sábado, 12 de septiembre de 2009
lunes, 17 de agosto de 2009
ÁLAMOS EN OTOÑO
ÁLAMOS EN OTOÑO 1891 92X73 Museo de Arte de Filadelfia
Monet comenzó su serie sobre los álamos en verano de 1891 en las orillas del río Epte, con tal esfuerzo que tenía quince de ellos listos para su exposición en la galería Durand-Ruel que se celebró en febrero de 1892. En algunos, como en éste, la hilera más cercana de árboles está vista desde cerca también, de manera que sólo podemos contemplar sus troncos. Como anécdota debemos mencionar que el artista contó en numerosas ocasiones cómo tuvo que comprar esos árboles para poder concluir sus series, ya que estaban destinados a la tala y esta no se realizó hasta que él terminó. El lienzo que vemos es uno de los primeros de la serie, ya que muestra efectos de la luz en verano.
Monet trabaja con detalle los efectos que desea conseguir en el espectador; así, el follaje es básicamente pintado con tonos verdosos, aunque posteriormente añadiría algunas pinceladas rosas. También añade fuertes zonas azules en el río para que actúen como reflejo del cielo, acentuando el papel de los árboles como nexos de comunicación entre ambas zonas espaciales.
La pincelada es fuerte y decidida especialmente en la ribera del río donde parece un mosaico, algo parecido a lo que hacía Van Gogh. En el cielo cruza la pincelada para conseguir efecto de atmósfera.
Destaca en la composición la verticalidad de los tres álamos, cuya línea se prolonga en el reflejo del río, creando la sensación de fuerza y permanencia, así como de ascensión, al rebasar los límites del cuadro.
Los colores de arriba se repiten abajo, las franjas verticales de los tres álamos son una repetición con ligeras variantes y detrás se ven, más tenues, más trazos verticales. Otro tanto sucede con las copas visibles de los otros árboles que, aunque de forma tenue, construyen un triángulo.
domingo, 7 de junio de 2009
EL GUERNICA
En mi opinión esta obra es diferente de cualquiera de las obras, movimientos y épocas que pintó Picasso, por tanto es única en su manera de resolver y representar. Se asemeja a algunos de los cómic que dibujó para criticar y burlarse de Franco. De hecho el Guernica es una especie de caricatura, de viñeta de cómic.
La obra es monumentalmente grande como grande es la infamia y bestialidad que presuntamente representa. Desde el punto de vista cromático está resuelta en una gama de grises aparte de blanco y negro. Supongo que Picasso pensó que transmitía mejor la tragedia de la explosión de las bombas este tipo de luz/color.
El color está resuelto por planos y ciertos planos del caballo están rellenos de trazos cortos paralelos. Por tanto difiere del sistema de representación al uso del claroscuro modelando planos para obtener el volumen de las formas. Aquí se obtiene esa sensación por resolver planos semejantes al cubismo analítico que comienza a trabajar en 1907 a 1912, que a su vez vuelve a resucitar con las modificaciones oportunas hacia 1934. Estas formas de representación se inspiran en el dibujo infantil adoptando algunas de sus concepciones como la forma de dibujar las manos. En 1937 comienza a realizar los estudios con dibujos preparatorios que terminarían en la obra EL GUERNICA.
Para acercarnos a la comprensión técnica de la obra analizaremos los elementos compositivos que Picasso utiliza con habilidad repetitiva para que no haya duda. La figura principal es el triángulo isósceles que he marcado en color rojo, este aspecto de la composición es determinante en esta obra y ello significa “grandiosidad” por tanto eso es lo que principalmente quiere Picasso dar como mensaje, la grandiosidad de esta tragedia.
