LAS TEXTURAS I

Moulin Rouge:LA GOULUE Toulouse Lautrec

Para quienes no sepan mucho de Toulouse Lautrec, les remito al artículo que escribí hace unos meses donde sintetizo su vida y su obra, titulado Toulouse Lautrec.
En esta ocasión traigo aquí uno de los múltiples carteles que creó para el cabaret Moulin Rouge, donde destacó por su originalidad y sencillez de medios.
El cartel Moulin Rouge: La Goulue se trata de una litografía de color a partir de 1891, probablemente impreso en unos 3.000 ejemplares, la publicidad de los famosos bailarines La Goulue y ‘Sin-huesos’ Valentín, y el nuevo salón de baile en el Moulin Rouge.

Es una audaz litografía a cuatro colores (cuatricromía) que representa la famosa bailarina de can-can La Goulue y su socio flexible Valentine ‘le Désossé’, que hizo para anunciar al popular cabaret francés, Moulin Rouge. Su público se reduce a las siluetas con el fin de centrar la atención en los artistas y evocar el arte japonés entonces en boga, del que se contagiaron muchos pintores de la época. La triple repetición del nombre del club señala la atención a la figura central del cartel , LA GOULUE. El blanco puro de las enaguas, representado con sólo unas pocas líneas sobre el papel blanco, personifica el estilo audazmente simplista de Toulouse- Lautrec y rompe con los carteles de texto-pesados ​​de la época.
Desde el punto de vista cromático podemos ver los colores rojo, amarillo, negro, marrón, blanco y una gama de grises que ocupan la mayoría del fondo, destacando el amarillo de la lámpara que medio se ve en la izquierda y que se repite en las lámparas del fondo, encima de la siluetas en negro del público. Centra la obra las enaguas de la bailarina en blanco. Mientras La Goulue baila el can-can Valentín parece estar danzando alrededor.

La composición está resuelta fundamentalmente por dos triángulos isósceles y una jota. El triángulo superior se asienta en la base pero el inferior es invertido, por tanto, de equilibrio inestable tal como está la bailarina en equilibrio inestable. Como ya sabéis, los triángulos producen sensación de grandiosidad y seguridad y, al estar invertido, esa sensación es también de ascensión, tal como corresponde a la danza. La repetición de las lámparas amarillas es un ritmo perfecto igual que la repetición de cabezas con sombrero. Las tablas del suelo van todas dirigidas al fondo, al punto de fuga de la perspectiva, así como la fila de siluetas de la derecha.
En cuanto la jota que conforma Valentín, ayuda a centrar la atención en la bailarina al cerrar por abajo y el lateral derecho.

BAILARINA EN ESCENA Degas

Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 –27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.


Poseía un ojo magnífico y una memoria fotográfica, de manera que pintaba caballos en las carreras en las poses más extrañas y quienes contemplaban sus obras le decían que un caballo jamás podía adoptar esas posturas; sin embargo, cuando apareció la fotografía y fotos de caballos, se pudo comprobar que Degas estaba en lo cierto y las posturas de sus caballos eran correctas.


Aunque comenzó pintando al óleo, debido a un problema que tuvo con los ojos y que le afectaban los vapores del aguarrás, tuvo que adoptar el pastel como nuevo tipo de pintura.


Nuestra bailarina se la ve danzando con los brazos en cruz y con un pie elevado. La vista está tomada desde un palco cercano al escenario, por tanto con una acusada perspectiva.

En esta Bailarina inclinada podemos apreciar armonía de azules, verdes y amarillos fundamentalmente, con algunos toques naranjas, siendo la gama esencialmente de colores fríos.

La composición está construida sobre un triángulo (grandiosidad, seguridad y equilibrio) y un círculo (regularidad y equilibrio) fundamentalmente. Los brazos extendidos forman la línea de la base del triángulo isósceles que a su vez está casi en la posición de la diagonal y al ser una línea inclinada da dinamismo a la composición.

El círculo formado por el tutú estructura un círculo que centra el tema, de hecho dentro de él está la esencia del cuadro, y le da regularidad y equilibrio.

Los ritmos se crean por repetición de formas y colores, así podemos ver como al lado derecho se repite el vestido de la bailarina aunque no lo vemos completo, también vemos un pie al borde del fragmento de vestido, tal como lo vemos en la figura de la bailarina central. El fondo repite formas semejantes, como si fueran montañas y repite los colores de los vestidos o ‘tu-tú’.

Homenaje a Blèriot (Delaunay)

Louis Blériot (1 de Julio de 1872 Cambrai, Francia – 2 de agosto de 1936, Paría, Francia) fue un pionero de la aviación en sus facetas de piloto, fabricante y diseñador.El Daily Mail de Inglaterra había ofrecido en1909 la cantidad de 1.000 libras a quien cruzara por primera vez el estrecho que divide Inglaterra de Francia. Esto le motivó a diseñar su famoso monoplano con el que pudo previamente realizar un viaje de 36 minutos y 55 segundos a campo traviesa y por ello se sintió seguro de hacerlo.

