. De igual forma que en el caso de los colores cálidos, aunque a la inversa, en la ejecución del cuadro, incluiremos rojos y amarillos, pero de manera que la tendencia general de la obra sea hacia el color azul.

 

La gama de colores grises o quebrados, también llamados sucios, se obtienen mezclando los tres colores primarios, o un primario con el secundario complementario, o dos complementarios entre sí. Es decir, obtenemos una mezcla terciaria haciendo predominar el color que nos interese, dependiendo de la cantidad proporcional al mezclar: poniendo más cantidad del color que queremos que sobresalga. Por ello podrán hacerse a la vez armonías frías, cálidas y con tendencia a cualquier color.

A lo largo de estos artículos hemos ido conociendo lo fundamental del dibujo y del color pero nos queda la parte más sutil y desconocida: la composición. Este es uno de los secretos que utilizaron de manera sublime los grandes maestros desde el Gótico hasta nuestros días para hacer llegar el mensaje, de manera subliminal, al espectador. Esto lo iremos mostrando en los próximos artículos.

EL DIBUJO EN EL ARTE: EL TONO

Las formas se definen gracias a la luz. El modelado o volumen de los objetos se produce por la combinación de la luz con la sombra. El dibujo no es la forma sino la manera de ver las formas (Degas).

Se llega a la representación de un objeto mediante el dibujo, con una gran capacidad de observación de la realidad y potencia analítica, para ver el cómo y el porqué de lo que se observa, y así encontrar el método más simple para su representación en el papel.

Cuando nosotros observamos un objeto, en este caso un jarrón, observamos que hay unas zonas más luminosas que otras y para dibujarlas es necesario identificarlas con exactitud.

Así, podemos ver en la foto las diferentes zonas tonales en que la luz divide a un cuerpo: medio tono, sombra propia, reflejo y luz. Fuera de él está la sombra proyectada. Después de resolver el contorno de este jarrón, el artista delimita las diferentes zonas tonales para comenzar a rayar las más oscuras.

 

Para poder simplificar los muchos tonos que podremos apreciar al observar un objeto, definimos una escala de ocho mediante la cual podremos representar la intensidad de la luz considerando los valores y la diferencia entre las zonas “medio tono” y “sombra propia”.

Aplicando pues nuestra escala simplificada podríamos terminar el dibujo del jarrón de esta manera.

Dependiendo del contraste entre la zona de sombra propia y la de medio tono obtenemos efectos diferentes.

Conociendo ya los parámetros del dibujo –líneas, contornos, perspectiva y tonos- es el momento de que conozcamos los secretos del color que veremos en el próximo artículo.

EL DIBUJO EN EL ARTE: LA PERSPECTIVA

La perspectiva es una técnica de dibujo mediante la cual conseguimos provocar el efecto de lejanía y profundidad y por tanto de volumen. A través de las imágenes iremos viendo ejemplos y ofreciendo explicaciones para poder comprender mejor esta técnica. Al ver las vías del tren vemos claramente como los raíles y los hilos de las catenarias se juntan en un punto del horizonte.

En la perspectiva geométrica se definen una serie de líneas y puntos que dan como resultado una especie de pirámide, que si fueran muchas líneas parecería un cono, por lo cual se le llama perspectiva cónica.

En la observación de esta técnica hemos de distinguir: la línea de tierra, que es la línea o plano sobre el que nos apoyamos, la línea de horizonte que está a la altura de nuestros ojos, el punto de vista que está en la línea de horizonte y justo en línea con nuestros ojos y el punto o puntos de fuga que son justamente donde se unen todas las líneas de “la cónica”.

                           

 Para cualquier cosa que queramos dibujar con la perspectiva correcta, partiremos siempre de una caja o paralelepípedo en cuyo interior construimos el objeto o volumen concreto. Así un cuadrado se transforma en un trapecio o un rombo y un círculo en un óvalo.

Dependiendo de la posición de los objetos o elementos a dibujar necesitaremos un punto de fuga o más de uno. Para dibujar este edificio necesitamos, claramente, dos puntos de fuga.

En cambio para este otro caso nos basta con un solo punto de fuga, en la visión de la catedral de San Marcos y el Palacio Ducal de Venecia, y podemos apreciar que hasta las sillas están situadas dentro de la cónica.

 

En esta plaza de Astorga el punto de fuga está en el centro aproximadamente.

 Si miramos desde abajo hacia arriba, el punto de fuga estará en el cielo en una posición bastante más alta que donde acaba el edificio.

En la perspectiva aérea el primer plano es más nítido y contrastado, estando los colores más saturados. Los planos siguientes pierden saturación del color y definición de las formas. Los planos más lejanos pierden totalmente el contraste y el color se vuelve gris. En la foto tenemos el perro en primer plano, después la arboleda y la casa, detrás unos pequeños montes y al fondo una montaña. Detrás casi no se distingue del cielo, el quinto plano de la sierra.