Después utiliza el cuadrilátero puesto en sentido vertical o inclinado colmado por un círculo o semicírculo marcados por mi en azul. El rectángulo indica unidad y esa unidad se dinamiza más si está inclinado. En cuanto al semicírculo, con su carácter femenino, su significado es sensualidad, voluptuosidad con mucho peso por tanto es una convulsión como podemos apreciar en los elementos encerrados en ese semicírculo con el rectángulo debajo, por tanto indica que ese elemento está sufriendo una auténtica convulsión
Los ritmos o resonancias compositivas en cuanto a las formas podemos apreciar como las cabezas de las figuras que aparecen en el cuadro, marcadas en círculos azul celeste, se realiza mediante semejanzas que casi son identidades: la cabeza de la mujer de la izquierda y la correspondiente en el lado derecho que se asemejan notablemente a la del soldado del suelo y la del caballo.
Luego están las cabezas de la mujer que aparece por la ventana con un quinqué y la que queda debajo cuya forma con su cuello, vuelve a ser un triángulo isósceles.
En esta misma línea de resonancias de las formas están la cola del caballo y la del toro, muy semejantes, la lámpara que cuelga del techo con los rayos luminosos en forma de pestaña –pequeños triángulos- y las que aparecen a la derecha del cuadro, en la parte superior por encima de la mujer con los brazos en alto y los que aparecen sobre su vestido, la bombilla de la lámpara y el quinqué también son muy semejantes.
Podría seguir hablando de otros aspectos, pero no quiero extenderme en pequeños detalles. En mi opinión esto es lo importante en cuanto a valores pictóricos de esta obra genial.
La obra es monumentalmente grande como grande es la infamia y bestialidad que presuntamente representa. Desde el punto de vista cromático está resuelta en una gama de grises aparte de blanco y negro. Supongo que Picasso pensó que transmitía mejor la tragedia de la explosión de las bombas este tipo de luz/color.
El color está resuelto por planos y ciertos planos del caballo están rellenos de trazos cortos paralelos. Por tanto difiere del sistema de representación al uso del claroscuro modelando planos para obtener el volumen de las formas. Aquí se obtiene esa sensación por resolver planos semejantes al cubismo analítico que comienza a trabajar en 1907 a 1912, que a su vez vuelve a resucitar con las modificaciones oportunas hacia 1934. Estas formas de representación se inspiran en el dibujo infantil adoptando algunas de sus concepciones como la forma de dibujar las manos. En 1937 comienza a realizar los estudios con dibujos preparatorios que terminarían en la obra EL GUERNICA.
Para acercarnos a la comprensión técnica de la obra analizaremos los elementos compositivos que Picasso utiliza con habilidad repetitiva para que no haya duda. La figura principal es el triángulo isósceles que he marcado en color rojo, este aspecto de la composición es determinante en esta obra y ello significa “grandiosidad” por tanto eso es lo que principalmente quiere Picasso dar como mensaje, la grandiosidad de esta tragedia.
Después utiliza el cuadrilátero puesto en sentido vertical o inclinado colmado por un círculo o semicírculo marcados por mi en azul. El rectángulo indica unidad y esa unidad se dinamiza más si está inclinado. En cuanto al semicírculo, con su carácter femenino, su significado es sensualidad, voluptuosidad con mucho peso por tanto es una convulsión como podemos apreciar en los elementos encerrados en ese semicírculo con el rectángulo debajo, por tanto indica que ese elemento está sufriendo una auténtica convulsión
Los ritmos o resonancias compositivas en cuanto a las formas podemos apreciar como las cabezas de las figuras que aparecen en el cuadro, marcadas en círculos azul celeste, se realiza mediante semejanzas que casi son identidades: la cabeza de la mujer de la izquierda y la correspondiente en el lado derecho que se asemejan notablemente a la del soldado del suelo y la del caballo.
Luego están las cabezas de la mujer que aparece por la ventana con un quinqué y la que queda debajo cuya forma con su cuello, vuelve a ser un triángulo isósceles.
En esta misma línea de resonancias de las formas están la cola del caballo y la del toro, muy semejantes, la lámpara que cuelga del techo con los rayos luminosos en forma de pestaña –pequeños triángulos- y las que aparecen a la derecha del cuadro, en la parte superior por encima de la mujer con los brazos en alto y los que aparecen sobre su vestido, la bombilla de la lámpara y el quinqué también son muy semejantes.
