EL QUIJOTE Y AZUQUECA DE HENARES

De nuevo El Quijote cabalgando, esta vez por Azuqueca, cerca de Alcalá de Henares.

Allí tendrán ocasión de ver la interpretación de 52 artistas sobre las andanzas del 

Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha

LAS VELADURAS

Mientras hago mi artículo sobre las veladuras pongo este vídeo  de Renso Castaneda para que se vayan familiarizando aquellos que desconocen el tema

FERNANDO RAMOS Y NICOLE KIDMAN

FERNANDO RAMOS es un pintor surrealista con grandes influencias de Dalí y Picasso, maestros a los que él admira y lo demuestra en muchas de sus obras. Fernando nace en Madrid (1952) en el seno de una familia de artistas, su padre Salustiano Ramos Pardo es un gran Acuarelista de mediados del siglo XX (Medalla Felipe Trigo) Ayuntamiento de Madrid.

Fernando, después de finalizar sus estudios descubre el mundo publicitario, en el cual desarrolla su vida profesional, primero como Ilustrador y Director de Arte y finalmente como Técnico Creativo diplomado, trabajando en una veintena de agencias de publicidad tan prestigiosas como DARDO, YOUN & RUBICÁN, B.C.K. Madrid y un largo etc. hasta qué en los años 90, junto con una serie de profesionales del sector, funda su propia Agencia.

En su trayectoria Fernando siempre combinó con su carrera el mundo pictórico, en el cual realizó y realiza exposiciones de sus obras, aunque él considera que no le merece la pena reseñarlas. A través de ellas sigue consiguiendo premios, críticas y reseñas en prensa, revistas y televisión.

En esta ocasión vamos a analizar una de sus obras más importantes tanto por el motivo como por sus significados y es el RETRATO DE NICOLE KIDMAN. El mismo dice "Está pintado en el tiempo en que esta magnífica intérprete trabajó con Amenábar y realizó tan extraordinariamente su papel que yo consideré que entraba en un proceso metafísico"

Observando la obra de manera global captamos una gran armonía de líneas y de color. En el aspecto cromático encontramos una estupenda y delicada armonía de azules y amarillos donde las carnaciones toman ciertos matices rosáceos. Al ser complementarios y a pesar de ser colores suaves casi apastelados, la figura brilla como una diosa que posee una mirada desafiante. El rojo de los labios contrasta con algunos verdes que están en el paisaje del fondo. Queda patente que tiene un dibujo impecable.

La composición como podemos ver en el esquema está llena de triángulos equiláteros, isósceles y rectángulos, sublimando al personaje, transmitiendo sensaciones de  grandiosidad, seguridad y equilibrio. Las  suaves y abiertas curvas compensan y equilibran el sinfín de rectas que construyen los triángulos. La estatuilla del Oscar acaba de descender dejando su rastro mientras el contenido de la copa asciende envolviendo el cabello de la actriz, la propia copa, al ser un triángulos isósceles invertido ya señala ascensión. Al fondo vemos un Sol blanco, puro, sublime. Un largo pendiente cuelga estático en perfecto equilibrio.

Este precioso retrato posee una especial inducción a sentir que se vaporiza y asciende que es tanto como decir que se produce una sublimación entendida desde el punto de vista químico y psíquico.

HOMENAJE A ANA MARÍA MATUTE

La Asociación de Artistas Plásticos LA CIGÜEÑA presenta 25 obras, 25 artistas, cada obra se corresponde con un libro de los que escribió esta autora, cada pintor o escultor interpreta un libro en una sola imagen. Tengo el honor de ser el presidente de esta maravillosa asociación que a lo largo del año 2015 realizará unas 10 exposiciones que darán que hablar por sus propuestas y por su calidad artística.

EL CONOCIMIENTO SECRETO

EL QUIJOTE EN ESQUIVIAS

Llegamos los cigüeñeros
Con las obras del Quijote,
Y aunque sea de rebote
Nos quitamos los sombreros.

Aquí se casó Cervantes
Con bella dama de Esquivias,
Y supongo que hubo envidias
De otros hombres aspirantes.

