martes, 21 de abril de 2015
EXPOSICIÓN "HOMENAJE A ANA MARÍA MATUTE"
Unas 30 obras entre pinturas, fotografía, dibujos y esculturas que se exponen en la Casa de Cultura de Valdemorillo en un marco inigualable unos antiguos hornos para cocer cerámica. Todos los artistas pertenecen a la Asociación LA CIGÜEÑA que presido.
sábado, 14 de marzo de 2015
TERE UNSAIN y “EMPEZANDO”
Nació en Barcelona el 24 de Noviembre de 1952. En 1975 se
licenció en Historia del Arte por la Universidad de Filosofía y Letras de
Barcelona y ese mismo año obtuvo el título de Muralista y Maestro de Taller por
la Escuela de Artes y Oficios de esa misma ciudad.
A partir de 1977 monta su propio estudio y se dedica
exclusivamente a la pintura. En 1980 se traslada a vivir a Valencia y de 1997 a
1999, el cáncer de su marido le abrirá otras trayectorias artísticas que a su
muerte intensificará ampliándolas más y desarrollando de lleno el Fusionismo.
Actualmente reside en Valencia.
Ha realizado multitud de murales tanto para entidades
oficiales como privadas, así como exposiciones
y también ha realizado retratos
para personas de relevancia como Don Juan de Borbón.
Sus obras forman varias series definidas por la temática y
el tratamiento del tema en si. Podemos ver sus retratos sobre madera o sobre aluminio, retratos con
secretos o subliminales, toros, paisajes y una serie dedicada a los ojos.
También utiliza técnicas mixtas y realiza diseños y esculturas.
Personalmente lo que más me impresiona son sus retratos
murales que conforman un políptico poniendo en cada parte una figura, pudiendo
reunir así a toda una familia y distribuyendo esta pintura mural por paredes
según el espacio disponible que podrían ir todas juntas, por grupos o sueltas.
EMPEZANDO
Esta obra es un tríptico pintado a la encáustica sobre tabla
cuyas medidas totales son 330x120 cm y está en Ginebra. El título hace alusión
a la juventud de los retratados, pues aunque parezca otra cosa este cuadro es
un retrato de grupo al estilo “unsainiano” cuyos protagonistas son suizos,
hijos de padre catalán y madre suiza.
Está compuesta por tres figuras vestidas, tres jóvenes sentados
sobre algo que no vemos y visionados desde las rodillas hacia arriba. Su pose
es distendida y solo la figura central mira hacia el espectador y sonríe, de
frente; las otras dos figuras giran su cabeza y su mirada hacia el centro, o
mejor dicho, el de la izquierda hacia la derecha y el de la derecha hacia la
izquierda pues no miran el centro del cuadro sino que miran hacia el exterior
en miradas cruzadas. Realmente una figura es simétrica a la otra, aunque no
totalmente pues cambian la posición de los brazos. A pesar de esa simetría,
hábilmente se rompe variando las distancias
respecto al centro del cuadro y en la posición relativa respecto a la
figura de en medio que no es precisamente central. Sin embargo si están
centradas las líneas compositivas que estructuran el fondo del cuadro.
Un cielo en el atardecer que tiñe de color naranja todo el
cuadro, y una ciudad que es Barcelona vista desde el Montjuich, se ve abajo
llena de rascacielos por doquier con una densa atmósfera al fondo, tal vez
humos industriales, en el lado izquierdo, y el mar en el lado derecho bastante
diáfano.
Los cuerpos de los retratados parecen transparentarse en
ciertas zonas o se ven impregnados del color de fondo.
Desde el punto de vista cromático, el color predominante es
el naranja que contrasta con su complementario el azul haciendo reverberar el
color y dándole una luminosidad inigualable. También apreciamos el gran ojo y
capacidad técnica para llenar de matices de colores cualquier zona del cuadro,
pues aunque predominen los dos colores antedichos, hay rojos, verdes, amarillos
y violáceos en multitud de matices, casi imperceptibles en esta foto, pero he
podido ver en “detalles” de otras obras, la fantástica mezcla de puntos de
color y superposiciones de una riqueza cromática muy difícil de imitar.
