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viernes, 1 de mayo de 2015

HERNAN JAVIER MUÑOZ y "EL ALMA NOS MIRA"

Nació en Buenos Aires y vive en Mataderos Distrito Federal de Argentina es un pintor autodidacta y realiza el llamado realismo fantástico. Esta es toda la información que he conseguido recopilar por Internet pues no documenta sus obras ni tiene web propia.

La obra que presento EL ALMA NOS MIRA, mide 100x90 y está resuelta al óleo sobre lienzo.
Vemos a una figura femenina semidesnuda con una vara de madera apoyada en el hombro derecho y con el antebrazo sujetándola, está sentada sobre una superficie de madera u otro material resquebrajado que tiene hacia el centro como una muesca de un fragmento de cilindro en forma entrante y parece complementar con un elemento equivalen que está detrás con un jarrón azul de porcelana por encima de su superficie, flotando, y este elemento posee en sentido vertical un semicilindro en forma saliente que podría acoplarse con el elemento anterior. En el brazo derecho lleva una pulsera como un aro metálico y esta pulsera tiene como un anillo en la parte superior con un punto brillante. Al cuello lleva una cadenilla o cuerdecilla de la que pende una piedra azul. La figura mira de frente al espectador con actitud serena.

Sobre la superficie existen varios objetos: una orza de barro agrietada sobre la cual se apoya un libro, un paño rojo sobre el que se sienta la figura y un puchero o jarra de barro.




El fondo del cuadro es una especie de cielo nuboso en colores rojizos, siena tostada, siena natural y azul turquesa. El resto está impregnado del siena tostada a excepción del jarrón de china blanco con dibujos en azul. Luego está el paño rojo, la sábana que cubre ciertas partes del cuerpo en colores azules grisáceos con matices rojo-violáceos. El puchero delante del cuerpo es fundamentalmente color siena natural con los toques rojizos en las sombras. Las carnaciones se ven bañadas de una luz intensa pero con sombras suaves y transparentes, las sombras tienen tintes siena tostada y ocres, por tanto las armonías son tomando como base el siena tostada y contrastan los azules y el rojo bermellón.

Desde el punto de vista compositivo al trazar las diagonales, podemos observar que las dos se cruzan exactamente en el borde superior de la pulsera y donde se une a un anillo superpuesto que tiene un punto brillante que cruza dicha diagonal. Una es tangencial al borde superior del puchero y la otra es tangencial al extremo derecho de la base de la orza, es tangencial a toda la longitud del antebrazo y cruza el labio superior por el centro, siendo casi paralela a la vara que sujeta la figura.




La figura está inscrita en un triángulo y vemos que el lado que va desde la punta del dedo gordo del pié hasta la cabeza pasa por el punto brillante del anillo unido a la pulsera. La vara forma otro triángulo interior con los otros dos lados del primero.





Vemos que aún hay más triángulos, isósceles y rectángulo, aunque solo señalo los principales





Los tres “jarrones” forman otro triángulo y crean un ritmo al repetirse estos elementos semejantes. Estas mismas figuras triangulares, ocultas en la construcción de la composición, crean ritmos armónicos que hacen agradable la misma. También hay que considerar el mensja subliminal de los triángulos que nos indican grandiosidad, seguridad y equilibrio.





Pero el ritmo geométrico es claro al comprobar estos cuatro óvalos que además de dar sensaciones de tranquilidad femenina y delicadeza también inducen a la grandiosidad lo que corrobora la expresión de la figura aquí representada.





En resumen ésta es una obra bien pensada desde el punto de vista de valores pictórico, con unas formas resueltas de forma hiperrealista donde el semidesnudo es una excusa para plasmar un compendio de armonías de color, de líneas y de formas, dando una lección de lo que es hacer pintura con conocimientos sólidos sobre la misma, para el disfrute psíquico del buen aficionado a la contemplación de auténticas obras de arte en contraposición a ciertos vanguardismos.

Aquí tenéis dos direcciones para que disfrutéis de otras obras de este magnífico pintor. 