Podría seguir hablando de otros aspectos, pero no quiero extenderme en pequeños detalles. En mi opinión esto es lo importante en cuanto a valores pictóricos de esta obra genial.
sábado, 23 de mayo de 2009
EXPOSICIÓN PERMANENTE
Como en la actualidad quien no está en Internet es que no existe he decidido publicitarme para darme a conocer de forma global y por ello me he inscrito en ARTELISTA como mejor medio nacional y en ABSOLUTEARTS como internacional. Para mi son las mejores webs para exhibición del artista y sus obras, por ello confío que más tarde o más temprano comenzaré a ver los resultados. De ello ya daré cuenta aquí cuando llegue el momento. Aquí les dejo las URL's
http://sangil.artelista.com/
http://www.absolutearts.com/portfolios/s/sangil
viernes, 1 de mayo de 2009
MI FOTOGRAFÍA VIBRANTE
Se me hace muy difícil explicar el placer que siento realizando este tipo de fotografía anómala, extraña y rebelde, será por saltarme todas las normas o por conseguir transmitir la vibración que siento, al escuchar la música de OFFTOPIC, o porque considero que es original o...en realidad no lo se, pero disfruto mucho haciéndolas, mientras estoy moviéndome al compás de la música. Conste que una cosa es mi movimiento y otra el movimiento de la cámara.
A mi no me gusta usar el flash por eso aquí tampoco lo uso, la iluminación es la típica de los focos de iluminación de colores y aquí no eran especialmente intensos como se puede ver en la fotografía que incluyo de tipo "normal", sin embargo en estas fotos parece que fuesen más intensos. En reallidad al hacer la primera no creía que quedaran tan bien iluminadas.
La última foto ustedes percibirán las iluminación de un flash, pero no es el de mi cámara si no el de otra que disparó al mismo tiempo ¡casualidad! pero interesante el efecto.
Bueno, ahí están para que ustedes las disfruten y las critiquen si quieren.
Si quieren ver y oir a OFFTOPIC pinchen aquí http://www.myspace.com/offtopicspain
Si quieren aprender a dibujar y pintar pinchen aquí http://www.arteycartelera.es
cursos "on-line" e-learning.
Si quieren ver mi vena poética pinchen aquí http://orbitaliteraria.ning.com/profile/AntonioSanchezGil
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Si quieren ver mi vena poética pinchen aquí http://orbitaliteraria.ning.com/profile/AntonioSanchezGil
Bueno, por ahora ya tienen entretenimiento. Gracias por visitar mi blog.
jueves, 26 de febrero de 2009
AUTOPROPAGANDA
Nunca se me ha dado bien alabar lo que hago o lo que se hacer, pues mi conocimiento de mi desconocimiento o ignorancia es tal que me permite tomar conciencia clara de al menos una parte de lo mucho que desconozco, aunque suficiente. Si supiera todo lo que desconozco entonces sería un sabio y creo sinceramente que eso está muy lejos de la realidad en mi caso.
Sin embargo no me queda más remedio que exponer de la forma más sencilla posible uno de mis proyectos que está en marcha desde hace más de 2 años y cuyo resultado está por ver. Sin duda vender por Internet no es fácil salvo aparatos electrónicos, libros y hasta hace unos años CD’s, pues ahora se los bajan gratis.
Cuando se trata de información, todo el mundo considera que debe ser gratis como si fabricar la información no fuese un trabajo, y ahí entran los cursos “on line”, porque no hay nada tangible ya que lo que se da es conocimiento ¡muy etéreo! La realidad es bastante diferente pues como sabe cualquier docente, preparar la información para dar un curso de cualquier tema no es tarea fácil, lleva muchas horas y especialmente si queremos hacerla muy pedagógica y estimulante. Y luego está el trabajo de tutoría.
Mi Academia de Arte y Cartelera imparte cursos de Técnicas de Artes Plásticas. Estos cursos están montados sobre una plataforma Moodle que como los informados saben, se utiliza para la enseñanza a través de Internet (e-learning), por tanto con tutoría, donde se plantean un buen número de ejercicios que serán corregidos por el profesor y donde el tutor resuelve todos los problemas que se le planteen al alumno mediante correo electrónico (interno o externo a la plataforma), foros, Chat (interno o externo a la plataforma) y teléfono.
