¡¡HÁGASE LA LUZ!! No como el inicio de un mito, sino como el arranque de la información; el fin del oscurantismo religioso, político y financiero para que la humanidad deje de ser esclava y empiece a disfrutar del placer de comprender la realidad.
Si vosotros, mis
lectores queréis disfrutar un rato, os propongo que vertáis vuestras opiniones
aquí sobre ARCO en general y sobre esta obra que os presento en particular.
Yo simplemente
haré una descripción de lo que veo en la obra:
Sobre la pared
está pintado un cuadrado mediante una línea de color negro, de manera que los
lados horizontales son paralelos al suelo y los verticales, por tanto son
perpendiculares al suelo. Superpuesto a este cuadrado hay un marco de madera de
forma cuadrada cuya dimensión interna es exactamente la del cuadrado pintado en
la pared; produce la sensación de que en principio han puesto el marco en la
pared y con un rotulador grueso han dibujado el cuadrado tomando el propio
marco como regla de apoyo, luego han girado el marco hasta llevarlo a la
posición que vemos en la foto. Dicho marco ha sido pintado con un tramo en
blanco, otro tramo negro y otro blanco en el lado derecho y en el lado de
abajo, más de la mitad está pintado en color rosa.
Como se puede ver
esto es muy difícil de hacer, tanto realizar el marco (que tal vez, “el artista”
mandó hacerlo a un profesional) y luego pintar, con pintura industrial, esos
tramos blancos, negros y rosa, puros, sin mezcla, ¡increíble y sublime! ¡Vamos,
esto es más difícil que pintar LAS MENINAS. Si Velázquez levantara la cabeza…
¡Ah! Y pintar en la pared el otro cuadrado, esas cuatro líneas perfectas, paralelas
dos a dos y perpendiculares dos a dos, toda una proeza para la que es necesaria
una gran preparación y una gran habilidad.
Se admiten todas
las opiniones, a favor, en contra y todo lo contrario.
IRMA ALVAREZ
LAVIADA. S.T.,
2015
Pintura industrial, bastidor y madera
Pieza única
Para mayor información podéis ver y
leer lo que hace y lo que piensa. ¡Increíble hasta ha hecho Bellas Artes!
Los actuales gurús de las Bellas Artes tachan de ignorantes a todos
aquellos que no estamos de acuerdo con sus postulados y pretenden convencernos
de que “el nuevo arte” no puede medirse con los parámetros de siempre sino con
los que ellos dicen.
Partiendo del catálogo que hay en la web de IFEMA sobre esta feria de
arte, he extraído algunas de las obras para analizarlas desde el punto de vista
artístico, pictórico y técnico mostrándoles el resultado obtenido.
MIQUEL MONT. Cooperacion
XXXIX,
2015
Acrilico, metacrilato, aluminio
220 x 150 cm
En mi personal visión observo un soporte en blanco en el que se
superponen dos círculos transparentes alineados en el lateral derecho y unidos
por una línea vertical. El situado en la parte superior tiene pintado un
diámetro negro en posición vertical y el de abajo es verde y en posición
horizontal. Desde el puntos de vista artístico no veo arte en esta pieza. Desde
el punto de vista técnico, los círculos están resueltos con un compás, la línea
que une de arriba abajo los dos círculos se traza con una regla y las líneas
diametrales están trazadas a mano y se nota la falta de uniformidad. ¿Qué conocimientos
y destrezas son necesarios para resolver esta obra? Simplemente hay que saber
manejar la regla y el compás. Pero lo más probable es que ni los círculos habrá realizado el "artista" pues en una casa de plásticos das las medidas y te lo hacen ellos.
MARIA LAET. Caminho (05.08.15, 2:50
pm), 2015
Monotipo
sobre papel japones
230
x 100 cm
Fotografia de Mario Grisolli
Para poder pedir
más dinero por este vulgar y simplón grabado ha hecho un monotipo, es decir,
una sola impresión en vez de lo habitual que es hacer una edición de 10 a 100
impresiones. Lógicamente cuanto menos impresiones se realicen más se valora
cada grabado. Como se puede ver el grabador ha resuelto dos trazos verticales,
el de la derecha está interrumpido y luego continuado. Es verdad que no son
trazos uniformes sino que están modulados dando la apariencia de dos varillas
como ramitas de algún arbusto o árbol, de donde deduzco que ha partido de una
fotografía de las varillas y mediante una emulsión fotográfica sobre la plancha
ha trasladado la fotografía, es decir aún más simple puesto que se trata de un
proceso fotográfico.
