LA PINTURA DE KARFER EGUIA

 

Hablar de la pintura de Karfer es hablar de arquitectura y de urbanismo principalmente. No obstante, tiene otras vertientes como su experimentación con la abstracción, el simbolismo y el lirismo imaginativo de gran fantasía.

 Karfer es un artista que ha viajado mucho por Europa y conoce grandes ciudades, por tanto, tiene muchos recuerdos y añoranzas, lo que, en mi opinión, le lleva a recrear en sus cuadros esas grandes ciudades que añora, es una forma de viajar a ellas sin moverse de su casa para luego mostrarlas al mundo.

Representar las calles de una ciudad, sus puentes y grandes monumentos arquitectónicos, solo puede llevarse a cabo con rigor, si se conoce en profundidad la perspectiva lineal, tal como la conoce y usa un arquitecto o un delineante proyectista en arquitectura y justo esa capacidad y conocimiento es el que utiliza Karfer para resolver el dibujo base sobre el cual desarrolla su obra al óleo. Evidentemente esto se complementa con el uso de la perspectiva aérea que produce esa sensación de atmósfera y lejanía como podemos ver en sus obras.

Así mismo juega con la luz que irradia el Sol desde diversas direcciones, incluso de frente, a contraluz.

Cabe destacar como están resueltos los suelos de determinadas calles, incluso mojados por la lluvia, la superficie de las aguas fluviales, con sus reflejos correspondientes y como la definición perfecta que vemos cerca se pierde en la lejanía.

Experimenta con formas simples como bolas o simplificando aún más con manchas resueltas con espátula, con pequeñas tablas y hormas de zapatos…y hasta da vida a los árboles que dialogan con una niña, estructurándolos como seres mágicos.

El artista posee esa capacidad de extraer de su imaginación y de sus recuerdos, imágenes que, aunque plasmadas en dos dimensiones, nos produce la ilusión de una realidad tal que nos invita a introducirnos en el interior de sus obras.

 

REALISMO, HIPERREALISMO E HIPERREALISMO FOTOGRÁFICO

Fermín García Sevilla

El realismo, en pintura, es una manera de resolver un cuadro, cuya imagen plasmada se asemeja a la realidad que vemos con nuestros ojos. Según la técnica utilizada por el pintor, la sensación visual será más o menos cercana a la realidad vista de cerca, si tiene mucho detalle y produce la sensación de estar todo enfocado, o por el contrario, nos produce la sensación de que lo vemos de lejos o falto de nitidez por no estar reflejados los detalles ni los contornos muy definidos. De hecho, en una pintura realista, provocar la sensación de atmósfera y por tanto de cercanía y lejanía se resuelve utilizando lo que llamamos perspectiva lineal que es esa sensación de que las líneas paralelas se juntan en la lejanía, como cuando vemos las vías del tren o una carretera, y la perspectiva aérea que es justamente la sensación de atmósfera que consiste en que lo cercano es muy nítido viendo los detalles, contornos nítidos y diferenciados, con fuerte contraste de luz y colores saturados y, en cambio, lo lejano va perdiendo los detalles, los contrastes se suavizan, los contornos dejan de ser nítidos y pueden mezclarse entre si, los colores pierden intensidad y se van agrisando cuanto más lejos estén los objetos o elementos que representemos. No obstante, aunque la sensación sea, en algunos casos, cercana a la fotografía, sabemos diferenciarlo porque acercándonos vemos la pincelada y/o no lo vemos fotográfico sino que se percibe como trabajo manual, sin embargo, al alejarnos si nos puede parecer una fotografía, dependiendo de la manera de resolver del pintor.

Antonio López

Corot

Modesto Trigo

Tere Unsaín

Luís Bascuña

El hiperrealismo es semejante al caso anterior, salvo en que no vemos la huella del pincel y nos parece una fotografía incluso visto a 20 cm del lienzo, más cerca nuestro ojo no puede enfocar normalmente. De hecho perdemos detalle al verlo de lejos. No obstante al resolver esta pintura, según las distancias, dejan de percibirse ciertos detalles que nuestro ojo no percibe, ni una cámara fotográfica con objetivo normal.