Analizando la composición de esta obra os presento los
esquemas lineales principales que la estructuran.
De la línea de horizonte hacia abajo vemos como está
conformada por varios triángulos. El central es isósceles y los laterales son
rectángulos, los triángulos y en especial el isósceles nos transmiten, a nivel
subliminal, la sensación de grandiosidad, seguridad y equilibrio que
impregnan este cuadro.
Pero a la
vista de la parte superior todas esas líneas en conjunto con las de la parte
inferior se transforman en rectas radiales que se perciben como expansión,
esplendor, libertad y guían la mirada
hacia el centro que sugieren concentración, poder y unidad.
Atendiendo
a las figuras vemos que las dos extremas están enmarcadas en sendos
cuadriláteros trapezoidales que nos transmiten unidad y estabilidad y al estar
inclinados también dinamismo y son simétricas entre sí pues producen efecto
espejo. La figura de en medio está inserta en un triángulo isósceles por lo que
esta figura es preponderante sobre las otras dos pues se infiere grandiosidad,
seguridad y equilibrio, de donde deduzco que podría tratarse del hermano mayor.
Pongo esta
foto de una obra llamada Luís para que se vea el tipo de tratamiento que Tere llega a plasmar en una superficie que a cierta distancia y en fotos,
que no sean de detalle, nos puede hacer creer que es lisa y de color uniforme.
Para que ustedes puedan gozar de otras obras y aprender
sobre la forma de pintar de esta magnífica pintora llamada Tere Unsain les
apunto estas webs y blogs y un revelador vídeo.
¡Que ustedes lo disfruten!
miércoles, 11 de marzo de 2015
LA NUEVA BANCA, EL ARTE “MIERDA”
Se habla mucho de ARCO y del “arte de vanguardia” y de lo incomprensible que resulta que tanta “mierda” se venda por tanto dinero. Desde la MIERDA DE ARTISTA ENLATADA de Piero Manzoni hasta hoy pienso que se ha vendido mucha “mierda” y de mis elucubraciones mentales he llegado a esta conclusión:
ARCO, en mi opinión, es la nueva banca con una moneda nueva -las presuntas obras de arte- que como tal moneda, no es necesario que sea buena sino que basta con que todo el mundo esté de acuerdo con su valor y acepte las reglas del juego. Una de las reglas es que cuando cambie de mano ha de subir su valor de forma automática. La otra, como cualquier moneda, su valor intrínseco debe ser muy inferior a su valor de mercado. De acuerdo con la ley máxima del capitalismo, un objeto tiene el valor que alguien está dispuesto a pagar por él y por ello, aunque sea una mierda, en todas las acepciones que este vocablo posee, la gente que tiene mucho dinero está dispuesta a pagar un alto precio con tal de que pasado un tiempo, sea un mes, un año o varios, obtenga buenos beneficios al revenderlo. Creo que no hay más en este "mercado", solo especulación, blanqueo de dinero, tráfico de capitales, etc.etc. y "mucha mierda".
Ahora díganme ustedes que les parecen estas "obras".
sábado, 21 de febrero de 2015
Juan Lobatón y “En Camino de Nadie”
Juan Lobatón nació en 1967 en Jerez de la Frontera,
Cádiz pero vive y trabaja en Madrid (España)
Es Doctor en Bellas Artes,
especialidad Dibujo (Madrid) y Licenciado en Bellas Artes, especialidad Pintura
(Sevilla). Investigador en la restauración y conservación del patrimonio
escultórico por la universidad de Sevilla.
Ha sido galardonado entre los cuarenta
mejores pintores del mundo, en International Art Competition 1989 (New York)
Yo pienso que podría doctorarse en
Pintura y especialmente en Acuarela y la obra que presento y analizo está
resuelta en esta técnica.
Para quienes son neófitos en tipos de
pintura y técnicas aplicables a cada tipo expondré que la acuarela se
caracteriza porque el medio es agua y el color es transparente, por tanto lo
más duro es controlar el agua y como el color lo absorbe el papel, si el pintor
se equivoca, es difícil de corregir y en muchos casos es imposible, por tanto
hay que tener un buen control del pincel y del color.
EN CAMINO DE NADIE es una obra que
mide 70x50 cm
Vemos a una señora de apariencia
gitana por su vestimenta y pañuelo a la cabeza, rodeada de tres niños en tierra
y con uno en brazos. Las edades son cercanas entre si, en escala, y la niña
mayor sujeta con la mano a la más pequeña. En el lado derecho de la señora está
el niño mayor en el suelo y el más pequeño en brazos, aunque parece aún más
pequeña la niña que está en el centro. La señora aparenta sobre unos 50 años lo
que hace suponer que es la abuela, máxime considerando que las mujeres de etnia
gitana son madres a edad muy temprana.
Están cerca de un riachuelo que discurre por detrás. El sol parece estar
en el cénit, ligeramente girado al lado derecho del cuadro y está muy bien
representada la luz veraniega por el alto contraste de luces y sombras. Se
puede observar el detalle de la transparencia de las sombras en las cabezas y
ropas pero destaca en especial en la sombra proyectada en el suelo por el grupo
de figuras, en el lado izquierdo del cuadro.
Desde el punto vista cromático, el
fondo está cubierto de colores fríos y el conjunto de figuras, salvo el
pantalón del niño en brazos destacan los cálidos especialmente el rojo que está
en todas las figuras salvo en la niña pequeña que viste de color rosa. Destaca
la figura de la señora con la blusa blanca y también el vestido moteado de
flores rojas. El color rojo y sus variantes crea un ritmo cromático al aparecer
en todas las figuras. Las carnaciones están llenas de matices de diversos
colores violáceos, verdes, azules y rojos que yo pueda apreciar, superpuestos
sobre la mezcla del color base.
Las formas y volúmenes, por lo que
aprecio en la foto, están resueltos de manera bastante simplificadas como puede
observarse especialmente en las manos, los ojos y el cabello.
La línea de horizonte está muy alta,
cercana al borde superior, lo que hace que la escena se vea desde arriba y haga
que especialmente la niña pequeña la veamos en escorzo pues el observador está
muy cerca de ellos. Las cabezas también crean un ritmo de formas y luego crean,
compositivamente hablando, varias figuras geométricas.
Si analizamos la estructura de la composición
de esta obra nos encontramos con que el conjunto de figuras están situadas
dentro de un triángulo isósceles cuyo significado es grandiosidad, seguridad y
equilibrio, tal como se desprende de la posición y gestos del grupo de figuras
donde la señora sujeta por el hombro a la niña mayor como dándole seguridad y
es grandioso ese gesto protector sobre los niños y su cariño.
También vemos como las cabezas pueden
enmarcarse dentro de un óvalo vertical provocando la sensación de delicada
tranquilidad femenina que transmite a los niños y a su vez su figura emana
majestuosidad y grandiosidad.
Observamos que las cabezas a su vez se
pueden asociar fundamentalmente con dos triángulos uno rectángulo y el otro
isósceles que, como ya hemos dicho producen sensación de grandiosidad y
seguridad.
Aún podemos inferir más triángulos correspondientes a las zonas del fondo, por tanto reforzando esas mismas sensaciones que ya hemos descrito.
En síntesis una gran obra resuelta con
pocos medios pero con muchos recursos para dar como resultado una obra
armoniosa que nos transmite el cariño y protección que esta señora da a los
niños.
El título, interpreto que se refiere a
los lugares y espacios que suelen ocupar esta etnia nómada: tierras y caminos
de nadie.
Antonio Sánchez-Gil
Antonio Sánchez-Gil
domingo, 15 de febrero de 2015
jueves, 12 de febrero de 2015
domingo, 8 de febrero de 2015
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