Si esto fuera un
dibujo podría tener algún mérito aunque sea una auténtica simpleza el concepto
de la obra, pero siendo un proceso fotográfico no veo donde está el arte.
Esta obra la
puede realizar cualquiera pues todo lo que necesita saber es como manejar la
emulsión fotográfica y tener una ampliadora.
LIAM GILLICK.
Four Developments and a Thought Collective
Vista
parcial de la exposición, septiembre 2015
Galleria Alfonso
Artiaco, Napoles
Aquí podemos ver
una estructura metálica con paneles de metacrilato de diferentes colores y han
colocado una en cada habitación; en el dintel de cada puerta hay un letrero.
Esta que vemos en
primer plano podría ser muy apropiada para rodear una entrada a una escalera de
bajada, pero tal como se ha resuelto da la sensación de que la ha hecho alguien
que se dedica a fabricar protectores de escaleras pero no precisamente un
artista.
PETER
KRAUSKOPF. Gestrichen Gelb “Z”
B101215, 2015 “ELIMINADO AMARILLO”
Oleo
sobre lino
150
x 110 cm
El título es muy apropiado ya
que son bandas de amarillo y en la zona derecha se cubren de gris. No obstante,
considerar que esto es una obra de arte me parece excesivo. En el mejor de los
casos esto podría ser un experimento para ver como desaparece el color amarillo
al cubrirlo con el gris y para asegurarse de que el resultado siempre es el
mimo se repite 7 veces. Cuando pintamos con acuarela, disponemos de un trozo de
papel idéntico al usado en la obra que estamos pintando para hacer pruebas de
color antes de hacerlo en la obra para asegurarnos y a mi no se me ocurre
exhibirlo luego como si fuese una obra de arte. A mis alumnos principiantes les encargaba
hacer ejercicios de mezclas en la paleta y en el soporte y una forma de mezclar
es velar un color con otro. Con esto quiero decir que lo puede hacer hasta un aprendiz
de pintor.
Este trabajo me recuerda a la pintura de Mark Rothko.
LUIS FEITO. N.° 910-B, 1972
Oleo
sobre lienzo
116
x 81 cm
Firmado, datado y
titulado en el reverso
Un fondo anaranjado plano contiene un círculo algo más arriba de la
altura media. No puedo asegurar, por la foto, si el círculo está resuelto
imitando un arañado de la pintura de base o bien es que se ha arañado
realmente al trazarlo con un compás. En la parte inferior hay dos manchas de
color rojo cadmio. En la mancha de la izquierda se ve lo que parece la puntera
de una zapatilla verde y otra rojo carmín. El título del cuadro induce a pensar
que el número corresponde al ordinal del experimento. Los conocimientos
necesarios para ejecutar esta pintura son de muy bajo nivel que corresponden a
extender el color de manera uniforme salvo en las presuntas zapatillas que están
abocetadas. Por tanto el conocimiento máximo necesario para pintar esto es
saber abocetar cosas sencillas.
GIORGIO
GRIFFA. Untitled, 1970
Acrilico sobre
lienzo
232
x 465 cm
Firmado, datado y
titulado en el reverso
La primera impresión que me produce esta tela sin bastidor es que se
trata de una toalla y cuando analizo las bandas horizontales de color, que si
bien tienen todas el mismo ancho, los colores son diferentes; me recuerdan a
los gráficos de barras que se utilizan en negocios, economía o encuestas. Tiene
el mérito de que han sido trazadas a mano y sin embargo son casi rectas. En realidad
es una escala cromática que empieza por azules y continúa con rojos, verdes,
amarillo, violeta y rosa. Estos colores no es necesario ni siquiera obtenerlos
por mezclas pues ya hay tubos con esos colores concretos, por tanto todo el
mérito está en el trazo continuo. No hacen falta más conocimientos y
habilidades.