Alyssa Monks

David Parris

Eduardo Naranjo

Pedro Campos

El hiperrealismo fotográfico es cuando se supera el hiperrealismo y la visión normal, de manera que aquello que nuestro ojo no es capaz de ver por la distancia, como un cabello separado de la cabellera, la pelusa de la lana, una arruga o los poros o una manchita o un granito o pecas de la piel,  imperceptibles a simple vista, etc. en este tipo de pintura si podemos verlo, aunque esto no es real, quiero decir que a cierta distancia nuestro ojo no es capaz de percibirlo.

Leng Jun

Leng Jun (detalle 1)

Leng Jun (detalle 2)

Leng Jun (detalle 3)

Nestor Canavarro 

Nestor Canavarro (Detalle 1)

Nestor Canavarro (Detalle 2)

Nestor Canavarro (Detalle 3)

En la pintura realista, el pintor lo que hace es interpretar la realidad que tiene delante, y la traduce en manchas de color que suelta sobre el lienzo según su particular manera de hacer, diferenciando en mayor o menor grado unas manchas de otras, más grandes o más pequeñas, con más o menos carga de pintura, fundiendo en mayor o menor grado las diferentes manchas, para que una vez resuelto todo, a mayor o menor distancia del espectador, respecto al lienzo o soporte, la sensación que percibe se acerque a la realidad. No obstante es claramente diferenciada la realidad de la pintura y de una potencial fotografía. Da igual que el pintor tome directamente del natural o se ayude de fotografías. En cualquiera de los casos se interpreta, no se copia.

Pero  en la pintura hiperrealista, normalmente lo que se hace es copiar de una fotografía sin interpretación alguna, hasta la forma desenfocada del fondo tal cual, de manera que ni siquiera veremos la huella del pincel pues todo se matiza para que no haya diferencia alguna entre la fotografía y la pintura, para lo cual se diluye la pintura para darla con el pincel y se dan capas delgadas, transparentes, usando la técnica de veladuras.

En la pintura hiperrealista fotográfica se parte de una fotografía de alta resolución en la cual se perciben con nitidez las arrugas más finas de la piel, los hilos de un bordado o encaje, las pelusas de la lana, los cabellos despegados de la cabellera, los pelos diferenciados de una barba…aunque la foto se haya tomado a más de dos metros. En estos casos el pintor, aunque de manera virtuosa, lo que hace es copiar fielmente la fotografía que, para poder verlo todo con el máximo detalle, se suele hacer bien grande. En algunos casos, se suele ampliar la fotografía a unas dimensiones tales que se ven los píxeles o puntos que el pintor copia religiosamente como si de un escáner se tratase. Imaginad una fotografía en papel a la que observáis mediante una lupa, entonces veréis los puntos de la trama, y vosotros como pintores reproducís en vuestro lienzo esos puntos que veis a través de la lupa.

Lo curioso es que estos pintores se consideran a sí mismos artistas, lo cual es un error, pues artista es el que crea, transforma, modifica, cambia la realidad a su modo. Estos pintores se limitan a copiar lo más fielmente posible lo que ven en la foto, porque si estuviesen mirando al natural, su ojo les impediría ver esos detalles que ellos ansían representar como virtuosos del pincel, por tanto hemos de llamarlos copistas. Copiar está dentro de la artesanía, no del arte.

Pero esto no es lo peor, el copiar fielmente cual escáner humano, pues algunos llegan a un nivel tan exagerado de ser fiel a una fotografía de alta resolución en la que se pueda ver hasta el alma, que viéndose incapaces de llegar tan lejos, la propia fotografía la imprimen sobre lienzo y luego te la venden como si la hubieran pintado ellos. Algunos, para poder decir que es pintura, luego le pegan cuatro brochazos burdos, incluso con colores chillones y discordantes sobre la fotografía y se quedan tan panchos.

Actualmente, dado que estamos en la era digital, tenemos también a pintores digitales, que sustituyen el lienzo por la pantalla de su monitor o tableta y los pinceles por un ratón, puntero o lápiz digital, con el que eligen colores y pinceles digitales con los que trabajan. Normalmente, estos pintores digitales, hacen exactamente lo mismo que los pintores hiperrealistas o hiperrealistas fotográficos, aunque hay una minoría que si crean.

