SOROLLA

Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, 10 de agosto de 1923 a los 60 años de edad), fue un pintor y artista gráfico español impresionista. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas.

Cuando apenas contaba con 2 años de edad, fallecieron sus padres de una epidemia. Al quedar huérfanos, su hermana Eugenia y él, su tía Isabel, hermana de su madre, y su marido, de profesión cerrajero, los acogieron. Pasados los años intentaron enseñarle, en vano, el oficio de la cerrajería, advirtiendo pronto que su verdadera vocación era la pintura.

En 1874 empezó a estudiar en la Escuela Normal Superior donde le aconsejaron que también se matricularse en las clases nocturnas de dibujo en las Escuelas de Artesanos, en Valencia. En ésta última recibió, en 1879, una caja de pinturas y un diploma como premio «por su constante aplicación en el dibujo de figura». Ese mismo año, a la par que trabajaba en el taller de su tío, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos, en la que estudió junto a pintores como Manuel Matoses, Benlliure o Guadalajara.

Al acabar su formación, comenzó a enviar sus obras a concursos provinciales y exposiciones nacionales de bellas artes, como la de Madrid en mayo de 1881, donde presentó tres marinas valencianas que pasaron sin pena ni gloria pues no encajaban con la pintura oficial, de temática histórica y dramática. Al año siguiente, estudió la obra de Velázquez y otros autores en el Museo del Prado, etapa Realista, de la que era su profesor Gonzalo Salva. Por fin, en 1883, consiguió una medalla en la Exposición Regional de Valencia y, en 1884, alcanzó la gloria al conseguir la Medalla de Segunda Clase en la Exposición Nacional gracias a su obra Defensa del Parque de Artillería de Monteleón, obra melodramática y oscura hecha expresamente para la exposición; tal y como le dijo a un colega suyo: “Aquí, para darse a conocer y ganar medallas, hay que hacer muertos.”

Cosechó otro gran éxito en Valencia con su obra El crit del palleter sobre la Guerra de la Independencia. De esta manera, fue pensionado por la Diputación Provincial de Valencia para viajar a Roma donde, a la vez que trabajaba, conoció el arteclásico y renacentista, así como los grandes museos, contactando, además, con otros artistas.

Con su amigo el pintor Pedro Gil se desplazó a París durante el primer semestre de 1885, viviendo de cerca la pinturaimpresionista que produjo en él, ya de regreso en Roma, variaciones en su temática y estilo, llegando a pintar el cuadroreligioso El entierro de Cristo, con el que no tuvo el éxito esperado, donde se introduce en el Naturalismo y toma contacto con las vanguardias europeas, destacando las obras de los pintores John Singer Sargent, Giovanni Boldini y Anders Leonard Zorn.

En 1888 contrajo matrimonio con Clotilde García en Valencia, pero vivirían un año más en Italia, esta vez en la localidad de Asís. En 1889 se instalaron en Madrid y, en apenas cinco años, Sorolla alcanzó cierta fama y prestigio como pintor. En 1894 viajó de nuevo a París, donde desarrolló el luminismo, que sería característico de su obra a partir de ahora. Comenzó a pintar al aire libre, dominando con maestría la luz y combinándola con escenas cotidianas y paisajísticas de la vida mediterránea. En obras como La vuelta de la pesca, La playa de Valencia o Triste herencia, describió el sentimiento que producía la visión del mar Mediterráneo, comunicando el esplendor de una mañana de playa con un colorido vibrante y un estilo suelto y vigoroso. Con Triste herencia recibió, en 1900, el Grand Prix en el certamen internacional de París. Además siguió con supintura de denuncia social que tantos éxitos le había reportado en los últimos años con obras como Y aún dicen que el pescado es caro (1895).

Por aquel entonces, Valencia le nombró hijo predilecto y meritorio, y le fue dado su nombre a una calle. Tras muchos viajes por Europa, principalmente Inglaterra y Francia, celebró una exposición en París con más de medio millar de obras, que le dio un reconocimiento internacional inusitado, conociéndose su obra pictórica por toda Europay América. Expuso su obra en Nueva York en 1909 y cosechó un éxito sin precedente alguno, con obras como Sol de tarde o Nadadores, entre muchas otras. También lo hizo, en 1911, en el Museo de Arte de San Luis y en el Art Institute de Chicago.