Pero debido a este asunto,
Habremos de suponer
Que El manco de Lepanto
Quiso a aquí pertenecer.

Así en su obra sublime
Incluyó mil aventuras
Que pasaron en Esquivias,
Y que su pluma dirime
Con algunas armaduras
No exentas de lascivias.

Este fue pues el lugar
Del origen del Quijote,
Que él omitió nombrar
Por temor a un buen garrote.

Aquí llegamos nosotros 
Para seguir sus andanzas,
Y esperamos las bonanzas
De los unos y los otros.

Gracias al lugar de Esquivias
Por alojarnos aquí,
Que el calor que yo sentí
Estuvo exento de envidias.

Antonio Sánchez-Gil 5 Diciembre 2014

INAUGURACIÓN EN ESQUIVIAS

Con la presencia de la Señora Alcaldesa, el Viceconsejero de Castilla-La Mancha, el Presidente de la Asociación Cervantina de Esquivias y su señora, la Secretaria de nuestra Asociación LA CIGÜEÑA y yo como Presidente de la antedicha asociación.

EL QUIJOTE EN ESQUIVIAS

Hemos expuesto 52 obras, entre pinturas y esculturas, correspondientes a los 52 capítulos de

EL INGENIOSO HIDALGO DON QUIJOTE DE LA MANCHA, en estos lugares y fechas

- Alcalá de Henares (Madrid)        Octubre 2013

- Montiel (Ciudad Real)                 Noviembre/ Diciembre 2014

- Puertollano (Ciudad Real)          Enero 2014

- El Toboso (Ciudad Real)            ABRIL 2014

- Argamasilla de Alba (Ciudad Real)  1/15 MAYO 2014

- Biblioteca ANA MARIA MATUTE Madrid 1 sep/24 octubre 2014

después de ESQUIVIAS (lugar del que Cervantes no quería acordarse por ser personajes de allí en su época en los que se inspiró) llevaremos nuestras obras a AZUQUECA DE HENARES.

EL ALMUERZO DE LOS REMEROS

Desde 1867, se reunían cada viernes en el Café Guerbois, de la Avenida de Clichy, en París, unos jóvenes contertulios, que fueron el periodista y novelista Zola, Cézanne y Monet, después se sumaron a estos, Renoir, Sisley y Bazille. Y más tarde se unieron Degas y Pissarro, el crítico Durant y el amateur Duret. Todos ellos sentían una especial devoción por el realismo de Courbet y después una atracción, que constituyó su estímulo, por la pintura de Manet. Estos artistas darían origen a la tendencia llamada impresionista.

    

Durante el verano de 1869, Renoir y Monet, pintando uno al lado del otro en Bougival, se sintieron atraídos por La Grenouillère, una islita circular que existía en el Sena, en aquel suburbio de París, junto a su embarcadero fluvial. La Grenouillère era un lugar bullicioso al que concurrían canotiers y bañistas. En ella existía un único árbol, alrededor del cual se reunían los jóvenes que les gustaba montar en barca con sus parejas. El revoloteo luminoso de las aguas del río en torno a la islita y el movimiento de las deslumbrantes manchas del sol que, se filtraban a través del follaje, caían sobre las vaporosas indumentarias de las señoritas, atrajeron sobremanera a nuestros artistas que buscaron la manera de plasmar estas sensaciones. Esto fue lo que provocó el descubrimiento de aquella técnica que ambos pintores aplicaron, desde entonces, a la cual se le llamó “impresionista” gracias a un artículo del crítico Leroy de la revista Charivari, que aplicó el término debido al título de una obra de Monet “Impression, soleil levant” exhibida en la primera exposición colectiva del grupo.

 La impresionista es una técnica pictórica que consiste en el empleo de pinceladas yuxtapuestas de tonos puros, que forman como una textura de toques de color, relegando el negro al mínimo, o incluso suprimiéndolo. De hecho Renoir decía que la técnica nació por faltarles el negro y sustituirlo por el color azul. Los primeros maestros francamente impresionistas fueron Manet, Degas, Monet, Renoir, Pissarro, etc. Evolucionó con Sisley y Seurat (puntillistas) y Van Gogh y por último Cézannne, con un afán de reproducir el volumen y la estructura, inicia la reacción contra la misma escuela en la que se había formado.