Por todo lo dicho anteriormente, hay una regla, muy importante, que todo contemplador de pintura debe tener en cuenta y ésta es experimentar la distancia del cuadro a la cual le resulta más agradable verlo, pues cada uno según sus gustos y sus ojos debe encontrar su distancia personal.

En pintura, tal como resulta en literatura, el disfrute de la misma es independiente de la calidad de la misma muchas de las veces, pues es muy importante el número de libros leídos y de la amplitud del vocabulario del lector, de sus experiencias personales, de las evocaciones que vive, al leer, de su vida personal, del conocimiento de la materia que trate el libro, etc.

ARÁNTZAZU MARTÍNEZ y CONFIANZA ABSOLUTA: LA BELLA DURMIENTE

Pintora académica de Vitoria, España. Tras licenciarse en la Universidad del País Vasco en el 2000 se trasladó a Nueva York en busca de una formación académica. Allí asistió a la Academia de Arte Figurativo de Nueva York (NYAA) graduándose en el 2002 con la obtención del Máster de las Bellas Artes.

Ese mismo año conoció a su mentor Jacob Collins, fundador de Water Street Atelier, The Hudson River Fellowship y The Grand Central Academy.

Permaneció bajo su instrucción hasta el año 2005 en el Water Street Atelier, donde completó su formación siguiendo el método académico de aprendizaje del siglo XIX.

Encontramos en su trabajo unas composiciones muy cuidadas, una técnica académica donde el tratamiento de la figura humana y de la luz son excepcionales y una temática cercana al Romanticismo y al Simbolismo. La capacidad de recrear un mundo onírico donde la magia y la fantasía forman parte de la realidad es un nexo de unión en su pintura.

Estas cualidades han conseguido que su obra sea reconocida internacionalmente y forme ya parte de proyectos como Star Wars Visions de Lucasfilm Ltd. en el 2009 y La Imagen de Rusia 2012, proyecto en el que ha participado representando a España.

Forma parte del selecto grupo de artistas reconocidos como Maestros Vivos del Arte Figurativo por la ARC y ha recibido el Premio William Bouguereau a la emoción, al tema y a la figura y el Premio Adquisición en el 2013.

En 2015 “Best in Show” otorgado por la Fundación Art Renewal Center por su cuadro “Confianza absoluta: la Bella Durmiente” que presidirá dos exposiciones internacionales. La primera en el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) y la segunda en el Salmagundi Club de Nueva York.

La mayor parte de su trabajo pertenece a colecciones privadas pero podemos ver algunas de sus pinturas en el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM), en Barcelona, España


DESCRIPCIÓN

Esta obra mide 230 x 130cm y está pintada al óleo sobre lienzo.

Lo primero que vemos al mirar el cuadro es una superficie roja amplia que ocupa el centro del cuadro, ésta corresponde a un vestido barroco –compuesto de dos piezas: una el vestido propiamente dicho y otra es como un abrigo- con el que se cubre una dama que está sentada, un poco inclinada, sobre un trono barroco o “Lion King Chair”, llamado así porque las patas son como patas de león abajo y suben terminando en sendas cabezas de león a ras con los brazos del sillón o trono. La joven dama en cuestión parece dormida y evidentemente es bella de rasgos. Dicho trono posa sobre un prisma de obra de baja altura que eleva sobre el suelo sobre unos 20 cm.

La dama tiene una diadema de florecillas en la cabeza y luce en el dedo corazón de la mano izquierda una sortija de pedrería. Su posición inclinada parece forzada por tener apoyado el pié derecho sobre una escultura que hay en el suelo que se cubre el rostro con su mano derecha, pero no queda muy claro de que se trata (Me recuerda a una de las figuras del fresco sobre EL JUICIO FINAL de la Capilla Sixtina) . Su otro pie posa muy cerca de la escultura en el suelo. El cabello parece impulsado por el aire con cuatro mechones ondeando hacia la derecha.

Detrás del respaldo del trono están colocados dos estandartes cuyos mástiles se cruzan en aspa hacia la altura de los hombros de la dama. El estandarte de la izquierda tiene campo blanco sobre el cual vemos un fénix dorado, con las alas extendidas en cruz y una larga e historiada cola. El otro estandarte tiene fondo verde y en el centro hay un círculo amarillo/dorado oscuro con una estrella de cinco puntas entrelazada circunscrita.