En noviembre de ese mismo año, firmó un encargo para la Hispanic Society of Americapor el que realizaría catorce murales que decorarían las salas de la institución: se conocen como Visión de España. Con esta obra realizada entre 1913 y 1919, de tres metros y medio de alto por setenta metros de largo, alzó un imborrable monumento a España, pues en ella se representaban escenas características de diversas provincias tanto españolas como portuguesas. Necesitó de casi todo 1912 para viajar por todo el territorio, realizando bocetos y trabajos de costumbres y paisajes. De esta tarea destacan los óleos pintados en 1916 dedicados a niños y mujeres en las playas de Valencia, donde predomina la libertad de pincelada y la luz de su tierra. Algunos ejemplos son Madre e hija o Pescadora valenciana.

Otra importante faceta suya fue la de retratista, de figuras importantes como fueron Juan Ramón Jiménez, el rey Alfonso XIII, Vicente Blasco Ibáñez, Ortega y Gasset, etc.

También, en 1914, había sido nombrado académico y, cuando terminó los trabajos para la Hispanic Society, trabajó como profesor de composición y color en la Escuela de Bellas Artes de Madrid. Su pintura representó la aplicación directa del luminismo al paisaje y la figura, acercando por tanto esta tendencia a la sociedad de la época. Su principal discípulo, seguidor del luminismo, fue Teodoro Andreu.

En 1920, mientras pintaba el retrato de la señora Pérez de Ayala en el jardín de su casa en Madrid, padeció un ataque de hemiplejía que mermó drásticamente sus facultades físicas y mentales. Murió en su casa de Cercedilla el 10 de agosto de 1923.

MORISOT

Berthe Morisot (Bourges, Francia; 14 de enero de 1841 - París; 2 de marzo de 1895), pintora impresionista francesa.

Nacida en Bourges, en el seno de una familia burguesa, fue precisamente su familia quien animó a Berthe y a su hermana Edma a iniciarse en el arte. Morisot demostró la posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX.

A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon. Éste la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos.

Pronto adquirió la técnica impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequeños cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo continuamente en el Salón hasta 1874, año de la primera exposición impresionista, en la que participo con La cuna.

En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con Eugène Manet, su hermano menor. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que sería posteriormente los impresionistas. Manet sin embargo, nunca se consideró como impresionista, ni estuvo de acuerdo con exhibir junto al grupo.

Morisot, junto a Camille Pissarro, fueron los dos únicos pintores que tuvieron cuadros en todas las exposiciones impresionistas originales.

Al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemond, Berthe Morisot fue relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). Sin embargo, como mandaba la doctrina impresionista, Morisot pintaba la inmediatez, lo que veía en su vida normal. Como una mujer de la alta burguesía, estaba habituada a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres y niños, ya que el mundo masculino les estaba vetado.

Sin excepción, sus cuadros muestran unos temas equivalentes al de sus colegas masculinos. Edgar Degas, también de clase burguesa, pintaba ensayos de ballet, carreras de caballos y desnudos femeninos. Claude Monet pintaba su jardín, sus hijos, etc. Las mujeres impresionistas pintaban su entorno social bajo el enfoque impresionista. A pesar de esto, la figura de Berthe Morisot, junto a las de otras maestras de la pintura, quedó ensombrecida por el conjunto del movimiento y en especial de los pintores masculinos. La técnica que desarrolla Morisot se basa en un tratamiento de pinceladas suaves desde un principio hasta que evolucione a un impresionismo más expresado en la pincelada, en concreto a partir de 1873, cuando el tratamiento más libre de la pinceladas rápidas y planas y la atmósfera más tratada con el color permitan reflejar una estética más de índole impresionista.

A partir de 1880, la influencia de Renoir se refleja en su obra. La frescura luminosa de su paleta, la factura libre y vigorosa, así como, la atmósfera poética de sus lienzos, son reconocidas y admiradas. En 1892 la galería Boussod-Valadon le dedica una exposición que tuvo un gran éxito.

La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard Manet en 1883, la de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su hermana. Educó sola a su hija, Julie Manet, con quien mantuvo siempre lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro años, confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé.

Berthe Morisot murió en 2 de marzo de 1895 en París y está enterrada en el cementerio de Passy en París.

En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares.

TRANSMUTACIÓN ENERGÉTICA

Díptico 130x194 óleo sobre lienzo

Esta es mi última obra. Agredecería las opiniones de ustedes, pues quiero presentarla a algún concurso. Gracias.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

GAUGUIN

Eugène Henri Paul Gauguin

(París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 9 de mayo de 1903) fue un pintor posimpresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, su obra está considerada entre las más importantes de entre los pintores franceses del Siglo XIX.