ED VAN DER ELSKEN. Vali, REVE Paris, 1952
Fotografía
de gelatina de plata, impresión analógica baritada sobre papel Ilford de tono
neutro
27,5 x 27,5 cm
(imagen)
Impreso
por Printed by Hans Bol en 2013 En el mundo de la fotografía, antes de la "revolución del color", casi todas las fotos (incluidas
las instantáneas) eran sobre de
plata. Este de
fotografías se vale de la reacción que se produce entre las sales de plata y la
luz para imprimir las de una
película sobre un papel que ha recibido previamente un tratamiento específico.
Este procedimiento se extendió ampliamente durante la década de 1890 y siguió
siendo muy popular, especialmente en la fotografía artística, hasta que la
película fotográfica fue reemplazada casi por completo por la fotografía. El papel de brillo de la marca Ilford es de calidad.
Es una buena fotografía considerando la situación técnica de entonces
donde hay poca gradación de grises. No obstante no es una foto especialmente
buena o significativa salvo por el letrero REVE que hoy corresponde a un hotel
y a un restaurante; desconozco el significado y el contexto de esta foto.
Estas son algunas de las “fantásticas” obras que presenta ARCO y que
seguro supondrán millones de euros en ventas pues los precios están bien
engordados aunque no sean, al menos para mi, obras de arte propiamente dichas.
En mi opinión, al igual que en otros campos profesionales y sociales, todo está
manipulado para especular con los precios y por tanto con el valor real de las
presuntas obras de arte. Cuanto más simplona y ocurrente sea la obra más margen
les queda a los que se enriquecen con la compraventa de las mismas. Los
compradores son gente con mucho dinero que unos casos blanquean y en otros
especulan sacando, pasados años, las obras a subasta, por tanto es una
inversión muy rentable. En esta dirección de Internet encontrarán el catálogo de ARCO 2016 http://www.ifema.es/ferias/arco/2016/pdf/catalogo_ARCOmadrid_2016_baja.pdf
Lo primero a diferenciar y
apreciar es que la capacidad creativa la tenemos todos al nacer, por
tanto no es el privilegio de unos pocos. Es verdad que, como cualquier otra
característica humana la cantidad que cada uno recibe es variable. Pero es muy
importante el ambiente familiar y local en que se desenvuelve el niño que
facilitará el desarrollo de sus
facultades creativas o bien se atrofiarán. También importa la capacidad de
persistencia del individuo que le llevará a vencer las dificultades que se le
presenten en su aprendizaje o bien le llevarán a abandonar.
LEDA Ángel Gómez
La capacidad creativa es un valor aplicable a muchos campos
y profesiones, e incluso en cualquier oficio, donde la gente creativa idea
nuevos procedimientos que faciliten su trabajo y les haga más eficaces. Cierto
que se percibe de manera sobresaliente en el arte, pero también en la
investigación científica, en los inventos de nuevos dispositivos, en el
desarrollo de productos, en el diseño, etc. y en estos últimos campos es
absolutamente necesario una profunda formación, pero algunos de los que se
dedican a las artes plásticas piensan que no necesitan ninguna preparación pues
como ellos tienen el don, lo que hacen ya es arte.
BODEGÓN, GÁRGOLA, QUIMERA Modesto Trigo
Hoy muchos se creen artistas porque sus trabajos los pueden
dar a conocer a miles de personas a nivel mundial y como algunas personas que
ven las fotos de sus trabajos les ponen ME GUSTA y hasta escriben como
comentario “fantástico” “genial” “muy bueno” etc. llegan a la conclusión de que
quienes dicen eso son expertos en arte; antes solo sabían de su actividad su
familia y sus amigos. Los medios de comunicación, especialmente Internet, le
permiten conocer lo que hacen otros artistas en cualquier parte del mundo y ver
fotografías de las obras que realizan y observan que pueden hacer cosas que no
parecen especialmente dificultosas pues ellos se atreven a ponerse a pintar y
al ver la semejanza llegan a creerse que son grandes artistas, por tanto si
antes nunca hicieron nada de esto y al ponerse a hacerlo ven que es bastante
parecido a los trabajos de los famosos, naturalmente es que ellos han recibido
un especial don divino. Lástima que no se dan cuenta que muchos de esos
trabajos de solución fácil y disparatada no es arte sino especulación de un
grupo de mercaderes del arte. También ven que somos una minoría de la población
los que nos dedicamos a las Bellas Artes, razón de más para considerarse
especial.