La obra de Delaunay Homenaje a Blèriot está llena de hélices unas girando y otras estáticas.

En la esquina superior derecha vemos un biplano en una vista desde abajo: justo debajo de él está la Torre Eiffel.

Arriba a la izquierda del centro vemos en planta un monoplano, presuntamente con el que Blériot cruzó el Canal de la Mancha; como se puede ver están en la zona azul, el mar, y la Torre está en la zona verde y marrón, en tierra.

Abajo a la izquierda se puede ver una hélice parada con sus dos palas o álabes, en realidad es el morro de un avión y debajo vemos su tren de aterrizaje.

El resto de la superficie está lleno de círculos concéntricos haciendo cada corona en diversos colores e incluso una misma corona cada tramo es de un color, para mi todas son representaciones de hélices en pleno giro que, según incida la luz, se convierten en una especie de caleidoscopio cromático. Esto es lo que está representado en el cuadro, las hélices y sus efectos cromáticos. El título pudo ser anterior o posterior a la obra, cosa sin importancia en este asunto.

Las diferentes combinaciones de anillos y sus colores, colindantes con respecto a cada uno en concreto, es un análisis de influencias y armonías cromáticas, resolviendo por complementarios y adyacentes, primarios y secundarios.

El padre del arte abstracto, para muchos, es Vasili Kandinsky y en el siguiente artículo estudiaremos una de sus más espectaculares obras: Composición VIII.

PERSÉFONE

En la mitología griega, Perséfone (‘la que lleva la muerte’) es hija de Zeus y de Deméter (‘la madre’). La joven doncella, llamada hasta entonces Kore (‘kόρη’, ‘hija’), es raptada por Hades y se convierte en la reina del Inframundo.

Perséfone es su nombre en la literatura épica de la Grecia jónica. En otros dialectos era conocida por otros nombres, como ‘Persephassa’ o ‘Persephatta’. Homero la llama       Persephoneia’. Los romanos tuvieron noticia de ella, por primera vez, a través de las ciudades eólicas y dónicas de la Magna Grecia, donde usaban la variante dialéctica Proserpina.

Esta obra del pintor SANGIL mide 130 x 97 cm. y es óleo sobre lienzo. Esta es otra de sus diosas flotando en el espacio sideral. Perséfone, sentada sobre una sábana o alfombra mágica, navega frente a una galaxia en espiral. En la galaxia se vislumbran millones de estrellas. Mira fijamente al espectador, de forma desafiante. Una mirada que taladra y, yo diría, que te llevaría a la muerte, pero muy placentera. En la sábana podemos percibir multitud de arrugas. La mano y pie derechos se hunden en la tela.

                                                         

El fondo está en colores fríos, salvo el centro de la galaxia, azules contra naranjas, complementarios que dan luminosidad a la composición. El cuerpo de Perséfone en tonos rosáceos y sombras violáceas hace que destaquen fuertemente del fondo al ser colores cálidos.

La composición formada por el óvalo y círculos de la galaxia encuentra el eco en el pecho de la diosa, dándonos sensaciones de grandiosidad y tranquilidad femenina, tal como corresponde a una diosa.

Luego se producen multitud de triángulos con el cuerpo y los miembros. Encontramos un eco de ellos en la propia sábana, reforzando la idea de seguridad y equilibrio dentro del dinamismo que provocan, especialmente porque el cuerpo ocupa la diagonal que va desde la esquina superior izquierda a la inferior derecha.

La mirada de esta diosa atrapó al pintor desde el momento mismo en que pintó los ojos. Antes de que estuvieran totalmente terminados, le daba la sensación de que le estaba hablando.

IMPRESIÓN SOL NACIENTE

Oscar-Claude Monet (14 de Noviembre de 1840 en París – 5 de Diciembre de 1926 en Giverny) fue uno de los fundadores de la pintura impresionista.


Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino.


El único canal de exposición con que contaban los pintores en la Francia del siglo XIX era el Salón de París, vinculado a la Escuela de Bellas Artes, que contaba con un prestigioso jurado que seleccionaba las obras enviadas. El escándalo de 1863 – con la presentación del Desayuno en la hierba de Manet motivó la creación del Salón de los Rechazados, que tenía más éxito entre los jóvenes creadores que el oficial al exhibir obras más modernas. Los pintores que se reunían en el Café Guerbois en torno a Manet decidieron crear un foro de exposición diferente a los oficiales, en el que pudieran mostrar sus obras todos los artistas independientes. Así surge la Exposición de la Sociedad Anónima de Artistas Pintores, Escultores y Grabadores que tuvo lugar entre el 15 de abril y el 15 de mayo en las salas que el fotógrafo Nadar les prestó. Acudieron 3.500 visitantes, que se rieron de la pintura tan moderna que contemplaban. A esa exposición Monet presentó nueve cuadros, entre los que destacó esta imagen que contemplamos, ya que fue la que dio nombre al grupo. El crítico Louis Leroy denominó a la muestra “Exposición de los Impresionistas” en referencia a este cuadro y de manera totalmente despectiva. Sin embargo, los integrantes de la sociedad admitieron ese nombre como denominador del grupo.


Impresión Sol Naciente 1872 47×64 Museo Marmottan


Impresión sol naciente es una imagen tomada directamente del natural por Monet en Le Havre, representando las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol “lucha” por despuntar, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por su estética.


Esta es la obra que bautizó el movimiento pictórico con el nombre de “Impresionismo”. La obra es más bien un esbozo, como un apunte, dado el nivel de síntesis de su resolución, donde barcos y chimeneas resultan casi fantasmagóricas. Es la “impresión” exacta que tenemos cuando casi ha desaparecido la luz y el sol parece una naranja roja.








Las zonas de cálidos y fríos se equilibran perfectamente, resultando casi simétricas, tomando como eje la línea de horizonte. La línea que forman las barcas sobre el agua, es como el reflejo de la línea que separa, en el cielo, la zona de colores amarillo-rojizos de la zona azul-verdosa. Dentro de la zona fría está el sol y su reflejo en el agua en un rojo intenso que deja filtrarse el amarillo que se ha dado debajo, el cual forma como una “i” de “impresión”, como un grafismo o jeroglífico.


Compositivamente hablando, los pesos está bien repartidos y los triángulos que forman las zonas frías y calientes en la zona del cielo, y los delimitados por las barcas, en la zona inferior, producen una sensación dinámica dentro de la quietud.










Bajo el punto de vista de composición lineal, se combinan las líneas rectas verticales del velamen y chimeneas, con las horizontales de los movimientos y reflejos del agua y, las curvas de humos y el sol que dan variedad lineal a la obra. Los ritmos se producen por repetición de formas muy semejantes como las barcas, los mástiles y las chimeneas. La repetición de trazos naranjas en los reflejos del sol en el agua y los trazos violeta oscuros del movimiento del agua. Toda la obra es pura síntesis.

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LA INCREDULIDAD DE SANTO TOMÁS Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán 29 de Septiembre de 1571- Porto Ércole, 18 de Julio de 1610), fue un pintor italiano activo en Roma. Nápoles, Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca.
Creador del tenebrismo o “caravaggismo”, efecto lumínico donde los motivos aparecen fuertemente contrastados con luces intensas y oscuridades profundas.
Según una investigación de David Hockney la causa de ese fuerte contraste fue que usaba la “cámara clara” (un conjunto de lentes que proyectaba la imagen en la pared frontal a una ventana) pues necesitaba mucha luz para verse bien la imagen y de ahí el naturalismo al ajustarse totalmente a los modelos. Por la misma razón no se conocen dibujos preparatorios para realizar las obras, ni siquiera existe dibujo previo en el lienzo, solo una ligeras marcas hechas con el mango del pincel, que le servían de referencia.
La incredulidad de Santo Tomás
Como sucede con las obras de Caravaggio la luz es intensa y se obtiene un claroscuro de fuerte contraste. Cromáticamente pasa del amarillo de la izquierda (túnica de Cristo) al naranja y luego al rojo, por tanto de una forma gradual. El fondo es como negro dada su profunda oscuridad, así toda la atención se centra en el
acto de mirar que está fuertemente iluminado.

En este cuadro la composición está inscrita en un óvalo (en rojo) lo que da sensación de grandiosidad y majestuosidad. La obra está dividida en dos partes, la de la izquierda muy luminosa y la de la derecha más oscura, resaltando así la figura de Cristo.

Las cabezas forman un cuadrilátero romboidal que se divide en dos triángulos (en azul), el superior con el vértice hacia arriba indica estabilidad y grandiosidad y el inferior al estar el vértice hacia a bajo es majestuosidad, reforzando por tanto el sentido general particularizado en las cabezas.

Se consigue una fuerte tensión al dirigirse todas las miradas a un mismo punto (líneas amarillas). Aunque la de Cristo parece más dirigida a la muñeca de Tomás.

Los drapeados de las ropas, especialmente en Cristo, forman un fuerte ritmo lineal (líneas rosas). Evidentemente el centro de interés del cuadro está en la herida de Cristo en el costado, donde se dirigen las miradas y el dedo de Tomás.

El cuadro resulta algo desequilibrado en cuanto a pesos, pues la parte a la izquierda de la línea vertical central, en su conjunto, es más luminosa que la parte derecha.
En resumen es una obra grandiosa representando el tema de la incredulidad de Tomás con todo el dramatismo y la fuerza que requiere el caso, con la teatralidad de los gestos que Caravaggio dominaba.