Sus experimentos sobre el color y el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, en especial sobre el fauvismo, movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908.

De familia liberal, era hijo de Clovis Gauguin, un periodista antimonárquico, y de Aline Marie Chazal. Ella era descendiente de terratenientes españoles de América del Sur y del virrey del Perú. La feminista socialista Flora Tristán era abuela de Paul Gauguin por parte de madre.

Cuando Paul contaba sólo con un año, la familia tuvo que huir a América tras el golpe de Estado de Napoleón III en1851. Durante el viaje su padre murió y su madre tuvo que recurrir a la hospitalidad de sus parientes en Lima (Perú). En esta ciudad pasó sus primeros años de infancia.

En 1855 regresan a Francia, a Orleans y se instalan en casa de un tío de Paul, Isidore. Gauguin estudiará en Orleans entre 1859y 1865. Gauguin se embarca en la marina mercante siendo aún muy joven, y luego en la Armada Francesa, en la que sirve a bordo de la corbeta Jerôme Napoléon.

A su regreso a Francia en 1870, se convirtió en agente de cambio para la empresa Bertin en la Bolsa de París, teniendo bastante éxito en sus negocios. Llevó una vida burguesa y acomodada junto a su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos:Émile , Aline, Clovis, Jean-René y Paul-Rollon.

Su tutor, Gustave Arosa, hombre de negocios y gran amante del arte, introdujo a Gauguin entre los impresionistas. En 1874, conoce la obra del pintor Camille Pissarro y visita por primera vez una muestra de pintura impresionista. Al igual que su tutor, se aficiona al arte, lo que le lleva a tomar clases de pintura y a hacer sus primeros intentos de creación en este terreno. Expone sus obras junto a los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886 y reúne una colección personal con obra de Manet, Cézanne,Monet y el ya mencionado Pissarro.

En 1882, deja su trabajo en la Bolsa (que se ha desplomado) para dedicarse por completo a su nueva pasión, la pintura. Como eso no le basta para sobrevivir, se marcha a vivir con su mujer e hijos con la familia de ésta en Copenhague. Las relaciones con su familia política no son buenas y sus negocios tampoco van bien. Decide regresar a París en 1885 para dedicarse exclusivamente a la pintura, pero incapaz de asegurar la subsistencia de su familia, abandona a su mujer y a sus hijos en Dinamarca.

Gauguin se traslada a Ruán, en Normandía, en donde se ha instalado Pissarro, pero en 1887 decide viajar junto a su amigo Charles Laval a Panamá, en la restaurada República de Colombia.¹

Gauguin arribó al istmo de Panamá, en abril de 1887, a la isla de Taboga, de la cual diría en una carta: "está casi deshabitada y muy fértil. Yo llevo mis colores y mis pinceles y yo me empaparé de ellos lejos de todos los seres humanos". Después no sería tan elocuente sobre el entorno panameño, como le dice a su esposa, Mette-Sophie, desde la Ciudad de Panamá, - donde su cuñado colombiano (esposo de su hermana Marié Gauguin Tristán) le había invitado con promesas de conseguirle un trabajo estable –.

En la siguiente carta a Mette-Sophie le contará su desventura ocurrida en el barrio de San Felipe, donde fue tomado preso por la policía, por el delito de haber orinado en una de sus calles.² Durante un tiempo trabajará en la perforación del canal, como obrero de la Panama Canal Company, pero el clima y las enfermedades tropicales lo postran muy pronto. Apenas recuperado de la disentería y el paludismo o fiebre amarilla, continúa el periplo en la isla Martinica en 1888.

De este viaje al Caribe, que resultaría fundamental para su futuro artístico, puesto que le mostró la sensualidad del color y lo interesó por una naturaleza primitiva capaz de acentuar las relaciones humanas, Gauguin regresará a Europa enfermo y abatido. Allí encuentra la hospitalidad de Theo Van Gogh, quién además expondrá sus pinturas en su propia galería.

Pero dejando aparte este viaje, entre 1886 y 1891, vive principalmente en Bretaña en donde se convierte en el centro de un grupo de pintores experimentales conocidos con el nombre de Escuela de Pont-Aven, en donde tuvo como discípulos a Émile Bernard,Paul Sérusier, Seguin y Chmaillard que constituirían el llamado simbolismo (Grupo de los Nabis). Su estilo de pintura empezará a transformarse desde las cercanías del impresionismo hasta un estilo mucho más personal.

Por influencia de uno de sus jóvenes discípulos, Émile Bernard, su estilo evoluciona a lo que se ha dado en llamar sintetismo, un modo de pintar más natural y sintético. Busca inspiración en el arte indígena, en las vidrieras medievales y en las estampas japonesas.