Sobre el centro del respaldo del trono posa un búho real posicionado de perfil pero con la cabeza de frente.

En el lateral derecho, asoma desde detrás del trono lo que parece una rueca que estaría relacionada con una gran aguja envuelta con múltiples vueltas de hilo sobre la que posa una paloma situada en la esquina inferior derecha del cuadro.

En las grietas o juntas entre las losas del suelo crecen unas plantas que parecen campestres, solo identifico a la derecha unos cardillos, ¡claro, que yo no soy botánico!

El trono, con la dama sentada, está rodeado con doce palomas que ya suponía antes de contarlas. Siete de las palomas están revoloteando y el resto están posadas, una de ellas en el brazo izquierdo del trono cerca de la mano de la dama. Cuatro de las cinco que están posadas en el suelo miran hacia la izquierda, la quinta está de espaldas al espectador con las alas abiertas formando una cruz, en el borde frontal del prisma soporte del trono.

Al fondo a la izquierda del cuadro, pegado a la pared, vemos un fragmento de una repisa con unas columnas; podría tratarse de la decoración de una chimenea, pero no lo identifico con seguridad.


COMPOSICIÓN

Analizando la estructura compositiva de esta obra vemos que destaca especialmente la dama con su vestido rojo inserta en un triángulo isósceles que en este caso está inclinado por lo que pierde la sensación de equilibrio y adquiere dinamismo, sin quitarle firmeza y seguridad como corresponde a esta figura geométrica.

Seguidamente observamos que la estructura básica está conformada por cuadriláteros rectángulos, salvo el trapecio de la izquierda correspondiente a la repisa. Tenemos una línea, marcada por mí en color violeta, que divide al cuadro en dos partes y está situada muy cerca de la sección áurea. El cuadrilátero central en posición vertical encierra el conjunto de elementos principales como son la figura en su trono, el búho y los estandartes. Vemos como sus lados cortan a seis palomas y una séptima es cortada por la línea del rodapié.

El cuadrilátero transmite la sensación de unidad y estabilidad además, en este caso, dado que su altura es bastante mayor que su anchura, provoca un ritmo ascendente que sublima la escena. Las proporciones de los lados del cuadrilátero que queda abajo, al cortar el cuadro, la línea del rodapie, cumplen la sección áurea.

Hay una figura que se repite seis veces y esta es la cruz, tal como indico en amarillo. Tres en las palomas, dos en el soporte de los estandartes y una en el trono.

Hasta ahora han salido los números 12, 7, 6 y 5. Todos relacionados a palomas pero el cinco referente también a una estrella entrelazada.

El 12 es uno de los números mágicos del esoterismo y está asignado a las constelaciones del zodíaco, los meses, las horas del reloj, las tribus de Israel, los apóstoles de Cristo.

El número 7 también es mágico pues son los pecados capitales, los días de la semana, la duración de cada ciclo lunar es de 28 días y al considerarse 4 fases diferenciadas nos dan 7 días para cada fase. Resultado de la suma de 3+4 donde 4 son los puntos cardinales y representa al planeta y 3 es el triángulo, la Trinidad que representa a Dios. El número 6 se corresponde con la estrella judía de seis puntas formada por dos triángulos equiláteros entrelazados.

Los propios estandartes conforman unas figuras romboidales y el respaldo del trono sugiere varios cuadriláteros rectángulos aunque apuntamos solo uno. Como dijimos arriba, el cuadrilátero transmite la sensación de unidad y estabilidad; la forma romboidal le da dinamismo.

Aunque de una manera sutil, podemos ver un conjunto de líneas rectas que son radiales a la figura principal que dan la sensación de expansión, grandiosidad, gloria, esplendor, devoción…

Centrándonos en la estructura creada por el vestido podemos percibir la forma de una “M” y otra de un corazón. Si unimos estos dos símbolos al hecho de que está pisando una figura con el pié derecho nos recuerda mucho a ciertas representaciones de la Virgen María, en especial las de Murillo. Podemos considerar las curvas del corazón como abierta o cerrada.