Así pues impartimos cursos de Dibujo (Iniciación al Dibujo, Desnudo, Retrato, Perspectiva y Curso General Avanzado de Dibujo) y Pintura (Óleo, Acuarela, Acrílico, Pastel, Ceras y Curso Avanzado de Pintura al Óleo) y hay dos cursos gratuitos: Pintura con Lápices de Colores y Contemplando un Cuadro, curso este último muy adecuado para disfrutar de la pintura cuando se va a una exposición pues aprenderán a descubrir muchas cosas que antes nos pasaban por alto.
Sin embargo no me queda más remedio que exponer de la forma más sencilla posible uno de mis proyectos que está en marcha desde hace más de 2 años y cuyo resultado está por ver. Sin duda vender por Internet no es fácil salvo aparatos electrónicos, libros y hasta hace unos años CD’s, pues ahora se los bajan gratis.
Cuando se trata de información, todo el mundo considera que debe ser gratis como si fabricar la información no fuese un trabajo, y ahí entran los cursos “on line”, porque no hay nada tangible ya que lo que se da es conocimiento ¡muy etéreo! La realidad es bastante diferente pues como sabe cualquier docente, preparar la información para dar un curso de cualquier tema no es tarea fácil, lleva muchas horas y especialmente si queremos hacerla muy pedagógica y estimulante. Y luego está el trabajo de tutoría.
Mi Academia de Arte y Cartelera imparte cursos de Técnicas de Artes Plásticas. Estos cursos están montados sobre una plataforma Moodle que como los informados saben, se utiliza para la enseñanza a través de Internet (e-learning), por tanto con tutoría, donde se plantean un buen número de ejercicios que serán corregidos por el profesor y donde el tutor resuelve todos los problemas que se le planteen al alumno mediante correo electrónico (interno o externo a la plataforma), foros, Chat (interno o externo a la plataforma) y teléfono.
Así pues impartimos cursos de Dibujo (Iniciación al Dibujo, Desnudo, Retrato, Perspectiva y Curso General Avanzado de Dibujo) y Pintura (Óleo, Acuarela, Acrílico, Pastel, Ceras y Curso Avanzado de Pintura al Óleo) y hay dos cursos gratuitos: Pintura con Lápices de Colores y Contemplando un Cuadro, curso este último muy adecuado para disfrutar de la pintura cuando se va a una exposición pues aprenderán a descubrir muchas cosas que antes nos pasaban por alto.
Emulando al poeta Antonio Machado en sus Cantares en aquello que decía… “se hace camino al andar, golpe a golpe, verso a verso” y que también cantaba Joan Manuel Serrat, yo digo “se hace pintura al pintar, pincelada a pincelada, trazo a trazo” y ese es nuestro lema.
Decirles la url a la que deben dirigirse para aprender a dibujar y pintar desde su casa cómodamente, con el horario que a usted le venga bien, sin sufrir atascos de tráfico y por mucho menos dinero que asistiendo a unas clases presenciales
De la forma en que hemos resuelto los cursos como la información suministrada, los enlaces para ampliar información y los diversos ejercicios propuestos, no somos nosotros quienes los podemos juzgar pues para eso están los alumnos, nosotros solo podemos decir que hemos puesto nuestro empeño en hacerlo lo mejor que hemos sido capaces, sin duda será mejorable, como todo, pero creo sinceramente que el alumno puede aprender el tema elegido y alcanzar los objetivos propuestos. En la plataforma encontrarán información más que suficiente de cómo funciona el sistema en todos sus aspectos, pero si necesitan más información no tienen más que escribirnos un mensaje a tecnicplastic@hotmail.com
Confío en que mi “autobombo” haya quedado solo en mera información de lo que hacemos para ampliar el número y la calidad de nuestros artistas plásticos.