NICOLE KIDMAN Fernando Ramos
Si analizamos el trabajo de artistas de otras ramas de las
Bellas Artes, como puede ser un actor/actriz de teatro o cine, todo el mundo
sabe distinguir perfectamente uno bueno de otro mediocre o malo y lo mismo pasa
con la danza del tipo que sea, ballet, baile regional o baile de salón, amén de
las coreografías. Para alcanzar el nivel profesional y que la gente disfrute de
su trabajo y le aplauda, solo ellos saben el esfuerzo y muchas horas de
aprendizaje y ensayo que han dedicado a lo largo de su vida para poder hacer lo
que hacen con ese nivel de perfección.
¿Porqué extraña razón en las Arte Plásticas hay tanta gente
que piensa que no es necesario aprendizaje alguno? ¿Por qué creen que hagan lo
que hagan y les salga como les salga lo que hacen es una obra de arte? ¿Acaso
se creen tocados por el dedo divino? ¿Son tan ciegos que no ven los errores que
cometen?
EFECTO CONTRALUZ Fermín García Sevilla
En facebook vemos a muchos pintores y escultores, unos con
calidad y otros con menos, que añaden a su nombre la palabra artista, por si
alguno no se da cuenta de que pintura y escultura están dentro de las artes y
que por tanto ellos son artistas. También es cierto que la mayoría de los que
se ponen la palabra “artista” son los aprendices, por tanto aún muy lejos de
esa denominación que corresponde a “persona
que hace muy bien una cosa o destaca en su actividad” pero dentro de las artes
se considera artista al que crea obras, no al que las copia o reproduce que hay
que llamarle copista o artesano.
Este análisis tiene una conclusión muy sencilla:
La ciencia infusa no existe y el don divino tampoco.
Cualquier persona posee de forma innata unos valores o facilidades para un
determinado tipo de actividad entre los cuales están las Bellas Artes y todo
aquel que quiere llegar a ser un artista, debe pasar por un proceso de
aprendizaje, bien sea en un taller, academia, escuela o facultad y dependiendo
del maestro/profesor que tenga y de las facultades y esfuerzo que dedique el
aprendiz, alcanzará mayor o menor dominio del oficio, única forma de que llegue
a ser un profesional como en cualquier otro campo. Los que eligen el
autodidactismo lo tienen bastante más difícil ya que ellos, por si solos, deben
averiguar qué es lo que necesitan aprender y una vez sabido esto necesitan
saber donde y como encuentran la información que necesitan. Todo el mundo piensa
que encontrarán la respuesta en Internet pero hay que tener cuidado porque no
todo el que escribe en Internet es profesional. Y otro concepto que hay que
tener claro, el aficionado que se compra el material necesario para pintar,
esculpir, modelar, etc. y no se informa de nada sino que se pone a trabajar a
la buena de dios, ese no es autodidacta pues nada estudia, simplemente se
entretiene y disfruta de lo que hace, lo cual me parece estupendo pues así
empezamos todos, pero si realmente quiere llegar a ser un artista “se lo tendrá
que currar”
ROJO Y PASIÓN Enrique Donoso
Pongo aquí las fotos de unas obras resueltas por algunos de
los grandes maestros de la pintura realista actual en España y podéis preguntarles si
llegar a ese nivel de calidad ha supuesto algún esfuerzo o simplemente es un
don divino y empezaron a pintar ya con ese dominio.