También encontramos figuras ovales que representan delicada tranquilidad femenina, majestuosidad y grandiosidad. Por tanto, la dama, el búho/lechuza y el trono son grandiosos, donde recoge también la rueca.

Estas cuatro palomas marcadas en amarillo miran hacia la derecha, otras cuatro miran a la izquierda, dos de espaldas y otras dos de frente. Lo que confiere un gran equilibrio a este gesto de la posición de las palomas.

Conjugamos aquí todas las líneas y figuras que hemos observado y analizado para que quede claro que nada es casual en la concepción y realización de esta obra sino el resultado de una profunda reflexión previa.

Podemos añadir que a pesar del aparente estatismo de la figura, es justo todo lo contrario pues su posición inclinada hacia el lado derecho, en línea con el mástil del estandarte verde, el cabello ondeando y las palomas revoloteando dan un gran dinamismo al conjunto de la obra.

COLOR

Analizando el color, está claro que dominan el rojo y el negro arropando este último al primero con multitud de matices que enriquecen la paleta. Todo lo demás que contiene el cuadro es una variada y rica gama de grises, sean estandartes, lechuza, suelos y paredes con ligeros toques verdes que representan las hierbas que crecen entre las baldosas del suelo. Especialmente bella desde el punto de vista cromático es la pared con colores tornasolados que son un puro deleite.

El color rojo tiene muchos significados posibles pero aquí podríamos aplicar los de bondad, amor, furia, valor, pasión…

El color amarillo o dorado del fénix y del círculo que encierra a la estrella de cinco puntas, se le atribuye sabiduría, riqueza, gloria y esplendor.

El color negro significa duelo, riqueza, gala y, unido al rojo, como es el caso, da poder físico y este suele dar CONFIANZA.

El color de fondo de la pared podríamos interpretarlo como un azul muy claro que significa claridad de pensamiento, pureza y dulzura.

El color blanco, además de pureza, significa inocencia y modestia. Las palomas son blancas.

Lo cierto es que todo esto son atributos que se dan a los colores tanto desde el plano esotérico como desde la psicología.

BASES DEL CUENTO

El cuento de la BELLA DURMIENTE es por si mismo una enseñanza esotérica que nos habla de la ignorancia y la inconsciencia que nos lleva al desastre hasta destruir la vida y como gracias a la ayuda del iniciado puede despertar la inteligencia dormida para alcanzar la plenitud.

No obstante, hay tres versiones Giambattista Basile , Charles Perrault y Jacob y Wilhelm Grimm. La de Walt Disney mezcla cosas de estas tres y cada uno de ellos da un significado a este cuento.

Tenemos la rueca semiescondida y esa aguja con hilo envuelto sobre el que posa una paloma, este es el huso con el que se pincha la princesa que le produce el largo sueño debido a la maldición del hada mala.


OTROS SÍMBOLOS

ESTRELLA DE CINCO PUNTAS

La estrella de cinco puntas es uno de los símbolos cuyo empleo en masonería es muy común, su origen como emblema es derivado del PENTALFA DE PITAGORAS, palabra que deriva del Griego PENTA, es decir cinco, y de ALFA, primera letra de dicho alfabeto, que afecta la figura de un triangulo pequeño. El PENTALFA es una figura geométrica construida por los Pitagóricos, quienes tomaron como base un triángulo, y así uniendo cinco de estas figuras sobre un pentágono, formaron la estrella de 5 puntas.

Después de que Pitágoras introdujo este símbolo entre las enseñanzas de sus discípulos, los cristianos primitivos usaron la estrella de cinco puntas como emblema de las cinco heridas del salvador, y su inscripción es bajo la representación del cuerpo Humano.

La Estrella de cinco puntas es representativa del cuerpo humano. En ella están marcadas las cinco extremidades del Hombre, sus cinco sentidos y los cinco elementos naturales de los seres animados, la Materia, El Espíritu, El Alma, La Fuerza y La Vida.

La interpretación física nos indica que en el cuerpo humano se concentran cinco fuerzas o elementos que la naturaleza impone para perpetuar su acción en el mundo, las cuales son la Tierra, El Agua, El Aire, El Fuego y El tiempo.