La ilustración corresponde a mi última obra de la serie “La cuarta dimensión” donde el microcosmos y el macrocosmos están en alto estado vibratorio.
lunes, 9 de febrero de 2009
ANDREW LOOMIS
Andrew Loomis fué un maravilloso ilustrador norteamericano, al que tristemente no se le conoce por su obra o trabajo propiamente dicho sino por su GRAN OBRA DIDÁCTICA: seis maravillosos libros que publicó a lo largo de su vida sobre técnicas de dibujo y más específicamente sobre la construcción de la figura humana incluyendo la perspectiva.
Sin duda fué el gran maestro de muchos de nosotros que gracias a él aprendimos a dibujar con rigor, especialmente la figura humana en general y el retrato en particular.
"William Andrew Loomis nació en Syracuse, NY, el 15 de junio de 1892. Poco tiempo después su familia se mudó a Zanesville, Ohio, posteriormente trasladándose él a New York para estudiar en el Art Students League, una institución formada por dibujantes y educadores en forma de cooperativa en donde tuvo como profesores a George Bridgman y Frank Vincent Du Mond quienes tenían una gran fama como profesores. Finalmente se instaló en Chicago, Illinois, en 1915, en donde prosiguió sus estudios en el Chicago Art Institute. Sirvió en el ejército cuando se desató la I Guerra Mundial.Viviendo en Chicago, al tiempo pudo tener su propio estudio de servicio de ilustraciones para agencias de publicidad y publicaciones en general instalado en el 360 North Michigan Avenue en el centro de la ciudad. En la década de 1930 fue profesor en la American Academy of Art, en Chicago. Murió en Los Angeles el 25 de Mayo de 1959, a los 67 años de edad."
Sus libros, por deseo expreso de sus descendientes ya no volverán a publicarse y por ello he buscado estos libros, y como el que busca halla, aquí hay unos enlaces para poder "bajárselos". Como se puede comprobar por los títulos están en inglés pero en la mayoría de los casos las ilustraciones hablan por si mismas. Aunque hay un título en español, pues no encontré la portada en inglés -El ojo del pintor...-el libro está en inglés también.
¡Que ustedes los disfruten y aprendan mucho!
miércoles, 14 de enero de 2009
BOOM
Lo que sigue a continuación es una declaración o ensayo, de una pintora, escrita sobre el catálogo de la exposición de su obra en una Galería de Arte. Las obras aquí reflejadas son BOOM 12, a la izquierda y BOOM 13 la derecha.
"En el transcurso de nuestra larga y variada historia, tras el cual hemos conocido momentos de gloria y desesperación, abundancia y crisis, estancamiento y precipitación, cordura y desvarío..., se podría decir que nos ayuda el eslogan comercial “bien faire et laisser dire” para poder llegar al establecimiento y consolidación de una forma de expresión.
El dilema que plantea toda intervención puede desembocar en un estado de desasosiego del que tan desgarradoramente nos comunicara Fernando Pessoa: “Una calle desierta no es una calle por la que no pasa nadie, sino una calle donde los que pasan, pasan por ella como si estuviese desierta”.
El dilema que plantea toda intervención puede desembocar en un estado de desasosiego del que tan desgarradoramente nos comunicara Fernando Pessoa: “Una calle desierta no es una calle por la que no pasa nadie, sino una calle donde los que pasan, pasan por ella como si estuviese desierta”.
La relación entre lo permanente y lo alterable es tal y tan equilibrada que se necesita mucha perseverancia y gran firmeza por parte del artista para poder llevar a cabo las intenciones, altamente flexibles, que se asigna a sí mismo o se le asigna desde fuera.
Desde un principio tenemos que enfrentarnos a la redefinición funcional de un sinfín de estructuras, y de algunos muchos problemas que tenemos que lograr resolver so pena de descaracterizarnos y conducirnos a perder nuestra propia identidad.
Una idea se interpone con fuerza para iniciar esta reflexión: existen artistas en los que el tiempo ha definido una personalidad creativa que puede ser capaz de sobreponerse a cualquier metodología de la intervención, no por ello declarando la inutilidad del método o la teoría a lo largo de la historia
Las soluciones correctas deben venir determinadas por el análisis en profundidad de las circunstancias propias del mismo artista.