El
Maestro Ramiro, no es un pintor más, ni un pintor común y corriente. Es un
artista que deja en cada una de sus obras, un pedazo de su vida; trozos de
energía impregnados en los poros de sus personajes y bocanadas de aire que salen
desde sus pulmones en dirección a los de esos hombres viejos apostados en
diversos escenarios por él inventados pero que existen de verdad y de esos
jóvenes y esas hermosas mujeres, que respiran eternamente para negarse a morir
definitivamente.
Pintor nacido en Chinchiná (Caldas) Colombia en 1954 en el
seno de una familia de escultores y pintores autodidactas. El cuerpo humano más
que un ser erótico o deseoso de fuga libido es por si mismo, por su esencia más
inmediata, un soñador, un creador y es a través del cuerpo, de ese mismo cuerpo
aporreado, que se han convertido en un ser comunicante de sueños, de
ambiciones, de dudas y soledades que el hombre ha imaginado y cada día nos
asombra. (datos de sus webs)
LA OBRA
Una mujer sentada sujeta una tela con las manos cubriendo su
pecho y cae como si fuera su vestido, cubriendo las piernas hasta cerca de las
rodillas. De fondo un atardecer en una playa con los colores amarillos,
anaranjados, rosas y azules fundamentalmente. La luna ya está fuera y muestra
un estrecho gajo iluminado blanquecinamente. La atmósfera creada hace confundir
el mar con el cielo sin que tengamos claro donde termina uno y empieza el otro.
Los azules son transparentes y se transforman en bellas flores con pistilos
rojos. También aparece una hoja palmeada de árbol. A la derecha de esta mujer
vislumbramos otra transparente como si fuera un espíritu o fantasma de pie y
mirando hacia el suelo. Tal vez sea su ángel de la guarda, su conciencia…
Empecemos por decir que como corresponde a un hiperrealista
o pintor de realismo fantástico, el dibujo también es fantástico.
La figura principal está iluminada desde el lado izquierdo
por una luz alta de matiz dorado y la obra adquiere una gran luminosidad
gracias al juego de los complementarios de dorados/violáceos y naranjas/azules.
La composición está construida sobre las diagonales del
cuadrilátero y la figura está situada justamente en la línea de la sección
áurea. La intersección de las dos diagonales coincide justamente con la
posición del ombligo de la figura. Así mismo, línea de horizonte está en el
centro.
Una de las diagonales está marcada por la Luna arriba y por
un pequeño montículo en el suelo. La otra la definen unas manchas más oscuras
que el fondo arriba y una especie de cascada de flores y hojas que caen al
suelo.
Pero también la figura está inscrita en un triángulo
rectángulo que transmite a nivel subliminal las sensaciones de seguridad,
estabilidad y firmeza. El ritmo lineal de la pose del cuerpo es una línea
ondulante llena de feminidad y sensualidad.
La tela que cubre el cuerpo de la figura principal tiene
unos delicados drapeados y tiene la textura de la seda. Las sombras y medios
tonos está impregnados de una gran variedad de matices cromáticos donde la luz
se descompone como en el arco iris, una absoluta preciosidad.
Aquí tienen lugares donde disfrutar de muchas obras de este mágico pintor.
Esta conferencia es más bien una lección magistral, apoyándome en 45 diapositivas, donde veremos, paso a paso, todos los elementos que componen este cuadro titulado EL PASEO de Claude Monet, por tanto, desgranaré los pasos a seguir para analizar un cuadro, tomando este como base y descubriendo detalles y aspectos que no son visibles para la mayoría de los amantes del arte.