EL FÉNIX

Es un ave mitológica del tamaño de un águila, de plumaje rojo, anaranjado y amarillo incandescente, de pico y garras fuertes. Se trataba de un ave fabulosa que se consumía por acción del fuego cada 500 años, para luego resurgir de sus cenizas. Según algunos mitos, vivía en una región que comprendía la zona del Oriente Medio y la India, llegando hasta Egipto, en el norte de África. Muy presente en la poesía árabe.

El fénix es símbolo de las personas que salen adelante a pesar de todo.

EL BÚHO/LA LECHUZA

Desde la Antigüedad hasta nuestros días, se la considera la contrapartida simbólica del Águila por ser un ave nocturna que no tolera la luz solar. Mientras que en Egipto y la India era uno de los muertos, en otros lugares su grito inquietante era presagio de desgracias. En china tenía un papel atemorizante, relacionado con el rayo (que ilumina la noche) con el tambor (que rompe la tranquilidad de la noche) y la destrucción.

Por su capacidad de ver en la oscuridad y por considerársele como animal de aspecto serio y pensativo, es también símbolo de sabiduría que traspasa la oscuridad de la ignorancia. Con ello se convirtió en atributo de Atenea, la diosa griega de las Ciencias.

Para los cristianos, es un animal impuro y está considerado símbolo de las tinieblas del espíritu y esto es normal, ya que para los cristianos, todo animal que tenía una virtud positiva en otras creencias, pasa a tener un significado negativo en la suya.

Los druidas fueron quienes siempre sostuvieron que el búho era el ave que iba a ayudar a traer a sus mentes la lucidez necesaria, como así la intuición y el don de la adivinación.

SIGNIFICADO GLOBAL

La dama joven sentada en el trono y dormida es LA BELLA DURMIENTE y tiene la rueca detrás de ella y el huso delante en el cual se posa una paloma blanca, símbolo de pureza, inocencia e ingenuidad. El anillo y la diadema de pedrería ratifican que es princesa. El búho nos indica que despertará a la sabiduría y que todo el simbolismo aquí existente es esotérico por lo cual se suma el fénix que simboliza el renacer, la preparación iniciática y la estrella de cinco puntas que representa al ser humano que trasciende. Las palomas, aparte de pureza e inocencia por ser blancas, al ser doce nos llevan a uno de los números mágicos por excelencia según expusimos, así como el tres, el cuatro, el cinco, el seis y el siete, incluyendo aquí, por tanto, la numerología.

Así podemos resumir que la bella durmiente, al despertar a la sabiduría, gracias a la iniciación esotérica, alcanza también la CONFIANZA ABSOLUTA.

Añadimos estos enlaces para que amplíen su conocimiento sobre esta gran pintora que es ARÁNTZAZU MARTÍNEZ.



https://www.facebook.com/arantzazu.martinez1?fref=ts

http://www.arantzazumartinez.com/bio.html

http://arantzazumartinez.com/

VENECIA CELESTIALES 195X195 JOSEP FRANCÉS

Josep Francés Anaya (Alzira, 1959). Cursa estudios de arte en la academia Galatea de Valencia. Años después estudia interiorismo y arquitectura en la escuela de Artes Aplicadas de Valencia. Su trabajo de restauración arquitectónica le lleva a ver la posibilidad de transferir su trabajo a sus cuadros. Una de sus facetas más interesantes es su participación en concursos de pintura rápida al aire libre en los que en pocas horas se adquiere una gran destreza en técnicas de pintura que después aplica a sus obras de estudio. Expone en Salas de arte de España y Francia, pero es a partir de 2005 cuando empieza a participar en certámenes de pintura nacionales e internacionales, cuando cambia por completo su pintura, y se convierte en una pintura de claro carácter constructivista. En sus obras Francés refleja en cuadros de gran tamaño series de ciudades del mundo, transportando su carácter cosmopolita a sus obras y consiguiendo con ello el reconocimiento en infinidad de premios tanto nacionales como internacionales. En el año 2013 es seleccionado para pertenecer al grupo Artevalencia. (Wikipedia)