Estas últimas las descubre gracias al holandés Vincent Van Gogh en 1888 en los dos meses en los que viven juntos (entre octubre y diciembre) en Arlés, en el sur de Francia, dedicándose ambos a pintar. Gauguin había conocido a Vincent y a Theo Van Gogh en París en 1886, y Gauguin había quedado impresionado por la expresividad de Vincent. Trabajan juntos y pintan la serie de vistas de Alyscamps. Pero la convivencia es muy difícil, ambos tienen un carácter muy temperamental, y Gauguin se cansa de Vincent. Van Gogh tratará de suicidarse más adelante. Su convivencia se deteriora y acaba con el famoso episodio de la oreja cortada de Van Gogh. Se sabe que Van Gogh tenía problemas emocionales y que se cortó la oreja; pero no es tan seguro que fuese por culpa de Gauguin. Anécdota que puede ser real o un mito. (Información de wikipedia)

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

EL AUTODIDACTA 4

Antes de la existencia de las “redes sociales” cualquier aficionado a las artes hacía, en su tiempo libre, lo que podía y luego lo mostraba a la familia y amigos con el natural orgullo y satisfacción de lo que había hecho, pero el asunto no salía de ese ámbito, y era normal que tu familiar o amigo, que nada sabía realmente sobre el tema en cuestión, se permitiera el lujo de criticarte y de enseñarte como deberías haberlo hecho.

A partir de las “redes sociales” y especialmente aquellas creadas específicamente para mostrar los trabajos artísticos, todo el mundo presenta sus cosas y los pocos que se deciden a realizar algún comentario, cuya mayoría tampoco saben mucho de la materia, son benévolos a la hora de opinar alabando la obra y estimulando al autor, lo cual me parece de una gran delicadeza, pero que no ayuda en absoluto a aprender sobre la materia que le permitiría corregir errores para avanzar, en cambio si engorda su ego y se llega a creer un gran artista. Evidentemente si alguien se atreve a corregir algo todo el mundo se ofende, no solo el autor, puesto que la mayoría están en el mismo barco.

Si nos paramos a pensar un poco, con amplitud de miras y olvidando un poco las etiquetas, lo que diferencia el conocimiento académico del conocimiento autodidacta es que en el primer caso hay un maestro y todo un sistema que define las materias a aprender para alcanzar el nivel necesario en una profesión y, en el segundo caso el aprendiz decide lo que quiere aprender específicamente y se busca los medios para conseguirlo sin la ayuda ni dirección de un maestro. Si el aprendiz es consciente de su proyecto de aprendizaje y suficientemente inteligente, ya se buscará la manera de saber que cosas debe aprender exactamente para alcanzar su objetivo. Pero no basta con eso, pues al depender todo de él es necesario que sea tenaz y persistente para salvar todos los escollos que se le presentarán a lo largo del camino emprendido.

La realidad es que al ir a una facultad, escuela/academia o algo semejante, se crea la obligación de asistir y atender, pues luego tendrá que salvar unas pruebas que le indicarán si realmente ha aprendido lo necesario, en cambio, cierto grupo de autodidactas, no se molestan en estudiar absolutamente nada sino que hace las cosas como le salgan sin saber lo que es válido y lo que no y con ello se siente ufano, aunque hay un pequeño grupo que cumple con el requisito de instruirse mediante libros o informaciones que consigue por diferentes medios y que poco a poco lleva a la práctica progresando paulatinamente.

Pensándolo bien, al final, todos los que tenemos afán de progreso y hambre de saber, nos convertimos en autodidactas pues la parte académica termina en unos años y luego hay que continuar aprendiendo.

EL AUTODIDACTA 3

Cuando una persona se compra unos cuantos tubos de pintura y unos pinceles y sin encomendarse ni a Dios ni al Diablo se pone a manchar lienzos, dando pinceladas a diestro y siniestro sin el más mínimo conocimiento sobre la forma y el color, se podrá autodenominar lo que quiera –atrevido, audaz, decidido, desinhibido, desacomplejado, etc.- pero no autodidacta, pues su actitud nada tiene que ver con la definición que hemos puesto arriba, ya que no ha buscado ni por tanto aprendido ni usado información alguna y las prácticas que realiza no sabe realmente si lo hace bien o mal, auque el pueda considerarse un genio.