  

PIERRE-AUGUSTE RENOIR (1841-1919), nació en Limoges. Era el cuarto hijo de cinco, cuyo padre trabajaba para un sastre. A los 13 años tuvo que buscar empleo para contribuir al sustento de la familia. Entró a trabajar en un taller de pintura de porcelanas. Asistió a las clases de la École des Beaux-Arts (1862/1864) y allí conoció a sus amigos. La obra de Renoir es amplia y variada pudiendo apreciarse, como en la mayoría de los grandes pintores, una evolución hacia formas cada vez más “ásperas”, es decir, una técnica donde el pincel utilizado cada vez es de mayor tamaño y por tanto se va perdiendo el detalle, pero que alejado lo suficiente del cuadro, cobra su volumen y su luz.

 EL ALMUERZO DE LOS REMEROS es una obra presentada en 1881, tiene unas dimensiones de  129,5 x 172,5 cm y está resuelta con pintura al óleo sobre lienzo. Está ubicada en el museo The Phillips Collection de  Washington

Esta obra está resuelta en un momento de plena madurez pictórica y es de gran envergadura por la gran cantidad de personajes que aparecen en el cuadro y muchos de ellos son auténticos retratos, así como por el juego con la luz.

Esta escena está ambientada en la terraza del restaurante La Fournaise, de Chatou, a orillas del Sena. Los modelos son amigos de Renoir , la actriz Ellen Andrée sentada a la mesa y mirando a Gustave Caillebotte, a espaldas de Ellen el periodista Maggiolo, Aline Charigot mirando el perrito, sería luego la esposa del pintor, acodada en la barandilla está Alphonsine Fournaise y su padre Alphonse, que era el propietario del restaurante, está detrás de Alin.

Esta es una de las pocas obras de Renoir que he podido ver en directo y puedo asegurar que fue muy emocionante para mí, yo vibraba con los colores y la luz. No hay punto de comparación ver las fotos y reproducciones a ver la obra directamente; esto con cualquier obra, pero con ésta en especial.

Y que decir de las botellas y vasos, el paño que hay en el centro del cuadro al borde de la mesa, dan ganas de cogerlos a pesar de que están resueltos a base pegotes de pintura, trazos y pinceladas que vistas de cerca solo se ven manchas de grueso espesor, con relieve. El artista ha creado grupos de conversadores a los postres de una comida. La charla distendida en cada uno de los grupos es un canto a la alegría de vivir.

Gracias a los contrastes y armonías con colores complementarios, se consigue una gran luminosidad. Así vemos vestidos azules cuyas luces son violetas y amarillos cuyas sombras son violetas también. Esto es debido a que el color violeta es complementario del amarillo, por tanto las camisas amarillas con sombras violetas resultan muy luminosas. Los vestidos azules ganan luminosidad gracias a que sus luces son violetas y cerca hay un sombrero o una camisa amarilla.

El fondo es mayoritariamente  verde y por eso tiene muy cerca un toldo rojo (complemento del verde), con muchos matices a otros colores cálidos, produciendo una luminosidad fantástica.

Las cálidas carnaciones, al fin y al cabo de colores anaranjados contrastan por complementarios con las camisas blancas cuyas sombras son azuladas. Podemos apreciar también las influencias de los colores entre elementos cercanos perfectamente pintadas por Renoir: El sombrero de paja del personaje de la izquierda de pie, puede observarse su copa es roja influenciada por el toldo. O como el caballero en primer plano de la derecha, sentado al revés en la silla, el borde de su camiseta es amarillo influenciado por la manga de la chaqueta del joven que está de pie conversando con el y la señorita, cuyo borde del rostro también es amarillo. Esto último no es apreciable en esta foto, pero es así. Así mismo, el mantel en la esquina derecha de la mesa tiene todos los colores de lo que tiene cerca: el pantalón, la silla y la mano del personaje sentado.