VENECIA CELESTIALES 195X195

Foto real de la basílica de Santa María della Salute

VENECIA CELESTIALES 195X195

Esta es una obra grande pero también es una gran obra. En ella se representa la iglesia Santa María della Salute de Venecia como elemento soporte de la obra y produce la sensación de que la ha sometido a una radiografía para ver su esqueleto en ciertas zonas. También parece como si sobre el dibujo técnico arquitectónico, donde vemos líneas de construcción de la estructura, se hubieran superpuesto fragmentos fotográficos de la iglesia en su visión externa. En el fondo superior vemos un cielo nuboso y en la parte inferior podemos ver EL GRAN CANAL, en el cual flotan tres góndolas juntas, pegadas la una a la otra y vemos la proa de otras dos separadas  a la derecha. En la parte inferior de la base de la iglesia, parecen faltar trozos en forma de cuadriláteros que nos permiten ver las aguas, lo que nos lleva a la conclusión de que la iglesia es un trampantojo que nos cubre toda la visión salvo las góndolas, las cuales tienen un tamaño muy grande con respecto a la iglesia, lo que reafirma la idea de trampantojo.

También nos produce la sensación de que es una composición simétrica pero es otro engaño, y la idea se rompe en cuanto analicemos los elementos de la derecha respecta a la izquierda. El eje central vertical no es la línea multicolor que tanto destaca sino una línea paralela casi blanca que hay a la derecha, nuevo engaño. La línea que marca la altura del triángulo del frontón, al ser éste más saliente, está desplazado a la derecha de este eje.

Este trampantojo parece pintado sobre un gran tablero de fondo negro que llega ligeramente por debajo de la proa de las góndolas. Hacia abajo aún vemos a izquierda y derecha unos paneles azules que no nos permiten ver lo que hay detrás. Todo esto nos hace creer que el soporte, me refiero al lienzo del cuadro, no es un cuadrado aunque realmente lo es, pues provocaría una sensación de neutralidad o equilibrio dinámico, sino un rectángulo en posición vertical que produce la sensación de dinamismo y de ascensión.

Esta sensación de ascensión se ve reforzada por los desnudos encaramados en el edificio presuntamente flotando pero vuelve a engañarnos ya que solo el desnudo central superior tiene alas de ave y que es el único que reposa con sus pies en la cúpula, enganchadas a él hay otras dos figuras en posición simétrica que si flotan. Enganchadas a la zona de apoyo de la figura central con un solo brazo, hay dos más flotando, siguiendo más o menos la simetría y por debajo hay otras dos, una a cada lado, estando la de la izquierda un poco más arriba que la de la derecha.

Los desnudos nos pueden recordar a Miguel Ángel pero es falso, pues el diseño no tiene nada que ver, pues son mujeres muy delgadas que se asemejan más a LA VENUS DEL ESPEJO de Velázquez. La figura de la izquierda parece estar de rodillas y la sustentan unas alas mecánicas que recuerdan a algunos de los diseños de Leonardo da Vinci. La figura de la derecha parece estar en cuclillas, pero lo que nos hace creer en unas alas, como las correspondientes a la figura de la izquierda, es otro engaño, pues solo están trazadas dos líneas curvas que se cruzan en aspa justo en el cuello.

Estas figuras desnudas son como si hubieran tomado vida las esculturas en forma de ángeles  que se posan en la iglesia, por encima de los frontones. No obstante el tamaño de las mismas, tampoco son proporcionales entre si, ni en relación al edificio. Son equivalentes dos a dos y la central con las dos inferiores.

También vemos unas líneas inclinadas que parecen ser líneas de fuga pero no todas lo son. Observad las que salen de las zonas rectas del edificio y las que no.

En la parte superior por encima del presunto ángel de alas de ave que construyen una cruz, se insinúa otra cruz en azul pero en realidad tampoco lo es.

En la parte inferior nos encontramos con otra falsedad, otra contradicción: Las aguas donde reposan las góndolas están tranquilas y reflejan, como si se tratara de un espejo en sutil movimiento, el cielo y las luminosas nubes. Pero un poco más hacia el fondo, a partir de las proas de las góndolas, vemos unas aguas diferentes y con oleaje más que suficiente como para que las de primer plano no estén quietas.

En resumen vemos que la manera de realizar la composición, el artista, es provocando sensaciones falsas, es jugando al engaño, insinuando cosas que en realidad no son lo que aparentan. Dado que gran mayoría de sus obras encarnan edificios y ciudades observados desde diferentes perspectivas, cabe pensar que sus estudios de arquitectura tienen mucho que ver con ello.