Vivir mejor, es el objetivo último, promover a través de nuestras intervenciones paz, amor, compasión y armonía, lo íntimo, todo aquello que en definitiva todos queremos ver.
Isabela Palau
Artista, Málaga
MI ANÁLISIS
Aunque ya no debería sorprenderme de nada, lo cierto es que me sigo sorprendiendo de muchas cosas y especialmente de las críticas y comentarios artísticos.
Tal como ustedes pueden leer, este es un comentario o ensayo de la propia artista y, si el mismo viene acompañando al anuncio de una exposición de su obra, de la cual acompañan varias fotografías, yo he de entender que este comentario se refiere a la exposición o bien a su obra que expone ¿o no?
Pues bien, ustedes mismos pueden juzgar si lo que dice tiene algún tipo de relación con su obra y si este comentario puede darnos pistas o pautas que nos permitan comprender y valorar la obra que expone o si tal vez lo que pretende es convencernos de que no solo es pintora sino también escritora, ensayista, filósofa, psicóloga…se me escapa lo que se pretende con este escrito, ensayo o comentario. Podría ser también, para hacernos saber su conocimiento de lenguas.
Hasta ahora he visto y leído, pues suelo leerlos completos, comentarios de este estilo, pues crítica para mi es otra cosa, con motivo de la exposición de la obra de algún artista, pero no que lo hiciera el/la propio/a artista. Comprendo que un buen escritor no tiene porque saber de artes plásticas y por tanto si le piden que escriba unas líneas sobre una exposición que encima no ha visto, puesto que los comentarios van en el propio catálogo, es natural que nada diga de la exposición y se limite a elucubrar sobre el sexo de los ángeles para demostrar su habilidad con las palabras y si cabe cobrar de alguna manera. En este caso se me hace más difícil de comprender y desde luego no creo que este comentario nos ayude a comprender la obra que, a mi modo de ver, sería de agradecer.
Yo hubiese preferido que se acompañaran las fotos de un comentario directamente relacionado con la obra y que nos permitiera vislumbrar los valores plásticos de la misma, porque si no lo hace el propio artista creo que nadie o casi nadie lo va a hacer. Probablemente solo quiere decir lo que sufre un/una artista para llegar a parir una obra.
Puedo indicar que a la vista de estas fotos, se puede apreciar una serie de partículas o fragmentos de algo, ubicados en un espacio limpio, cuyo fondo de color azul celeste podría hacernos inferir que se trata del cielo en pleno día. Este grupo de partículas están organizadas en varios planos y cada plano tiene un color característico.
En la foto de la izquierda se aprecian claramente dos planos: el de la franja roja vertical y que tiene a derecha e izquierda, formando cruz, agrupamientos de partículas de color siena tostada, y el plano superpuesta a la franja roja, formado por partículas de color ocre. Estas últimas se entrecruzan y superponen de forma arbitraria, dando imagen de anarquía en su colocación relativa.
La foto de la derecha representa una obra semejante con la variación en la disposición en franja horizontal y que en el plano inferior se superponen dos planos transparentes de color amarillo ocre uno y violáceo el otro, con el consiguiente efecto de una armonía de colores complementarios. El plano superior está formado por partículas de color siena tostada y que se ve claramente que tienen un grosor.
El título nos podría hacer suponer que estas partículas y estos planos son el resultado de una explosión, pero físicamente no es posible por la sencilla razón de que la organización de las partículas sería radial con respecto a un centro. No obstante es evidente que la artista es libre de organizar y concebir las explosiones como quiera.
Si lo consideramos como barrera (otra acepción de la palabra “boom”) parece más apropiada, pues forma una franja en el espacio. Claramente no es aplicable resonar o retumbar. Ni que decir tiene que la palabra “boom” no es española sino inglesa.