  




lunes, 27 de abril de 2015

CURIOSIDARIO Y MIS TRABAJOS




Hace unos meses comencé una colaboración con CURIOSIDARIO donde me publican trabajos de análisis de obras famosas de la pintura. Es una revista especialmente dotada para análisis de la lengua española pero tiene gran variedad de elementos de otro tipo.



martes, 21 de abril de 2015

EXPOSICIÓN "HOMENAJE A ANA MARÍA MATUTE"

Unas 30 obras entre pinturas, fotografía, dibujos y esculturas que se exponen en la Casa de Cultura de Valdemorillo en un marco inigualable unos antiguos hornos para cocer cerámica. Todos los artistas pertenecen a la Asociación LA CIGÜEÑA que presido.
























sábado, 14 de marzo de 2015

TERE UNSAIN y “EMPEZANDO”


Nació en Barcelona el 24 de Noviembre de 1952. En 1975 se licenció en Historia del Arte por la Universidad de Filosofía y Letras de Barcelona y ese mismo año obtuvo el título de Muralista y Maestro de Taller por la Escuela de Artes y Oficios de esa misma ciudad.
A partir de 1977 monta su propio estudio y se dedica exclusivamente a la pintura. En 1980 se traslada a vivir a Valencia y de 1997 a 1999, el cáncer de su marido le abrirá otras trayectorias artísticas que a su muerte intensificará ampliándolas más y desarrollando de lleno el Fusionismo. Actualmente reside en Valencia.
Ha realizado multitud de murales tanto para entidades oficiales como privadas, así como exposiciones  y  también ha realizado retratos para personas de relevancia como Don Juan de Borbón.
Sus obras forman varias series definidas por la temática y el tratamiento del tema en si. Podemos ver sus retratos sobre  madera o sobre aluminio, retratos con secretos o subliminales, toros, paisajes y una serie dedicada a los ojos. También utiliza técnicas mixtas y realiza diseños y esculturas.
Personalmente lo que más me impresiona son sus retratos murales que conforman un políptico poniendo en cada parte una figura, pudiendo reunir así a toda una familia y distribuyendo esta pintura mural por paredes según el espacio disponible que podrían ir todas juntas, por grupos o sueltas.

EMPEZANDO
Esta obra es un tríptico pintado a la encáustica sobre tabla cuyas medidas totales son 330x120 cm y está en Ginebra. El título hace alusión a la juventud de los retratados, pues aunque parezca otra cosa este cuadro es un retrato de grupo al estilo “unsainiano” cuyos protagonistas son suizos, hijos de padre catalán  y madre suiza.
Está compuesta por tres figuras vestidas, tres jóvenes sentados sobre algo que no vemos y visionados desde las rodillas hacia arriba. Su pose es distendida y solo la figura central mira hacia el espectador y sonríe, de frente; las otras dos figuras giran su cabeza y su mirada hacia el centro, o mejor dicho, el de la izquierda hacia la derecha y el de la derecha hacia la izquierda pues no miran el centro del cuadro sino que miran hacia el exterior en miradas cruzadas. Realmente una figura es simétrica a la otra, aunque no totalmente pues cambian la posición de los brazos. A pesar de esa simetría, hábilmente se rompe variando las distancias  respecto al centro del cuadro y en la posición relativa respecto a la figura de en medio que no es precisamente central. Sin embargo si están centradas las líneas compositivas que estructuran el fondo del cuadro.



Un cielo en el atardecer que tiñe de color naranja todo el cuadro, y una ciudad que es Barcelona vista desde el Montjuich, se ve abajo llena de rascacielos por doquier con una densa atmósfera al fondo, tal vez humos industriales, en el lado izquierdo, y el mar en el lado derecho bastante diáfano.
Los cuerpos de los retratados parecen transparentarse en ciertas zonas o se ven impregnados del color de fondo.
Desde el punto de vista cromático, el color predominante es el naranja que contrasta con su complementario el azul haciendo reverberar el color y dándole una luminosidad inigualable. También apreciamos el gran ojo y capacidad técnica para llenar de matices de colores cualquier zona del cuadro, pues aunque predominen los dos colores antedichos, hay rojos, verdes, amarillos y violáceos en multitud de matices, casi imperceptibles en esta foto, pero he podido ver en “detalles” de otras obras, la fantástica mezcla de puntos de color y superposiciones de una riqueza cromática muy difícil de imitar.
Analizando la composición de esta obra os presento los esquemas lineales principales que la estructuran.



De la línea de horizonte hacia abajo vemos como está conformada por varios triángulos. El central es isósceles y los laterales son rectángulos, los triángulos y en especial el isósceles nos transmiten, a nivel subliminal, la sensación de grandiosidad, seguridad y equilibrio que impregnan este cuadro.



Pero a la vista de la parte superior todas esas líneas en conjunto con las de la parte inferior se transforman en rectas radiales que se perciben como expansión, esplendor, libertad y  guían la mirada hacia el centro que sugieren concentración, poder y unidad.



Atendiendo a las figuras vemos que las dos extremas están enmarcadas en sendos cuadriláteros trapezoidales que nos transmiten unidad y estabilidad y al estar inclinados también dinamismo y son simétricas entre sí pues producen efecto espejo. La figura de en medio está inserta en un triángulo isósceles por lo que esta figura es preponderante sobre las otras dos pues se infiere grandiosidad, seguridad y equilibrio, de donde deduzco que podría tratarse del hermano mayor.



Pongo esta foto de una obra llamada Luís para que se vea el tipo de tratamiento que Tere llega a plasmar en una superficie que a cierta distancia y en fotos, que no sean de detalle, nos puede hacer creer que es lisa y de color uniforme.

Para que ustedes puedan gozar de otras obras y aprender sobre la forma de pintar de esta magnífica pintora llamada Tere Unsain les apunto estas webs y blogs y un revelador vídeo.


¡Que ustedes lo disfruten!





miércoles, 11 de marzo de 2015

LA NUEVA BANCA, EL ARTE “MIERDA”


Se habla mucho de ARCO y del “arte de vanguardia” y de lo incomprensible que resulta que tanta “mierda” se venda por tanto dinero. Desde la MIERDA DE ARTISTA ENLATADA de Piero Manzoni hasta hoy pienso que se ha vendido mucha “mierda” y de mis elucubraciones mentales he llegado a esta conclusión:






ARCO, en mi opinión, es la nueva banca con una moneda nueva -las presuntas obras de arte- que como tal moneda, no es necesario que sea buena sino que basta con que todo el mundo esté de acuerdo con su valor y acepte las reglas del juego. Una de las reglas es que cuando cambie de mano ha de subir su valor de forma automática. La otra, como cualquier moneda, su valor intrínseco debe ser muy inferior a su valor de mercado. De acuerdo con la ley máxima del capitalismo, un objeto tiene el valor que alguien está dispuesto a pagar por él y por ello, aunque sea una mierda, en todas las acepciones que este vocablo posee, la gente que tiene mucho dinero está dispuesta a pagar un alto precio con tal de que pasado un tiempo, sea un mes, un año o varios, obtenga buenos beneficios al revenderlo. Creo que no hay más en este "mercado", solo especulación, blanqueo de dinero, tráfico de capitales, etc.etc. y "mucha mierda".












Ahora díganme ustedes que les parecen estas "obras".

sábado, 21 de febrero de 2015

Juan Lobatón y “En Camino de Nadie”

Juan Lobatón nació en 1967 en Jerez de la Frontera, Cádiz pero vive y trabaja en Madrid (España)

Es Doctor en Bellas Artes, especialidad Dibujo (Madrid) y Licenciado en Bellas Artes, especialidad Pintura (Sevilla). Investigador en la restauración y conservación del patrimonio escultórico por la universidad de Sevilla. 


Ha sido galardonado entre los cuarenta mejores pintores del mundo, en International Art Competition  1989  (New York)

Yo pienso que podría doctorarse en Pintura y especialmente en Acuarela y la obra que presento y analizo está resuelta en esta técnica.


Para quienes son neófitos en tipos de pintura y técnicas aplicables a cada tipo expondré que la acuarela se caracteriza porque el medio es agua y el color es transparente, por tanto lo más duro es controlar el agua y como el color lo absorbe el papel, si el pintor se equivoca, es difícil de corregir y en muchos casos es imposible, por tanto hay que tener un buen control del pincel y del color.

EN CAMINO DE NADIE es una obra que mide 70x50 cm

Vemos a una señora de apariencia gitana por su vestimenta y pañuelo a la cabeza, rodeada de tres niños en tierra y con uno en brazos. Las edades son cercanas entre si, en escala, y la niña mayor sujeta con la mano a la más pequeña. En el lado derecho de la señora está el niño mayor en el suelo y el más pequeño en brazos, aunque parece aún más pequeña la niña que está en el centro. La señora aparenta sobre unos 50 años lo que hace suponer que es la abuela, máxime considerando que las mujeres de etnia gitana son madres a edad muy temprana.  Están cerca de un riachuelo que discurre por detrás. El sol parece estar en el cénit, ligeramente girado al lado derecho del cuadro y está muy bien representada la luz veraniega por el alto contraste de luces y sombras. Se puede observar el detalle de la transparencia de las sombras en las cabezas y ropas pero destaca en especial en la sombra proyectada en el suelo por el grupo de figuras, en el lado izquierdo del cuadro.



Desde el punto vista cromático, el fondo está cubierto de colores fríos y el conjunto de figuras, salvo el pantalón del niño en brazos destacan los cálidos especialmente el rojo que está en todas las figuras salvo en la niña pequeña que viste de color rosa. Destaca la figura de la señora con la blusa blanca y también el vestido moteado de flores rojas. El color rojo y sus variantes crea un ritmo cromático al aparecer en todas las figuras. Las carnaciones están llenas de matices de diversos colores violáceos, verdes, azules y rojos que yo pueda apreciar, superpuestos sobre la mezcla del color base.

Las formas y volúmenes, por lo que aprecio en la foto, están resueltos de manera bastante simplificadas como puede observarse especialmente en las manos, los ojos y el cabello.

La línea de horizonte está muy alta, cercana al borde superior, lo que hace que la escena se vea desde arriba y haga que especialmente la niña pequeña la veamos en escorzo pues el observador está muy cerca de ellos. Las cabezas también crean un ritmo de formas y luego crean, compositivamente hablando, varias figuras geométricas.

Si analizamos la estructura de la composición de esta obra nos encontramos con que el conjunto de figuras están situadas dentro de un triángulo isósceles cuyo significado es grandiosidad, seguridad y equilibrio, tal como se desprende de la posición y gestos del grupo de figuras donde la señora sujeta por el hombro a la niña mayor como dándole seguridad y es grandioso ese gesto protector sobre los niños y su cariño.




También vemos como las cabezas pueden enmarcarse dentro de un óvalo vertical provocando la sensación de delicada tranquilidad femenina que transmite a los niños y a su vez su figura emana majestuosidad y grandiosidad.




Observamos que las cabezas a su vez se pueden asociar fundamentalmente con dos triángulos uno rectángulo y el otro isósceles que, como ya hemos dicho producen sensación de grandiosidad y seguridad.





Aún podemos inferir más triángulos correspondientes a las zonas del fondo, por tanto reforzando esas mismas sensaciones que ya hemos descrito.




En síntesis una gran obra resuelta con pocos medios pero con muchos recursos para dar como resultado una obra armoniosa que nos transmite el cariño y protección que esta señora da a los niños.

El título, interpreto que se refiere a los lugares y espacios que suelen ocupar esta etnia nómada: tierras y caminos de nadie.

Antonio Sánchez-Gil






 


domingo, 15 de febrero de 2015

BOCETAR CON ORDENADOR




Les daré toda la información que necesiten