Si atendemos a las figuras geométricas que intervienen en la composición hemos de distinguir entre las propias del edificio y las creadas por el pintor.

La iglesia fue diseñada en el estilo barroco de moda entonces por Baldassare Longhena , que estudió con el arquitecto Vincenzo Scamozzi . La construcción comenzó en 1631. La mayor parte de los objetos de arte alojados en la Iglesia hacen referencia a la peste negra.

La cúpula de la Salute fue una importante adición a la línea del horizonte de Venecia y pronto se convirtió en emblema de la ciudad, inspirando a artistas como Canaletto , JMW Turner , John Singer Sargent , y Francesco Guardi .(wikipedia)

Como puede observarse se compone de triángulos isósceles, cuadriláteros rectángulos y semicírculos. Los frontispicios están rematados por un frontis triangular del cual caen sendas columnas corintio con fustes sin estrías a diferencia de las genuinas griegas.

Los triángulos producen la sensación de estabilidad, seguridad, grandiosidad y equilibrio; los cuadriláteros rectángulos unidad y estabilidad; los círculos regularidad y equilibrio; las formas verticales exaltación, ascensión, miras elevadas, fuerza, permanencia y es estimulante. Por tanto son atributos que explican por si solos, en su combinación, las sensaciones transmitidas de forma subliminal por este tipo de edificios, así pues muy apropiados para un templo religioso.

En cuanto a la composición creada, veamos sus elementos más importantes:

Aquí vemos la iniciación de un círculo pero solo está trazado un cuadrante considerando un tono en la nube que parece continuar la curva

Este segundo arco es en realidad medio cuadrante

El arco correspondiente a un sector azul del lado derecho es aún menor de los anteriores y los centros de cada círculo están en diferentes posiciones.

Las líneas que he marcado de rojo son las únicas que corresponden a cónicas de las zonas del edificio

Estas tres góndolas están situadas en el primer plano conformando una especie de elipse u ojiva y alineadas de tal manera que sus ejes se encuentran en un punto más arriba como si fueran otras cónicas cuyo punto de fuga nada tiene que ver con el horizonte. Por tanto son ficticias, forzadas o artificiales.

Una forma oval viene a provocar sensaciones de delicada tranquilidad femenina, majestuosidad, grandiosidad…pero las ojivas son otra cosa y con otros significados…

De la punta de la proa de la cuarta góndola parten dos líneas divergentes que llegan a tocar sendos arcos de medio punto sin que tengan justificación alguna, al igual que otras líneas verticales, horizontales e inclinadas existan en el portón principal, en la cúpula y en las hornacinas, las cuales son un señuelo para que creamos que corresponden a la estructura o esqueleto del diseño de la iglesia pero yo no les veo coherencia.

Entre la figura central situada arriba y las dos inferiores se construye un triángulo isósceles pero volcado por lo que la sensación de estabilidad, seguridad y equilibrio se pierden pero queda grandiosidad que une a los tres ángeles mayores y únicos con alas o análogas a tales.

Desde el punto de vista cromático las armonías fundamentales están ligadas a los colores azul y naranja que como son complementarios además de uno frío y el otro cálido hacen a los naranjas luminosos y salientes. También veremos unos toques de rojo y violeta con pequeñas variaciones al verde.

La luz parece proceder desde un punto alto en el eje vertical central de la composición salvo para el ángel del centro que parece recibirla algo más frontal. Las cuatro figuras sin alas parecen condenadas a caer en la cúpula, mientras los dos ángeles de alas mecánicas vigilan para que ocurra lo que haya de ocurrir.

En síntesis, tenemos una gran obra con una composición muy elaborada, dinámica y con gran armonía lineal y de formas así como de los colores. Una obra que puede hacer creer que es muy espiritual al aparecer iglesia y ángeles, pero más bien se trata de un proceso de depuración o castigo.

Para quienes quieran saber más de este magnífico pintor podéis visitar estos enlaces.

http://josep-virtuality.blogspot.com.es/

https://www.facebook.com/JosepFrancesArtista

http://www.galerialatira.com/exposiciones/josep-franc%C3%A9s/