La composición resuelta por grupos de triángulos reafirma la tranquilidad y serenidad que Renoir sabía transmitir en sus obras y si nos fijamos bien, podemos observar como casi todos los personajes están unidos por un óvalo que viene a significar la sensualidad y tranquilidad distendida del grupo y que por tanto transmite la obra de forma subliminal.

Linealmente hablando, se combinan las rectas del dibujo del toldo y las varillas de soporte, así como de la barandilla, con las curvas de las figuras, tonel sombreros, etc. consiguiendo un gran equilibrio.

En resumen, esta es una obra que está muy equilibrada tanto desde el punto de vista cromático como compositivo, con una gran luminosidad del color. Es como una sinfonía genial.

EXPOSICIÓN EN CONTINENTAL

Aquí expongo obras de hace unos 20 años

Todas ellas tienen unas medidas de 73x54 óleo sobre lienzo

Las mostradas aquí pertenecen a esta exposición

por algo más de 700 € una de estas obras puede ser tuya

MI EXPOSICIÓN EN ALCALÁ DE HENARES

Aquí podéis ver una muestra de la exposición y la gente que me acompañó: una parte de mi familia y un grupo de pintores como Karfer, Antonio León, Antonio Fernández, Antonia Dávalos (pintora y escultora) y Santiago Gómez (fotógrafo), con nuestras respectivas entre las cuales había tres Cármenes.

SURTIDORES

81X54 óleo sobre lienzo

Esta obra es la quinta de una serie dedicada al estudio de la fragmentación de las masas de agua cuando chocan contra las rocas que adoptan muy diversas formas, pero lo curioso es que se hacen visibles millones de gotas y puedes ver que incluso las masa resultantes del impacto están formadas por gotas, solo visibles en fotografias resueltas a alta velocidad de obturación.

ESTANQUE DE NENÚFARES ATARDECER (Monet)

Este enorme cuadro es un díptico que mide 200X300 que fue pintado entre 1920 y 1926  y se conserva en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Zúrich (Kunsthaus Zürich)

Debemos recordar que Monet, en 1917, comienza la serie de los sauces llorones y el jardín acuático. A pesar de todas las dificultades que tiene con su vista, por las cataratas que provocan el retraso de su trabajo, así como el cambio continuo de colores y pinceladas en las obras, él trabaja como puede. En 1918 y para festejar el final de la Gran Guerra, el 12 de noviembre inicia las conversaciones con el Estado francés para donar dos de sus cuadros. Desde 1923 y hasta su muerte en 1926, cuando su salud y su vista mejoran continúa trabajando en su proyecto de las Decoraciones.

A pesar de una apariencia puramente técnica  encontramos una emoción profunda en cada una de esas pinceladas. Está allí, precisamente, la mirada del artista. Esa libertad de interpretación en sus temas, como el de las catedrales o las propias ninfeas, le permiten crear series de múltiples interpretaciones, donde se hacen infinitas variaciones en la forma y especialmente en el color.

Dos grandes manchas muy luminosas presiden el centro del cuadro, una de color rojo y la otra de color amarillo. A derecha e izquierda mucho verde con rojos y violetas-malva. La combinación clásica de complementarios rojo-verde y amarillo-violeta. Aquí quedan casi desterrados los azules y los naranjas que están por puro testimonio.

La pincelada cada vez es más suelta y se recurre al pincel seco para romper el color.

La composición es casi simétrica aunque el eje está ligeramente desplazado a la izquierda. Tenemos un triángulo isósceles amarillo, casi equilátero y encima el acento rojo en forma casi oval. A derecha e izquierda óvalos verdes con ciertos contenidos de rojos en el centro con ligeros trazos de azul. Por tanto volvemos a combinar la firme tranquilidad y delicada feminidad con la exaltación. La feminidad de la Naturaleza con su grandiosidad.

Los ritmos de las formas corresponden a la simetría de la obra, y desde el punto de vista cromático es una auténtica sinfonía de color, con notas que se repiten por toda la obra, los siete tonos naturales y sus semitonos, amén de notas de todos los valores (redondas, blancas, negras, etc.) y todos los tempos y compases.