En mi opinión un autodidacta debe empezar por conseguir la información adecuada a sus pretensiones y conocimientos previos del tema. Una vez obtenida, estudiar, analizar y meditar sobre lo estudiado para poner los conocimientos adquiridos en práctica y una vez realizadas las prácticas buscarse la manera de saber con seguridad si lo que ha hecho está correctamente hecho o no y luego corregir los errores cometidos y aprender la lección para la próxima. Este proceso debe ser repetido gradualmente según vaya avanzando y profundizando en el conocimiento de la materia y además este es un proceso que nunca acaba, pues nunca es suficiente lo que uno sabe ya que siempre te quedarán cosas por saber, por tanto siempre hay que buscar información para ponerla en práctica y cuando unos sepa casi todo lo que los demás expertos saben, uno debe experimentar e investigar para descubrir cosas nuevas que luego podrá enseñar a otros.

En cualquier campo de estudio, sea ingeniería, derecho, humanidades, historia, etc. o en otros niveles de Formación Profesional, se adquiere una formación básica de un determinado nivel y si uno está dispuesto a avanzar y no estancarse, debe continuar estudiando pasando al nivel inmediato superior por escuela o por auto aprendizaje, pero ya con una base importante aunque solo sea Formación Profesional.

No se porque si para aprender un oficio, todo el mundo está de acuerdo en que debe estudiar Formación Profesional o al menos entrar en un taller de aprendiz y allí ir aprendiendo el oficio paulatinamente, puede creer que para aprender un oficio artístico, dibujo, pintura, narración, poesía, música, teatro, basta con tener las herramientas básicas y comenzar a hacer algo sin saber y sin ayuda de nadie.

Tengo que recordar aquí que tanto Velázquez como Goya, por ejemplo, entraron en el taller de un maestro y estuvieron entre 8 y 10 años aprendiendo y que al final tuvieron que sufrir unas pruebas para que les dieran el título de maestro pintor, sin el cual no podían montar su propio taller de pintura. Lo digo porque algunos autodenominados autodidactas están convencidos de que todos los grandes pintores fueron autodidactas también.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es

EL AUTODIDACTA 2

En síntesis vemos que debemos estudiar una parte de teoría y otras de prácticas y no nos basta con una sola de ellas, necesitamos las dos para un aprendizaje correcto.

Por eso no puedo entender a quienes se empeñan en la práctica sin conocimientos teóricos previos y menos aún a quienes teniéndolos los desdeñan con el discurso de que le mediatizan para alcanzar la pureza de su arte, como si todo lo que necesita saber ya lo tuviese el dentro y todo lo que tiene que hacer es alcanzar una especie de estado místico para que el conocimiento fluya y salga al exterior, llegando en algunos casos a creerse un iluminado.

Algo de esto le pasaba a Dalí, dibujante genial donde los haya, con una base académica en Facultad de Bellas Artes pero que se marchó por orgullo, pues creía saber más que sus profesores, pero técnicamente no evolucionó en absoluto a lo largo de su carrera artística aunque creó obras muy bellas y geniales por su concepción.

Otro asunto que hay que plantearse respecto a la información es sus contenidos y la concepción de dicha información. En cuanto a los libros y audiovisuales es necesario saber que el autor de los mismos, aunque sea un conocedor profundo del tema a la hora de concebir un libro es necesario resolver sintetizando los contenidos dentro de unos límites, amén de utilizar la forma más didáctica posible para facilitar su comprensión por parte del lector. Un libro nunca puede contener todos los conocimientos que un experto tiene sobre el tema, puesto que hay que adecuarlo al objetivo previsto y al segmento de población a quien va dirigido y además el libro es necesario hacerlo asequible por los contenidos y por el precio; si se realizase un libro con contenidos exhaustivos sobre el tema contendría tantas páginas que resultaría muy costoso y nadie lo compraría.

Por tanto si elegimos aprender de forma autodidacta a través de libros, debemos tener muy claro que habremos de comprar varios libros para conseguir un conocimiento completo sobre el tema realizando un estudio escalonado de la materia.

Y si para los libros se plantean los problemas descritos antes, en cuanto a Internet, además de los anteriores hay que sumarle que cualquiera puede poner la información que quiere sin control alguno, por tanto poco fiable. Es muy normal encontrarse tutoriales sobre cualquier materia sin que uno pueda saber su fiabilidad y menos sus carencias. Yo mismo he encontrado tutoriales de mis cursos en varias webs y blogs con los textos mal copiados, colocados desordenadamente y fragmentados, siendo completamente ininteligibles para mi mismo.

Antonio Sánchez-Gil http://arteycartelera.es