Saber las leyes de la composición es saber una parte de la ciencia del arte, a través de la cual el pintor logra las máximas armonías y, gracias a los mensajes subliminales con sus significados que el uso de estas leyes permite, el artista logra sacar el máximo provecho de su obra, seduciendo al espectador. Los amantes de la pintura, mediante el conocimiento de la composición, lograrán desentrañar de manera consciente y con conocimiento, lo que el artista nos dice con absoluta seguridad y esto les permitirá disfrutar en profundidad de la pintura. Dicho de otra manera, estos conocimientos le permiten al artista pintor crear una obra en la cual integra de manera científica el mensaje que quiere dar y con las armonías de líneas, figuras y del color seducirá al espectador. El amante de la pintura, al comprender el lenguaje utilizado, logrará de manera real "leer el cuadro". En la conferencia demostraré como funciona este lenguaje, pero para adquirir un conocimiento completo del mismo, en unos meses crearé un curso on-line que integraré en mi academia virtual
Cuando vemos una exposición, todos somos testigos de cómo hay cuadros que atraen más que otros, como la gente se para a contemplar ciertos cuadros concretos y como el resto los ve de pasada y nosotros hacemos exactamente lo mismo. ¿Por qué sucede esto? Podríamos pensar que la diferencia está en los colores, la luz, el que sean unas obras más realistas que otras o que el tema atraiga más o menos. Sin duda esto tiene su influencia y luego cada uno, en su subjetividad, puede sentirse más atraído por unos aspectos que por otros, pero cuando vemos que la mayoría de la gente se siente atrapada por los mismos cuadros es porque estos tienen algo especial que no tienen los demás. ¿Y que tienen esos cuadros tan atractivos que no tienen los otros? Pues sencillamente que su “composición” está resuelta para seducir mediante armonías de líneas, figuras, pesos, colores y tonos.
Modesto Trigo Trigo
¿Quiere esto decir que el pintor ha planificado, estructurado, distribuido los elementos del cuadro de una forma especial para conseguir atrapar la mirada del espectador? Si, rotundamente si.
¿Y esto lo hace de manera premeditada y deliberada o lo hace inconscientemente? Unos lo hacen de forma inconsciente y por ello con unas obras aciertan y con otras no, de manera que el mismo no se explica porque sucede eso. Otros actúan de forma consciente analizando como distribuir los elementos y su intuición les dice cual es el mejor modo, el que más les llena, y otros conocen perfectamente las leyes de la composición y las aplican, que es lo que hacen los grandes maestros y lo han hecho así a lo largo de toda la historia del arte.
Os estaréis preguntado ¿Dónde está el secreto y cuáles son esas leyes?
1ª. Las proporciones del soporte o lienzo. Esto es lo primero a tener en cuenta, elegir el soporte sobre el cual vamos a desarrollar nuestra pintura. Normalmente se utiliza un formato rectangular pero también puede ser cuadrado o redondo –circular y oval-. Existen unos tamaños estándar de los bastidores y hay tres formatos, cada uno con proporciones diferentes, así el formato figura es casi cuadrado, más alargado el formato paisaje y más alargado aún el formato marina. Y luego estos podemos ponerlos el lado más largo en sentido vertical o bien en sentido horizontal.
2ª. La división del espacio. El espacio creado por la superficie del cuadro, podemos dividirlo de muchas formas, pero especialmente hay tres, debido a sus proporciones: ½, 5/3 y cualquier otra. Solo la proporción 5/3 da unidad y variedad simultáneamente y esta es la que llamamos SECCIÓN ÁUREA, PROPORCIÓN DORADA o REGLA DE ORO.
3ª. Las líneas. Evidentemente pueden ser rectas y curvas, apareciendo de manera más o menos velada en la estructura del cuadro y en la distribución de los elementos sobre la superficie del soporte. Tendremos en cuenta si las líneas están en sentido vertical, horizontal o inclinada.
Teresa Unsain
4ª. Las figuras geométricas. Fundamentalmente tenemos el triángulo, el cuadrado, el cuadrilátero, el círculo y el óvalo. También utilizamos las letras J, L, C y S.
Ángel Gómez
5ª. Las masas. Según su posición en la superficie del cuadro, pueden ser simétricas y asimétricas.
6ª. Equilibrio de pesos. El balancín. Para que un cuadro “no se caiga” de un lado, es necesario equilibrar los pesos, desplazando los pesos hacia un lado o hacia el otro o bien utilizando líneas equilibradoras.
7ª. El destaque de los tonos y colores. Para que un tono o color destaque de entre otros no solo depende del contraste sino también de su superficie relativa.
8ª. Las claves tonales. Los tonos se disponen de manera especial para que el conjunto forme una unidad armónica. Está la clave mayor en la cual interviene blanco y negro con todos los grises entre ellos y la clave menor en la que interviene el negro o el blanco con los grises correspondientes.
