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KANDISKY

 COMPOSICIÓN VIII

Esta obra es pura geometría. Vemos un fondo casi plano pero tiene unos tenues colores que dan sensación de profundidad de infinitud de espacio profundo.

-El destaque está en la esquina superior izquierda con esos círculos concéntricos cuya corona negra destaca del resto del cuadro que está en colores más suaves.

-Los círculos concéntricos se repiten sobre toda la superficie del cuadro hábilmente distribuidos.

-Hay otros círculos que parecen tener una sombra proyectada.

-Hay triángulos y cuadriláteros engarzados de diferentes formas, unos formando cuadrículas regulares e irregulares.

-Hay líneas rectas que parecen dirigidas en direcciones concretas que crean una tensión. Hay grupos de arcos tangentes que son semicírculos apoyados en una recta.

-Hay líneas rectas cortadas por dos paralelas.

-Hay una onda que se amortigua en el tiempo.

-Hay algunas figuras que se superponen a otra y la zona superpuesta cambia de color como si fueran transparentes y se mezclaran los colores.

-Hay dos rectas convergentes que parecen ser los radios de unos arcos también convergentes pero no lo son.

-Hay líneas que van hacia las esquinas creando mucho dinamismo.

--Hay triángulos y ángulos con el vértice hacia arriba

Considerando los paralelismos que Kandisky hace entre pintura y música, yo diría que los círculos son notas largas “redondas” (notas: redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y semifusa), graves las grandes y más agudas las más pequeñas, la aureola es la vibración o sonoridad, las cuadrículas son acordes (notación antigua mediante cuadraditos), los triángulos son notas penetrantes agudas y cortas y los arcos son calderones que alargan la nota, dos líneas paralelas que cortan una recta perpendicular o inclinada es una caesura que indica pausa silenciosa, los arcos semicircunferencias son ligaduras que unen notas que suenan de forma continua, los ángulos son crescendo y descrescendo referido al volumen o intensidad del sonido. 

-La onda amortiguada corresponde a cualquier sonido de percusión, incluido el piano, que al dar una nota el sonido se amortigua paulatinamente. 

-Las líneas rectas anchas son compases de espera. 

-El triángulo curvo negro que está a la derecha del anillo negro grande es “la cola” que se añade a una nota “negra” (duración 1 tiempo) para simbolizar la “corchea” (duración ½ tiempo). 

-Dos líneas paralelas verticales situadas en la parte superior a la derecha del triángulo amarillo representan la “clave neutral” usada para el pentagrama de un instrumento de percusión. 

-A la derecha de esto, un poco más abajo hay una cuadrícula de la que parten 5 líneas paralelas que tienen unos cuadraditos grises y negro es el pentagrama con notación antigua en que las notas eran cuadraditos.

-A media altura y ligeramente desplazado del centro se ve un círculo o anillo en el que convergen tres triángulos de varios colores con un ángulo muy pequeño, muy cerrado. Este anillo es una caja de percusión, semejante a un tambor. 

-A su derecha se ve un círculo mitad negro mitad blanco y dos anillos uno rojo y otro amarillo que le circunda pero la mitad queda oculto debajo del triángulo rectángulo que en esa zona es verde, estos anillos son un platillo de percusión.

Por tanto esta obra representa una composición musical y los instrumentos que intervienen.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

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Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

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Espero que os gusten y me las compréis

OLAS "SURFIANAS"

Siempre había pintado el mar desde fuera, pero esta vez lo estoy pintando desde dentro.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

TOULOUSE LAUTREC

Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa Tapié de Celeyran, conde de Toulouse-Lautrec-Monfa, conocido simplemente como Toulouse Lautrec (Hôtel du Bosc, Albi 10 noviembre 1864, 9 de septiembre de 1901) fue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XX Se le enmarca en la generación del postimpresionismo.

Nació en el castillo de Albi en el seno de una familia de la nobleza. En su familia, como era habitual en muchas sagas de la gran aristocracia, los matrimonios se realizaban entre parientes para evitar las divisiones territoriales y la dispersión de la fortuna. Éste fue el caso de los padres de Henri, el conde Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfay Adèle Tapié de Celeyran que eran primos en primer grado. La endogamia hubo de condicionar la salud del artista. Henri fue el primogénito y cuando tenía cuatro años, nació su hermano Richard-Constantine, que falleció un año después. Por desavenencias, sus padres se separaron en 1868 y Toulouse-Lautrec quedó bajo el cuidado de su madre.

Su infancia fue feliz hasta que, como consecuencia de la consanguinidad de sus padres, Toulouse-Lautrec padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos y que comenzó a manifestarse en él en 1874. Su constitución ósea era débil y entre mayo de 1878 y agosto de 1879 sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas, que le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m.

La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo muy característico. A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres influencia del arte japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes. Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, sobre todo, la figura de Degas, de quien siguió la temática urbana alejándose de los paisajes que interpretaban Monet o Renoir. Fue la vanguardia del modernismo y del Art Nouveau.

Además de la pintura al óleo, Henri utilizó otras técnicas y otros soportes en su obra, destacando su producción de carteles. Usó especialmente el pastel sobre papel marrón de envolver.

Su técnica con el óleo era mezclando los colores con trementina para obtener un efecto semejante a la acuarela y resolvía sobre el lienzo mediante pinceladas largas, como líneas paralelas o cruzadas o formando un entramado, gruesas o finas según el caso.

En los carteles utilizaba colores planos y el dibujo se caracterizaba por su tendencia a la caricatura donde con un mínimo de trazos retrataba el carácter y personalidad del personaje.

VERMEER

JOHANNES VERMEER.

Vermeer nació en la ciudad de Delft (Holanda) en 1632, vivió toda su vida en los Países Bajos hasta su muerte en 1675.

Cuando hoy contemplamos estas maravillas nos resulta increíble que este pintor barroco holandés cayese en el olvido durante el siglo XVIII. Fue un crítico de arte francés quien lo descubrió en el siglo XIX y hoy en día es de los pintores más reconocidos y admirados.

Las obras de Vermeer nos ilustran sobre la realidad de la rica y opulenta Holanda del siglo XVII, cuando, gracias al comercio, estaba en la cima de su imperio colonial. Salvo en dos casos en que el pintor nos muestra dos vistas exteriores (una de ellas aquí expuesta), la generalidad de sus cuadros son o bien retratos, o bien escenas interiores de los salones de la burguesía neerlandesa.

El esquema compositivo se repite: una ventana abierta en el lado izquierdo deja entrar la luz natural y entre rico mobiliario, vestimenta y joyas se desenvuelven uno o dos personajes, predominantemente femeninos.

La protagonista es siempre la mujer, tratada de forma muy delicada, detallista y sensual. Ella ríe, duerme, cose o trabaja, siempre bañada por una sugerente y tamizada luz que juega enormemente con los claroscuros. La dama va generalmente vestida con riquísimos vestidos, tocada con joyas y cuidadosamente peinada. El interior representado explota en detalles como lámparas, muebles, tapices, cuadros, mapas, suelos alicatados, etc.

A pesar de esta presencia de personajes, lo verdaderamente importante para Vermeer es el espacio y la luz. Los personajes son accesorios.

Vermeer se convierte así en el pintor de la intimidad, de lo recogido y sosegado, de lo tranquilo y lo sugerente. Su luz es mágica: dorada y sensual, consigue subrayar la atmósfera y el aire, con un poco de imaginación podríamos ver las motas de polvo flotando visibles a la luz lateral de la ventana.

La contemporaneidad de Vermeer, el que nos guste tanto hoy, es debido a que sus óleos no nos narran nada, no hay que adivinar ni interpretar historias, solamente se trata de imágenes presentativas, ni mitología, ni religión, ni literatura, sólo imágenes inmediatas, casi “televisión” y por eso nosotros, seducidos por una cultura de imágenes inmediatas , nos sentimos automáticamente cautivados por estos cuadros.

Cuando pinta exteriores (sólo dos) Vermeer hace gala de un temprano impresionismo, al captar la luz y el aire como harían dos siglos después los impresionistas franceses.

Ni que decir tiene que estos impresionistas admiraban profundamente a Vermeer, así por ejemplo, Renoir dice de su cuadro “La Encajera” que es una de las dos mejores telas del Louvre.

En cuanto a Van Gogh, escribe a su hermano Theo refiriéndose a Vermeer: ”La paleta de este extraño artista comprende el azul, el amarillo, el gris perla, el negro, el blanco.......con un gusto extraordinario y un infalible sentido de la composición”.