Este tipo de obras resueltas con elementos presuntamente abstractos, pero que en realidad no lo son, me recuerda a Viola que dedicó varias obras al diseño de pañuelos de cabeza femeninos de gran belleza plástica, basados en un explosión buscando diferentes maneras de armonías de color con un mismo diseño lineal.
Aquí los diseños lineales son diferentes para cada obra así como la composición y color, pero utiliza los mismos elementos o muy semejantes, es decir, son variaciones sobre una misma cosa. Conjunto de partículas o briznas dispuestas en franjas creando armonías de colores rojo carmín, amarillo ocre y violáceo. El fondo es azul celeste color frío y los otros son colores cálidos y están delante. En el primer cuadro el primer color es el más luminoso (amarillo ocre) y en el segundo el primer color es el más oscuro (carmín oscuro y debajo está el color más luminoso (amarillo ocre).
En síntesis se trata de un estudio de planos jugando con los colores y su tono, buscando contrastes de los mismos. Es decir, diferentes formas de definir diferentes planos de profundidad dando por tanto sensación de espacio aunque estemos en un solo plano bidimensional.
Si esto es lo que buscaba la artista, está conseguido plenamente y entonces es una obra maestra. En caso de que buscase expresar “Vivir mejor, es el objetivo último, promover a través de nuestras intervenciones paz, amor, compasión y armonía, lo íntimo, todo aquello que en definitiva todos queremos ver” no estoy ya tan seguro.
sábado, 3 de enero de 2009
LA AYUDA DE LOS EXPERTOS O EL SABER OTRA OPINIÓN
Sabido es lo difícil que resulta juzgar y valorar los trabajos que uno mismo realiza. Si uno es un principiante, cualquier cosa que haga le parecerá una auténtica proeza, pues partía de cero, pero reconocerá sus errores o bien el resultado final no será totalmente satisfactorio. Uno lo presenta ufano esperando que le digan:¡ Hombre, eso está muy bien! Aunque uno sepa que no es así. El asunto es diferente, cuando se tienen años de experiencia y uno cree que todo lo hace bien, entonces nos suele sentar mal que alguien encuentre defectos a nuestro trabajo. No obstante, si quien nos habla, nosotros lo consideramos un experto, intentaremos justificar el porque lo hemos resuelto así y no de otra manera, pero tomaremos buena nota para la próxima.
Cuando la obra es de arte, la opinión de otra persona y especialmente si es “experto” ,toma relevancia para el autor, pues puede significar la valoración de su obra y la orientación sobre el camino a seguir, pudiendo así reforzar valores y corregir defectos.
Considerando el “post” anterior analizando EL `PASEO de Monet, creo estar en condiciones de poder ayudar a aquellos artistas plásticos que tengan las dudas antedichas para analizar y valorar su obra, aunque sinceramente yo no me considero un experto, pero pueden tener la convicción absoluta de que se ver una serie de cosas en la pintura que en mayor o menor medida puede ayudarles.
Para aquellos que puedan estar interesados en mi ayuda les sugiero que pinchen este enlace donde encontrarán información más explícita de cómo quiero ayudarles en el apartado ANÁLISIS DE OBRA PICTÓRICA.
http://www.arteycartelera.es/
Cuando la obra es de arte, la opinión de otra persona y especialmente si es “experto” ,toma relevancia para el autor, pues puede significar la valoración de su obra y la orientación sobre el camino a seguir, pudiendo así reforzar valores y corregir defectos.
Considerando el “post” anterior analizando EL `PASEO de Monet, creo estar en condiciones de poder ayudar a aquellos artistas plásticos que tengan las dudas antedichas para analizar y valorar su obra, aunque sinceramente yo no me considero un experto, pero pueden tener la convicción absoluta de que se ver una serie de cosas en la pintura que en mayor o menor medida puede ayudarles.
Para aquellos que puedan estar interesados en mi ayuda les sugiero que pinchen este enlace donde encontrarán información más explícita de cómo quiero ayudarles en el apartado ANÁLISIS DE OBRA PICTÓRICA.
http://www.arteycartelera.es/
Nota: La imagen corresponde a un Microscopio Electrónico de Barrido manejado por mi.
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