9ª. Los ritmos. Igual que en la música dependen de tiempos y repetición además de determinadas notas, en pintura depende de recorridos y de repetición de tonos y colores.
Vincent van Gogh
10ª. El centro de interés. Mediante el uso de las leyes anteriores, una o varias de ellas, debemos obligar a la mirada del espectador a que se centre en el punto que nosotros consideremos como el principal y mejor aún si marcamos el recorrido visual que debe realizar el espectador.
Si asimilamos bien estas leyes de la COMPOSICIÓN y las aplicamos adecuadamente, podéis estar absolutamente seguros de que vuestras obras seducirán a los espectadores atrapando su mirada sin que puedan resistirse.
Este secreto os será revelado en el taller que los días 16 y 17 de enero de 2016 realizaré en la FUNDACIÓN ARCILLA que preside Modesto Trigo Trigo en Madrid.
Cuando terminamos un cuadro, nos gusta mostrarlo a la familia y
amigos para ver si les gusta o no y que opinión les merece. Según el grado de
confianza te dirán lo que les gusta y lo que no, o bien se limitan a decir que
es precioso, bonito, genial, estupendo, fantástico…pero eso a ti no te ayuda
para seguir perfeccionando tu arte. Si todo lo que te dicen es positivo tu ego
engorda y te sentirás fantástico pero a la hora de la verdad te hará daño, pues
tú no avanzarás al no corregir los errores o rutinas negativas que cometas, no
avanzando en tu perfección y dominio, especialmente si llegas a creerte que
eres fantástico.
LEDA Ángel Gómez
Tú realmente necesitas a un profesional que te diga tus valores
y tus errores que aparecen en tu obra y que son un reflejo claro de tus
conocimientos y habilidades para resolver un cuadro. Este profesional analizará
el dibujo, las armonías cromáticas, las armonías lineales y de figuras y
formas, la composición de la obra, recorrido visual, centro de interés, las
técnicas aplicadas, etc,
Sabéis que la crítica habitual que aparece en revistas y
catálogos, puede ser muy válida para el gran público por su evocación poética
que envuelve de misterio y sugerencias maravillosas a la obra y al artista,
pero dudo de que sea igualmente válido para el propio artista salvo para
engordar su ego y su autoestima.
Yo realizo un análisis
técnico objetivo, con parámetros observables y medibles que vosotros como
artistas comprenderéis perfectamente y que os servirán de ayuda en la evolución
y valoración de vuestro arte y por tanto os puede servir como orientación sobre
el camino a seguir, pudiendo así reforzar valores y corregir elementos no
convenientes.
El primer análisis lo haré
gratuitamente. Vosotros me diréis si queréis que el
texto que yo escriba sea público o privado y lógicamente podéis hacerme todos
los comentarios que consideréis oportuno antes y después de mi análisis. Con mi
análisis os puedo ayudar a mejorar vuestro trabajo indicándoos vuestro puntos
fuertes y vuestros puntos débiles y os puedo orientar sobre cual puede ser el
mejor camino a seguir.
La mayoría ya habréis visto análisis realizados por mí de
pinturas antiguas y actuales. Últimamente los hago de los mejores pintores actuales y
que muchos conocéis perfectamente como Fernando
Ramos, Ángel Gómez, Juan Lobatón, Teresa Unsain, Hernán Javier Muñoz, Modesto
Trigo, Antonio López, Enrique Donoso y Fermín García. Ellos me manifiestan
que jamás nadie les hizo un análisis tan exhaustivo como el mío y que deduzco
perfectamente todo lo que ellos pensaron y se plantearon a la hora de proyectar
su obra. Estas manifestaciones avalan mi trabajo.
EMPEZANDO Tere Unsain
Los interesados podéis contactar conmigo a través del chat de FACEBOOK y por riguroso orden de
entrada los iré haciendo. Además de apuntarte me puedes comentar lo que
consideres oportuno para que haga el análisis a una obra tuya.
Además de en Facebook podéis ver mis trabajos en estas
direcciones:
